Ciné Mont-Blanc
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A ne pas rater !!
Attention Changement de date!
Exceptionnellement, le film Coup de Coeur Surprise aura lieu le lundi 12Juin 2023 à 19h 30. Tous les premiers lundis du mois nous vous proposons de venir découvrir une « pépite » et de partager vos impressions autour d’un verre après la projection. On ne vous en dira pas plus, c’est une surprise!…
Archives : Films
L’improbable voyage de Harold Fry de Hettie Mac Donald GB 1H48
Peut-être n’est-il jamais trop tard dans la vie pour surprendre son monde ? ce matin-là démarrait comme tant d’autres, pour Harold Fry : l’’aspirateur avait nettoyé la moquette au beige fané ; derrière les rideaux, on avait espionné le voisin en train de bichonner un arbuste : Rituels sans éclat, petites distractions pour remplir le vide d’une retraite sans vagues. Ainsi procédait à pas mesurés la routine dans ce quartier pavillonnaire de Kings bridge.
À l’aune de cette vie monotone, ce matin-là un fourgon postal dépose une simple lettre…, une enveloppe d’un rose sirupeux venue d’un improbable lieu : Berwick-upon-Tweed dans le Northumberland, la ville la plus au Nord de l’Angleterre, à plus de 700 km de là. Harold s’étonne : qui connaît-on là-bas ? Absolument personne, lui réponds Maureen, son épouse qui se renfrogne devant sa tasse de thé ; d’une voix perplexe, alors Harold annonce après avoir décacheté l’intruse que c’est une lettre de « Queenie ». Soudain le petit déjeuner de Maureen est gâché, son regard ne masque ni sa contrariété, ni une forme de jalousie inquiète que l’attitude étrange d’Harold ne cessera de nourrir. Depuis combien de temps n’avaient-ils pas eu de nouvelles de Queenie ? 10, 20, 30 ans ? La voilà qui s’annonce terrassée par un cancer
Harold, en être sensé qu’il a toujours été ou voulu paraître, aurait pu, aurait dû se contenter de répondre par quelques mots de réconfort maladroits couchés sur un bout de papier. Et c’est même son premier réflexe, qui entraîne ses pas vers la première boîte aux lettres venue pour envoyer sa réponse à Queenie. Mais un passage éclair dans une station-service, les mots échangés avec la vendeuse aux cheveux bleus, mi-ange, mi punkette, vont changer le cours de son existence. Ses pas ne s’arrêteront pas à la poste, ils ne s’arrêteront peut-être jamais plus, ils l’éloigneront inexorablement du domicile familial vers une quête insensée, déraisonnable, à tout le moins improbable : aller voir Queenie et la sauver. Voilà notre Harold qui entreprend la Longue Marche, celle de sa vie, celle pour la vie, se répétant inlassablement à haute voix comme un mantra hypnotique : « Je vais marcher, et tu vivras. » Folie admirable, majestueuse ! Nous voilà réglant nos pas dans ceux d’Harold, entrainés dans un périple que l’on n’imaginait pas, riches en rencontres réjouissantes et attachantes : Un périple au cours duquel les chemins d’aujourd’hui serpenteront avec les méandres du passé de notre marcheur, de ses regrets, vers l’espérance d’une rédemption, d’impossibles réparations, et peut-être l’amour retrouvé.
