Spike Jonze (né Adam Spiegel le 22 octobre 1969 à Rockville, Maryland), est un réalisateur de vidéos clips et de cinéma ainsi qu’un producteur de télévision.

Passionné de skate, rider émérite en bmx/freestyle, Adam Spiegel a commencé comme photographe dans le magazine de bmx FREESTYLIN’ http://oldschoolmags.com/freestylin.html. Il a ensuite commencé à réaliser des videos de skateboard, et s’est tout naturellement mis à réaliser des courts-métrages et des clips. À l’instar de son collègue Michel Gondry, mais dans un autre registre, Spike Jonze est intéressé par les paris risqués. Produire une fausse troupe de danse (très) amateur pour Fatboy Slim, plonger Björk dans une comédie musicale classique, intégrer le groupe Weezer à un épisode de Happy Days, transformer son épouse en gymnaste professionnelle pour les Chemical Brothers. Ce genre de préoccupations trouve depuis quelques années un souffle nouveau dans deux parties très distinctes du travail de Jonze : son œuvre de cinéaste, d’un côté, et de l’autre, son œuvre en tant que producteur de la série Jackass pour MTV, où des cascadeurs professionnels se mettent en péril de manière drôle et bête.

En tant qu’acteur, Spike Jonze a joué dans le film Les Rois du désert (Three Kings).

Il collabore souvent avec le scénariste Charlie Kaufman.

En 2009, il adapte le célèbre livre pour enfants de Maurice Sendak, Max et les maximonstres. Le film est sorti en salle le 16 décembre 2009.

« Her, ou l’histoire étrange de Theodore Twombly (Joaquin Phoenix), un homme sensible laissé inconsolable après une rupture difficile qui fait l’acquisition d’un programme informatique ultramoderne, capable de s’adapter à la personnalité de chaque utilisateur : il fait la connaissance de ‘Samantha’, une voix féminine intelligente, intuitive et étonnamment drôle… dont il va tomber amoureux.

Interviewé par AlloCiné le 11/11/2013 :

Tous vos films s’attachent de près ou de loin aux relations humaines. Où en êtes-vous dans ce domaine ? Comprenez-vous mieux les relations entre les humains ?

Spike Jonze : Oui, vous avez raison, cela me fascine. Dans le cas de « Her », ce n’est pas seulement la relation d’un homme avec une machine mais aussi avec son environnement et les gens qui l’entourent. Et je pense que tout le monde peut s’identifier à ce personnage et sa difficulté de communiquer avec « l’Autre ». Mais vous avez raison, car après quatre films je réalise en effet que je reviens toujours à ce thème de la relation entre les êtres, les animaux, ou ici les hommes et leur ordinateur. Ce qui est amusant, c’est que lorsque je tourne, je ne me rends pas compte de cette récurrence de thèmes : ce n’est pas pensé ou structuré, cela vient naturellement.

Quels ont été les défis, les challenges que vous avez dû surmonter ?

La difficulté majeure était de vous faire croire dans la relation amoureuse entre cet homme et la machine alors que l’on ne voit que lui à l’écran et qu’ELLE on ne fait que l’entendre. C’est pour cela que je voulais Joaquin Phoenix, qui est un acteur tout en finesse et d’une subtilité incomparable. Il doit réagir et ressentir en permanence comme si ELLE était vraiment là, devant lui. Il a fait un travail incroyable et bluffant. La difficulté est venue aussi, pendant l’écriture, d’imaginer à quel point nous pouvons devenir dépendant de nos ordinateurs. Et c’était dur de trouver un équilibre entre ces idées un peu complexes et un rapport humain simple et compréhensible. Je voulais surtout montré la difficulté à maintenir une relation, surtout comme dans ce cas quand la « personne » n’est pas vraiment physiquement présente.

En parlant de Joaquin, vous pouvez expliquer plus en détails ce choix ?

Beaucoup de gens disent que c’est dur de travailler avec lui, mais pour moi c’est le contraire. Il me fait confiance et sait être direct dans ses rapports. C’est un être complexe qui aime comprendre ce qu’il joue et qui ne tombe dans la facilité ou l’évidence. Par exemple ce n’est parce que une scène est triste qu’il jouera la tristesse. Il aime être à contre-courant d’une certaine manière, et surprendre. Même quand il comprend la motivation de son personnage, il ne sait pas toujours où il va avec sa performance et il laisse les choses faire, il tâtonne, improvise, cherche tout en douceur la meilleure interprétation possible pour la scène à jouer. Ainsi, avec lui, toute prise est différente et pleine de fraîcheur. C’est pourquoi j’adore travailler avec lui.