Voilà un film modeste et serein, beau comme un instant de grâce, infiniment réconfortant et bienfaisant… …
Publié dans 7ème film du programme
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Chien de la Casse
CHIEN DE LA CASSE
Film français de Jean-Baptiste DURAND-2023-1h33
Avec Anthony Bajon, Raphaël Quenard, Galatea Bellugi, Bernard Blancan…
Dog et Mirales… Leurs surnoms n’ont rien d’innocent… Dog, c’est Damien (Anthony Bajon), taiseux et timide. Mirales, c’est Antoine (Raphaël Quenard), tchatcheur et hâbleur. Ils sont amis d’enfance. Ils ont trente ans ou presque et vivotent dans un petit village endormi du sud de la France dans l’Hérault. Dog tue le temps en jouant à la console vidéo. Mirales ne fait rien de son CAP de cuisine. Il deale des barrettes de cannabis, et se promène avec son chien Malabar. Il vit avec sa mère dépressive. Dog et Mirales zonent ensemble, traînant le soir sur la place du village avec une bande de désoeuvrés comme eux. Aux Etats-Unis on les appelle des underdogs, des moins que chien… Les rues sont vides, les volets fermés, l’ennui, partout… Apparemment soudés depuis l’enfance, les deux amis cultivent une relation forte mais tordue. Mirales n’aime rien tant que chambrer son pote Dog, franchissant plus souvent qu’à son tour la limite de l’humiliation publique et du sadisme caractérisé. Lequel bien nommé Dog, d’une fidélité à toute épreuve, se laisse faire la plupart du temps, regardant dans le vague ou ses chaussures, s’excusant presque d’exister, quand l’autre, à tour de bras, le houspille et lui fait la leçon. Amitié indéfectible et profonde mais pas toujours bienveillante, nourrie de tout ce que la fraternité peut receler d’ambivalence. Ils voudraient être des hommes mais sont encore coincés dans une sorte d’adolescence, pour l’un dans un idéal absolu et orgueilleux, pour l’autre dans la torpeur caractéristique de cette période. Arrive dans ce petit village où l’ennui règne en maître, Elsa, jeune fille dont Dog va tomber amoureux… Cette venue dans la vie de Dog va mettre au grand jour le rapport de force constant dans lequel ils sont enfermés. Se rejoue alors entre eux une petite dialectique du maître et de l’esclave où on ne sait plus exactement qui a le plus besoin de l’autre pour exister, même si l’on voit parfaitement qui domine qui.
Servi par un duo d’acteurs époustouflants, le film est rythmé par des dialogues au cordeau où l’humour et les traits d’esprit fusent, bouffées d’air lumineuses et salutaires. Dans ce premier long-métrage, Jean-Baptiste DURAND suit la relation forte de ces deux underdogs de la France périurbaine troublés par cette jeune fille, où le verbe martyrise ou colore le monde de toute sa force, à l’image des lumières multiples qui composent le film dans ses contrastes forts et sa vive alternance
Publié dans 3ème film du programme, Archives films
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Brighton 4Th
Par Boris Frumin
Avec Levan Tedaishvili, Giorgi Tabidze, Nadia Mikhalkova
« Brighton 4th » : un père et son fils pris dans les filets du jeu et de la mafia
.Critique du film sur Bleu du miroir :
Débutant par une très belle séquence d’ouverture de dispute devant un match de football regardé à la télévision, Brighton 4th nous entraine en Georgie et à Brooklyn parmi des personnages picaresques, pour la plupart complètement fauchés ou vivant d’expédients. Soso, le fils de Kakhi, a menti à son père. Il n’a pas brillamment réussi dans ses études, mais a un petit boulot pour rembourser les dettes de jeu qu’il a contractées auprès de personnes qui ne plaisantent pas avec ce type de litiges. Kakhi, malgré son âge est prêt à aider son fils. N’importe quel boulot fera l’affaire pour récolter quelques billets, comme s’occuper de personnes âgées.
Mais quand Kakhi donne de l’argent à son fils, ce dernier finit par rejouer et bien sûr par perdre à nouveau. Cercle vicieux. Alors qu’une issue fatale semble se profiler, l’un des chefs maffieux – à qui Soso doit de l’argent – a reconnu dans le vieil homme la personnalité ex-championne de lutte qui défrayait la chronique sportive. Il lui propose alors un arrangement, un deal.
Le réalisateur et acteur principal de Brighton 4th, c’est Levan Tediashvili, qui a aussi été un authentique champion de lutte, spécialisé dans la lutte libre. Le rôle qu’il s’est attribué lui va comme un gant. Un homme valeureux, digne et courageux. Un vieil homme qui malgré les imprudences de son fils, cherchera à l’aider coûte que coute. Quitte à prendre des risques qu’un homme de son âge ne devrait plus prendre.
Télérama Jacques Morice :
Le film est une tragi-comédie sur la situation précaire de ces immigrés géorgiens, contraints de réviser nettement à la baisse leur rêve de réussite en Amérique. On retrouve ici ce mélange de réalisme et d’humour pince-sans-rire à la Kaurismäki, qui faisait déjà le sel des deux précédents films de Levan Koguashvili, hélas jamais sortis en France, mais présentés au festival de La Rochelle en 2015. Il y a quelque chose d’attachant dans le regard que ce réalisateur pose sur ses personnages, des perdants meurtris mais rendus désopilants par leur capacité à s’embringuer dans des équipées piteuses, et à s’enfoncer dans la mouise.
Entre débrouille et embrouilles, petits boulots et kidnapping hasardeux d’un employeur kazakh filou, le film vadrouille, sans précipitation. On aime sa manière de traîner et de trinquer, de se poser parfois dans la pension de famille modeste où logent le paternel et son rejeton, en compagnie d’autres énergumènes. Comme cet ancien, un géant maigre (Kakhi Kavsadze, figure du cinéma géorgien et russe, décédé peu après le tournage), surnommé « le Rossignol » parce qu’il chante à toute heure de la journée. Les chants, la langue et la mentalité flegmatique de tous ces Géorgiens nous touchent. En particulier Levan Tediashvili, authentique champion de lutte, médaillé olympique en 1972 et 1976. Il ne parle pas beaucoup mais son regard et son corps disent beaucoup. Brave et digne, c’est un seigneur.
Publié dans 9ème film du programme, Archives films
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La Fille d’Albino Rodrigue
LA FILLE D’ALBINO RODRIGUE
Film de Christine Dory -France – 1h30
Avec Emilie Dequenne, Galatea Bellugi, Philippe Duquesne
Une ado de 16 ans, placée dans une famille d’accueil qui, alors qu’elle vient passer ses vacances chez ses parents biologiques, découvre que son père a disparu sans que sa mère ne semble pouvoir donner une explication convaincante. Récit à suspense, ce deuxième long développe surtout une relation mère fille où l’ambiguïté et les mensonges de la première – à l’amoralité passionnante car rendant impossible à deviner jusqu’où elle peut aller dans la banalité du mal – poussent la seconde à une émancipation à marche forcée. Deux personnages à l’écriture ciselée portés par un duo de comédiennes étincelantes : Emilie Dequenne et Galatea Bellugi. C’est un terrible fait divers criminel qui a inspiré ce drame fiévreux… Une atmosphère inquiétante et étrange plane sur ce drame à la Dardenne, saisissant et remarquablement interprété. Un film passionnant qui tient en haleine jusqu’au bout…
Publié dans 8ème film du programme, Archives films
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Burning Days
BURNING DAYS de Emin Alper – Turquie – 2H08 – VOST
Burning days Derrière la colline (sorti chez nous en 2013). On sait que le cinéma d’Emin Alper est traversé par la question des limites du repli sur soi, et le cinéaste turc fait à nouveau preuve d’un talent certain pour traduire cela par l’utilisation des décors (les paysages sont ici ceux d’un western, un no man’s land rocailleux et claustrophobe au pied des montagnes). Film noir en forme de métaphore du néo-fascisme et des ravages de la pensée conservatrice, Burning days est son film le plus ouvertement politique à ce jour.
Quand Emre rencontre pour la première fois les élus locaux, ce n’est pourtant pas un gouffre qui l’attend. Il est au contraire reçu avec une connivence masculine au zèle excessif. En ce sens, la séquence la plus cinglante du film ne se trouve pas dans son dénouement mais dans sa mise en place : une longue scène de dîner arrosé de raki où les codes de la fraternité masculine passent progressivement de l’humour au malaise puis à la terreur. Une variation de registre virtuose, portée par des comédiens excellents (peu d’acteurs peuvent se vanter de jouer si justement l’ivresse contre laquelle on lutte)…
L’élégance et l’intransigeance morale d’Emre le rendraient presque hautain, mais ses allures de grand garçon sensible sont déjà suffisantes pour le rendre louche aux yeux des rustres locaux. Dans ce coin de Turquie comme dans plein d’autres régions du monde, pour être intégré à la communauté des gaillards (Emre demande même à un moment « mais il n’y a pas de jeunes filles dans cette ville ? »), il vaut encore mieux être accusé de viol que d’être soupçonné d’« immoralité ». Alors que la tension continue de monter, Emre est autant prié d’accepter les pots-de-vin pour oublier cette histoire de gouffre que de prouver sa virilité en démentant les rumeurs qui courent déjà sur lui, comme par exemple celle d’être « la coqueluche des lieux de perditions » selon l’euphémisme cinglant employé par l’un des personnages.
Le mot homosexualité n’est pas prononcé une seule fois dans le film. Il y a pourtant une tension homoérotique flagrante qui nappe les face-à-face (pourtant filmés comme dans un western, voilà un décalage queer à la malice appréciable) entre Emre et le journaliste Murat, lui aussi mal vu des potentats locaux, mais le film ne confirme ou ne concrétise délibérément pas cette piste. Lors de la première mondiale du film au Festival de Cannes, certains observateurs occidentaux s’interrogeaient justement sur ce qu’ils interprétaient comme une trop grande pudeur, mais c’est prendre le film sous le mauvais angle. Burning days n’est pas un film sur l’homosexualité, Emin Alper utilise plutôt l’homophobie comme l’une des expressions de la haine de la différence. Il fait de la masculinité forceuse (celle qui s’impose dans les espaces publics et privés, celle qui transforme l’angoissant parcours d’Emre en vraie chasse aux sorcières) le symbole d’une pensée fascisante qui se cache derrière le respect des traditions. Un gouffre prêt à avaler des villes entières.