L’idée de génie a été de confer à Woody Allen le rôle du maquereau. Comment est-ce arrivé ?
John Turturro J’avais joué dans un film de Woody Allen en 1986, « Hannah et ses soeurs ». Nous avions gardé le contact. Il se trouve que nous avons le même coiffeur. Et, un jour que je confiais à ce dernier l’idée de mon scénario, il m’a dit : « Woody Allen est mon client. Je vais lui parler. » Les choses se sont faites ainsi, ciseaux en main.

Comme dans la mafia ?
Oui. Beaucoup de films ont vu le jour chez le coiffeur. Beaucoup de truands ont été exécutés sur le fauteuil de leur coiffeur. Je me demande s’il y a une relation.

Donc… ?
Donc j’ai été voir un de mes copains, un libraire spécialisé dans les livres anciens, qui m’a dit : « Prends mon personnage, prends Woody Allen, et fais ton film. » Du coup, le personnage est devenu un maquereau bibliophile. Mon film est une version ironique de « Macadam Cowboy ».

Comment Woody Allen a-t-il réagi ?
Je lui explique ce que je veux faire, il me regarde. « Tu veux que je joue… un mac ? Tu es sûr ? » Je lui raconte mon scénario, et il le ponctue de remarques : « Ca, c’est pas drôle. » Puis : « Ca, c’est peut-être drôle. » Et finalement : « C’est drôle. »

Ecrire un scénario avec l’aide de Woody Allen, c’est comme être charpentier sous l’égide de saint Joseph.
… ou électricien avec M. Volt. C’est formidable.

Diriger Woody Allen, n’est-ce pas intimidant ?
Bien sûr ! Mais, sur le plateau, je dois dire qu’il est très facile, très coopératif. J’ajoute que je suis bien plus grand que lui, ça facilite les choses.

Votre film est une version amusante d' »American Gigolo » ?
Non. C’est un film sur l’amitié, sur les rapports entre les gens. Ces rapports sont faits d’affection, d’absurde, de ratages, de plein de choses. Le sexe, c’est secondaire.

Vous avez travaillé comme acteur avec beaucoup de grands réalisateurs : Scorsese dans « la Couleur de l’argent », Francesco Rosi, Michael Cimino, les frères Coen… Qu’avez-vous appris dans le domaine de la mise en scène ?
Qu’il ne faut jamais hésiter. Une fois que la scène est écrite, découpée, cadrée, il faut y aller. La rigueur, voilà la clé de tout. Le reste n’est que du vent.

A propos des Coen, l’un de vos rôles les plus mémorables, c’est celui de Jesus (prononcez Hésouss) Quintana, le joueur de bowling, dans « The Big Lebowski »…
Ah ! Je l’ai adoré, ce personnage. Vêtu de violet, l’ongle long au petit doigt, une sorte de voyou latino imbu de lui-même… C’est un personnage que j’avais conçu dans une petite pièce de théâtre, et les Coen l’ont aimé. On s’est dit qu’un jour nous tournerions un film avec la suite des aventures de Jesus Quintana… Il le mérite.

Vous êtes devenu metteur en scène parce que votre métier d’acteur vous frustrait ?
Non. Je suis très content de ma carrière d’acteur, j’ai eu beaucoup de chance. Mais il y a des histoires que je veux raconter. Je ne suis pas motivé par l’argent – on m’a proposé de réaliser des superproductions hollywoodiennes, j’ai refusé – ni par la célébrité. Je veux faire des trucs intéressants, voilà tout.

Comme à vos débuts ?
Exactement. A la fin des années 1970, quand j’ai débuté dans le métier, je jouais dans des pièces off-off-off Broadway, pour des cachets ridicules. C’était tellement off que c’était dans le Nebraska, ou presque. On ne mangeait que la poussière des planches et le papier peint de la chambre d’hôtel. Mais j’ai adoré cette période. Le théâtre était roi. Le cinéma, c’était bon pour les vendus. Nous, nous étions des purs. Le jour où on m’a payé 300 dollars la semaine, j’ai cru que j’étais milliardaire !