L’élégance et l’intransigeance morale d’Emre le rendraient presque hautain, mais ses allures de grand garçon sensible sont déjà suffisantes pour le rendre louche aux yeux des rustres locaux. Dans ce coin de Turquie comme dans plein d’autres régions du monde, pour être intégré à la communauté des gaillards (Emre demande même à un moment « mais il n’y a pas de jeunes filles dans cette ville ? »), il vaut encore mieux être accusé de viol que d’être soupçonné d’« immoralité ». Alors que la tension continue de monter, Emre est autant prié d’accepter les pots-de-vin pour oublier cette histoire de gouffre que de prouver sa virilité en démentant les rumeurs qui courent déjà sur lui, comme par exemple celle d’être « la coqueluche des lieux de perditions » selon l’euphémisme cinglant employé par l’un des personnages.
Le mot homosexualité n’est pas prononcé une seule fois dans le film. Il y a pourtant une tension homoérotique flagrante qui nappe les face-à-face (pourtant filmés comme dans un western, voilà un décalage queer à la malice appréciable) entre Emre et le journaliste Murat, lui aussi mal vu des potentats locaux, mais le film ne confirme ou ne concrétise délibérément pas cette piste. Lors de la première mondiale du film au Festival de Cannes, certains observateurs occidentaux s’interrogeaient justement sur ce qu’ils interprétaient comme une trop grande pudeur, mais c’est prendre le film sous le mauvais angle. Burning days n’est pas un film sur l’homosexualité, Emin Alper utilise plutôt l’homophobie comme l’une des expressions de la haine de la différence. Il fait de la masculinité forceuse (celle qui s’impose dans les espaces publics et privés, celle qui transforme l’angoissant parcours d’Emre en vraie chasse aux sorcières) le symbole d’une pensée fascisante qui se cache derrière le respect des traditions. Un gouffre prêt à avaler des villes entières.
Publié dans 2ème film du programme, Archives films
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La dernière Reine
LA DERNIERE REINE
Ecrit et réalisé par Damien Ounouri & Adila Bendimerad – Algérie/France – 1h53 – Avec Adila Bendimerad, Dali Benssalah, Nadia Tereszkiewicz, Tahar Zaoui, Imen Nouel…
Péplum arabo-andalou, fresque flamboyante, tragédie grecque, drame shakespearien… Adila Bendimerad et Damien Ounouri ont fait le pari de réaliser un grand film d’aventure historique, rareté absolue dans le cinéma algérien ! Et le pari est réussi, La Dernière reine se suit avec un grand plaisir et une non moins grande curiosité.
Nous sommes en 1516. Le royaume espagnol s’est emparé de nombreux points stratégiques du littoral nord-africain pour assurer sa sécurité maritime. Comme Oran, Alger est sous sa domination.
Quand le pirate Aroudj Barberousse et ses mercenaires débarquent et libèrent la ville de la tyrannie de Charles Quint, le roi Salim at Toumi, émir d’Alger (très augustement campé par Tahar Zaoui), décide de faire alliance avec lui malgré tout ce qui les oppose. L’émir est raffiné, érudit, soucieux des traditions et des coutumes de son peuple, le pirate est machiavélique, avide de puissance et prêt à toutes les trahisons. Sur le mode d’un film de cape et d’épée, il découlera de cette alliance toute une succession d’évènements qui tiendront le spectateur en haleine.
Quand l’émir est brutalement assassiné, Barberousse s’apprête à prendre tous les pouvoirs et imposer son ordre avec force et fracas. Mais une femme va lui tenir tête : la reine Zaphira, seconde épouse du souverain défunt, bien décidée à ne pas abandonner le royaume. Des couloirs feutrés du palais aux falaises escarpées dominant la mer Méditerranée, commence alors un combat où se mêlent bouleversements personnels et manigances politiques, domination masculine, oppression familiale et alliances tribales…
La réalisatrice, visiblement fascinée par la mythique Zaphira, lui prête ses traits et son interprétation habitée, jusqu’à l’entreprise de conquête et de séduction conduite d’abord avec éclat, puis avec de plus en plus de délicatesse et de subtilité, par le chef des pirates.