Qu’est-ce qui vous poussait ?
L’amour du théâtre. Je ne voulais rien faire d’autre. Rien.

Qu’est-ce qui vous a fait changer d’avis, sur le cinéma-bon-pour-les-vendus ?
La Nouvelle Vague. J’ai vu les films de Trufaut, de Godard, de Chabrol, de Rohmer, de Louis Malle, et je me suis dit : il existe un autre cinéma que celui des studios. Un cinéma d’auteur. C’est drôle de penser qu' »Ascenseur pour l’échafaud » a pu changer ma vie…

Comment avez-vous découvert le théâtre, enfant ?
Mon père était charpentier, ma mère chantait en amateur, et ils allaient au spectacle. La famille vivait dans une électricité permanente : mes parents s’adoraient, mais ça criait pas mal, aussi. On riait, on cassait des assiettes, on hurlait, on s’embrassait. Très italien, tout ça… C’était comme un théâtre permanent. Il y avait du théâtre dans ma vie, et je me suis borné à mettre de la vie dans mon théâtre… Je me suis tout de suite passionné pour Shakespeare et Tennessee Williams. Le cinéma, c’est une autre histoire…

C’est-à-dire ?
Les acteurs de cinéma, dans ma jeunesse, étaient beaux et blonds. Moi, je ne suis pas beau et je suis brun.
Je n’imaginais pas avoir une carrière dans les films. Puis j’ai vu Dustin Hoffman dans « Little Big Man ». Boum badaboum ! Tout a changé. Il était petit, brun et moche. Si lui pouvait être tête d’affiche, alors moi aussi.

Quels ont été les rôles déterminants pour vous ?
Probablement « Do the Right Thing », de Spike Lee, et « Miller’s Crossing », des frères Coen. Dans les deux, je jouais des personnages qui n’ont rien d’héroïque. C’est devenu ma note personnelle : le trouble. Mais ma passion du théâtre n’est pas éteinte. Mon deuxième film comme metteur en scène, « Illuminata », en 1998, se déroulait dans les coulisses d’un théâtre, et, à l’occasion, je remonte sur les planches avec plaisir.

« Apprenti Gigolo » est votre cinquième film comme metteur en scène. Vous êtes en dehors du cinéma américain d’aujourd’hui. Pas de superhéros, pas d’explosions, pas d’effets spéciaux…
C’est du cinéma d’artisan, et j’en suis heureux. Car, depuis 1927, on est passé du cinéma muet au cinéma qui n’a rien à dire. Essayons d’inverser la tendance, c’est ce que m’a dit mon coiffeur.

Par François Forestier 9 avril 2014

Le Roi Resnais

Décédé le 1er mars à 91 ans, le réalisateur de « Nuit et Brouillard » et d' »On connaît la chanson » était un géant. Portrait.

Que la machine se détraque. Voilà ce qu’il attendait, quitte à le provoquer : « Si le film commence à ronronner, j’ai envie d’un coup de cymbale. Je veux qu’au moment où le spectateur croit que le film va tout droit, ça parte sans crier gare sur une bretelle que personne n’a devinée. » Quelque chose en Alain Resnais – né en 1922 – s’était détraqué, il y a quelques années, dans la colonne vertébrale, les muscles, les artères. Depuis plusieurs mois, on ne le surprenait plus dans sa promenade quotidienne, dans le quartier des Champs-Élysées. Et, lorsqu’il vous recevait chez lui, il se tenait bien droit sur sa chaise, un coude appuyé sur la table couverte de DVD. Alors, parler de cinéma, de théâtre, d’acteurs, de bandes dessinées, de livres, de sa passion pour Bob Hope ou de son amour de Stephen Sondheim lui offrait de mettre entre parenthèses ses misères, tandis que sa vivacité d’esprit, sa malice, son intelligence fulgurante, son extrême bienveillance faisaient oublier qu’il avait dépassé les quatre-vingt-dix années. Et puis la machine détraquée a fini par s’arrêter, au soir du 1^ermars.

Depuis plus de soixante- dix ans qu’il était entré en cinéma, par la porte de l’Idhec (Institut des Hautes Etudes cinématographiques), section montage, ce fils d’un pharmacien de Vannes avait exploré son art plus et mieux que quiconque. En témoigne la fantastique diversité de son oeuvre, que lui-même se plaisait à porter au compte du hasard, expliquant que ses films étaient tous le produit de rencontres et de désirs qui n’étaient pas forcément les siens, mais ceux des producteurs, des écrivains, des acteurs. Ainsi parlait-il à leur propos de « commandes », mouvement qui lui était naturel et témoignait d’une humilité très exceptionnelle, mais qui exprimait également une réalité : si le réalisateur de « Pas sur la Bouche » est aussi celui de « l’Année dernière à Marienbad », si le cinéaste de « Hiroshima mon amour » a signé également « On connaît la chanson », c’est bien qu’il a voulu et su se laisser porter, sans négliger pourtant de reproduire les soubresauts de l’histoire, guerres d’Algérie (« Muriel ou le temps d’un retour », 1963), d’Espagne (« La guerre est finie », 1966), du Vietnam (participation au collectif « Loin du Vietnam »), ou évocation de l’affaire Stavisky (1974).

Dans la mémoire collective du spectateur, quelques-uns de ses films se distinguent, qui ne se ressemblent pas et sont pourtant à l’évidence l’oeuvre d’un même homme. Sur un texte de JeanCayrol dit par Michel Bouquet, les images de « Nuit et Brouillard » (1955) apportèrent à plusieurs générations la révélation de l’horreur absolue, celle que pendant dix ans on avait choisi de taire, celle que certains tentèrent encore de cacher, s’appliquant à limiter la diffusion du film (la censure française exigea que fût recadré un plan qui montrait le képi d’un gendarme français surveillant les pauvres gens). Alain Resnais fut ensuite catalogué cinéaste intello-emmerdant, à cause de « Hiroshima mon amour », texte de Marguerite Duras, et de « l’Année dernière à Marienbad », scénario d’Alain Robe-Grillet. Resnais n’avait pas oublié cette phrase d’un exploitant marseillais à propos de « Marienbad », film qui ne compte pas, en effet, parmi les plus limpides de son auteur : « C’est très beau, monsieur Resnais, très beau… Mais ce serait quand même terrible si demain tous les films étaient comme celui-là… » A ce souvenir, il riait encore, s’amusant de ce que l’on puisse redouter qu’un jour tous les films se ressemblent, quand le monde du cinéma est assez grand pour tous les contenir. « L’Année dernière à Marienbad » avait été vu en France par près de 900 000 spectateurs. Comme avec « Hiroshima », Resnais y inventait des manières nouvelles, constructions dramatiques inédites, partis pris de montage révolutionnaires, qui subjuguèrent les cinéastes, ceux de la Nouvelle Vague, mais aussi tous les autres, et ceux qui rêvaient de le devenir.

Dans « Providence » (1977), un vieillard à l’approche de la mort (John Gielgud) s’inventait ainsi qu’à ses proches une autre vie que la sienne, une autre existence que la leur. A -55- ans seulement, Resnais était déjà un peu ce vieil homme, comme il était tous ses personnages. Avoir pris ainsi de l’avance a pu l’aider à rester jeune longtemps. Jeune, il le fut lorsque, près de vingt ans plus tard, il fit appel à Agnès Jaoui etJean-Pierre Bacri et pour adapter Alan Ayckbourn, et cela donna les ébouriffants « Smoking/No Smoking » (1993), avec Pierre Arditi et Sabine Azéma dans tous les rôles. Il signa ensuite « On connaît la chanson » (1997), où les paroles de Johnny Hallyday, France Gall, Joséphine Baker, Ouvrard, Bashung étaient mimées par les fidèles Arditi, Azéma, Dussollier, Lambert Wilson et autres. Et puis il s’en alla trouver une opérette oubliée (« Pas sur la bouche », 2003), s’offrit le coup de folie génial des « Herbes folles » (2009), peut-être le plus étourdissant de tous ses films. Enfin, il vous reste à découvrir « Aimer, boire et chanter », heureux mortels que vous êtes. Resnais a encore réussi son coup : il vient de passer la porte, il nous manque, c’est à pleurer, mais il aimerait qu’avec lui on sourie.

Par Pascal Mérigeau 8 mars 2014

Biographie

 Né le 9 mars 1963 à Montréal, Québec, il étudie le cinéma au Collège Ahuntsic et à l’Université de Montréal.

Il réalise Liste Noire en 1995. Ce film a suffisamment de succès au Québec pour retenir l’attention des studios d’ Hollywood. En conséquence, Vallée reçoit des offres de réalisation qui le maintiennent une dizaine d’années en Californie.

 À partir de 1995, il s’attache à réaliser C.R.A.Z.Y. Après dix années d’efforts, le film connaît un succès de salle au Québec et gagne plusieurs prix dont neuf prix Genie et quatorze prix Jutra. Le film obtient un énorme succès à travers le monde

 En 2009, il réalise le long métrage britannique produit par Martin Scorsese, Victoria: les Jeunes années d »une Reine, qui relate de façon romancée la jeunesse de la reine Victoria du Royaume-Uni. Le film est nominé aux Oscars du Cinéma.

 En 2013, il réalise aux États-Unis Dallas Buyers Club, nommé à l’Oscar du Meilleur Film l’année suivante. Ce film obtient trois Oscars du cinéma dans les catégories de meilleur acteur, meilleur acteur de soutien, et maquillage.

Rencontre avec Jean-Marc Vallée : « Matthew et Jared sont des mecs possédés »

Pour les besoins du film, Matthew McConaughey et Jared Leto ont perdu beaucoup de poids. Avez-vous eu peur pour la santé de vos acteurs sur le tournage ?

Jamais… Jared est taré, ça c’est sûr. Nous l’avons rencontré très tard. Il a tout simplement arrêter de manger pour maigrir, ce qu’il ne nous avait pas dit. Matthew, de son côté, sans doute parce qu’il a aussi une famille, a fait les choses de manière plus consciencieuse. Jared aurait peut-être dû faire de même, mais c’est sa façon de faire. Puis il n’a jamais donné un signe de faiblesse ou de perte de contrôle. Encore moins Matthew, qui tournait tous les jours contrairement à Jared. Ils étaient tous les deux toujours en pleine possession de leurs moyens, avec une énergie débordante, prêts à remettre en question le scénario, la mise en scène… Ce sont vraiment des mecs possédés.

Cette forme de possession a-t-elle créé une émotion particulière entre leurs personnages ? A-t-elle influencé leur manière de jouer ?

Beaucoup. Matthew et Jared, de par leur transformation physique, se sont motivés l’un l’autre. Ils étaient tous les deux impressionnés par leur apparence respective. Ils sont compétitifs et étaient stimulés par les performances que le film impliquait. Lorsque je disais « Action », ils se rendaient compte des liens établis entre eux et s’entraidaient alors. En étant témoins de leur comportement, tous les autres acteurs et même l’équipe avaient envie de se dépasser comme eux et d’être à la hauteur. Devant toi, devant la caméra, il se passe quelque chose de spécial, de géant, d’unique… Tu ne dois pas merder. Tu te dévoues donc à la cause comme eux. C’est aussi pour ça qu’on fait du cinéma. On aime faire semblant, créer des histoires, entrer dans un personnage. Et là, ça marche, ça a l’air vrai. Matthew et Jared ont contaminé involontairement tout le plateau.

La force qui s’est dégagée sur le tournage vous a donc impressionné ?

C’est sûr. Regardez ce que le public vit pendant deux heures, il en ressort complètement impressionné par la performance de Jared et de Matthew. Nous avions cela dix heures par jour pendant vingt-cinq jours de tournage. Nous étions le premier public. Dès la première semaine, ils m’ont sorti de ma zone de confort. Ils ont tout de suite mis la barre très haut, alors qu’en ce qui me concerne, je suis plutôt de l’école « less is more » : moins tu en fais, mieux c’est. Mais eux me donnaient du « more is more ». J’essayais de calmer le jeu, j’avais peur que ça soit du suicide professionnel, une comédie.  Ils ont finalement eu raison. Quand je leur demandais d’en faire moins, ils n’y arrivaient pas. En réaction, je me suis donc mis à l’écart, j’ai arrêté de filmer de trop près. La plupart du temps, je n’intervenais pas, j’ai appris à faire confiance à leurs instincts. Je n’ai pas eu à couper des performances. Elles étaient belles et touchantes sans que je m’y immisce. Je leur laissais aussi le champ libre pour bouger. Nous répétions dans le décor, sans éclairages, sans l’équipe, juste un cameraman et un petit moniteur. Parfois les répétitions s’avéraient nulles et on recommençait mais le plus souvent, la performance était spontanée, crue, réaliste, comme dans un documentaire. Comme John Cassavetes, je laisse une grande liberté aux acteurs. Pas de marques au sol, ils peuvent se mouvoir dans l’espace à 360°, l’équipe va dehors, je suis derrière le caméraman et dès que je vois un truc, je bouge ses épaules… et le pointeur, il se démerde. L’enfer pour un pointeur, ce genre de film.

Le Sida est-il un sujet qui vous touchait personnellement avant de faire ce film ? Pourquoi le scénario vous a-t-il tant intéressé ?

Pas du tout. Avant de raconter l’histoire des Buyers Club et du Sida, mon intention était de raconter l’histoire de Ron. C’est une crapule qu’on aime suivre. Ron est un homme homophobe, raciste, prêt à voler ses amis… mais on aime ce mec, on aime l’humanité en lui. Les scénarios avec de tels personnages sont rares. Et c’est grâce à McConaughey qu’on parvient à un tel résultat. C’est plus que de la simple interprétation. Si ça n’avait pas été lui, ça n’aurait pas fonctionné ainsi. Dès les premières minutes, le public est conquis par le personnage malgré ses défauts. Il devient un porte-parole sans le vouloir, à force de se défendre. Je sais néanmoins qu’il se déroule par ailleurs une histoire collective. C’est un film d’émotion qui devient par la force des choses un film politique, non l’inverse. Mais on a aussi voulu servir ce point de vue. Le film est ainsi un hommage aux activistes gay des années 1980 qui ne sont plus avec nous, sauf quelques-uns. Ils ont dû attendre 13 ans [de 1983 à 1996, ndlr] avant de finalement obtenir un traitement contre le Sida, la trithérapie. Une trithérapie qui comporte d’ailleurs de l’AZT, la molécule [zidovudine, ndlr] contre laquelle Ron se bat dans le film, à tort comme on l’a appris plus tard. Au début des années 1980, jusqu’en 1985, personne ne connaissait le véritable effet de l’AZT même si on lui reconnaissait du potentiel. Ron pensait, comme beaucoup de chercheurs, que l’AZT détruisait les anticorps des malades, déjà trop affaiblis. Si tu étais diagnostiqué comme atteint du virus VIH mais que tu n’étais pas encore malade du Sida, ce médicament transformait dans 95% des cas le virus en maladie. Alors Ron avait aussi en partie raison, l’AZT pouvait tuer des gens. Mais il faisait aussi de l’effet sur certains patients dont le système immunitaire était différent. Tout était une question de dosage.

Pourquoi avoir choisi la lumière naturelle ?

Nous n’avons aucune lumière artificielle dans le film. Si nous manquions de lumières, elles figuraient dans le décor. Avec des chandelles supplémentaires, le tour était joué. Dans la scène de la boîte de strip-tease, nous avons placé une centaine de petites bougies rouges sur toutes les tables autour, deux par table. Sauf pour le gros plan de Matthew qui fait penser à une église, où il y en avait une quinzaine. Le chef décorateur a éclairé le film avec l’aide du chef op’, ils ont géré la lumière en fonction de ce qu’ils avaient déjà naturellement. C’est aussi pour ça qu’il y a un truc à la Cassavetes dans le film.

Votre film est nominé six fois aux Oscars. Quel effet ça fait ?

Pour ma part, cela ne change pas grand-chose, mais cela change la perception des autres sur ton travail. Je l’ai bien senti après les Golden Globes (où Matthew McConaughey et Jared Leto ont remporté un prix pour leur prestation dans Dallas Buyers Club, ndlr). Beaucoup d’acteurs sont ensuite venus me voir. Rien que le fait d’être nominé, c’est plutôt cool pour les acteurs et l’équipe. Avec en plus les Critic’s Choice Awards et les Screen Actors Guild Awards, les garçons sont bien partis, rien ne peut les arrêter. Je serais content pour eux s’ils remportaient l’Oscar. La nomination des monteurs est aussi très belle.