Fière, altière, animée d’une intraitable force de caractère, d’une intelligence vive et d’un charme singulier, la reine Zaphira est un grand personnage comme le cinéma les aime. Est-elle un mythe ou une réalité historique ? Personne ne le sait vraiment, les historiens eux-mêmes s’interrogent sur l’existence de cette « dernière reine »… Tant mieux, puisqu’à partir de ce mystère peut pleinement se déployer toute la fantaisie d’une fiction baroque et romanesque à souhait, mêlant la « grande » et la « petite » histoire, la destinée d’un peuple et celle d’individus plus ou moins extraordinaires.
– Critique d’UTOPIA –
Publié dans 4ème film du programme, Archives films
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About Kim Shoe
Sohee aime tant danser.Cette lycéenne coréenne au caractère bien trempé se verrait bien star de K-pop et, devant la glace, elle répète inlassablement une chorégraphie en se filmant avec son téléphone portable. Mais, il faut bien préparer l’avenir, et le professeur principal de son lycée technique est si fier de lui avoir dégotté un stage de formation dans un centre d’appels téléphoniques…
Alors, Sohee pénètre dans ce local sans âmes où une kyrielle de toutes jeunes femmes sous-payées, casque sur les oreilles, sont sensées empêcher les clients de résilier leur abonnement internet, mais passent surtout leur temps à encaisser les injures de leurs interlocuteurs. Sohee n’est pas assez efficace, son manager parle de déshonneur devant les mauvais résultats du centre, et voilà qu’il se suicide, laissant une lettre aux accents de lanceur d’alerte…Le visage de la lycéenne se ferme, de plus en plus insondable, sous le joug des pressions et de l’humiliation. Quitter ce stage ou bien se déshumaniser pour devenir rentable et ne pas décevoir ses proches : le dilemme est intenable et personne, y compris sa meilleure copine ne voit arriver le drame…
Inspiré d’un fait réel qui a bouleversé la Corée, ce film est un coup de maître, et un coup de poing d’autant plus spécial que la jeune réalisatrice opte pour une mise en scène à l’élégance cotonneuse. Elle radiographie ainsi tout un système, qui tue littéralement la jeunesse sous prétexte de performances. Techniques de persuasions, objectifs insoutenables, concurrence toxique et accords de confidentialité imposés par le siège de l’entreprise : la première partie du film est glaçante de précision et de tension psychologique. On suffoque comme cette gamine qui pourrait être notre fille ou notre sœur, dans cette entreprise dont le nom Human & Net ressemble à un ignoble gag dont la mâchoire se referme sur sa proie, avec la complicité du monde scolaire, lui-même soumis à des objectifs et des classements.
La force du film réside aussi dans sa manière de se plier, après le drame, en une deuxième partie : une enquête où la première héroïne laisse la place à une autre, Oh Yoo-jin, inspectrice de police butée qui, au sens propre va marcher dans les pas de la jeune Sohee. Elles s’étaient croisées, quelques minutes, sans le savoir, au début de l’histoire. L’adolescente n’est plus là, mais reste cette adulte qui cherche obstinément un pourquoi à la tragédie et refuse que Sohee s’efface des mémoires. La solitude, cette flic à l’air de bien la connaître également, et elle non plus ne manque pas de caractère, interpellant (et même giflant!) ces hommes qui participent à l’horreur du système. Vertige : dans une autre réalité, la jeune Sohee aurait pu vieillir sous les trais d’Oh Yoo-jin…
Avec ces deux personnages magnifiquement incarnés par Kim Si-eun et Doona Bae (vue récemment dans les bonnes étoiles, du japonnais kore-eda), la réalisatrice July Jung fond deux visages féminins en un seul, inoubliable : celui du combat contre l’ultralibéralisme assassin.
Critique de Guillemette Odicino – Télérama.
Publié dans 5ème film du programme, Archives films
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Showing Up
Un film de Keilly REICHARDT
Avec : Michelle Williams, Hong Chau, Maryann Plunkett…
USA – 1h48 – VOST
Après le très réussi First cow (2020), succès modeste mais attesté dans les salles françaises, Showing up marque la réunion de la cinéaste avec son actrice fétiche Michelle Williams, qu’elle dirige pour la quatrième fois, témoin d’une collaboration féconde enfin célébrée dans le plus bel écrin du cinéma mondial..
Le synopsis est court mais résume bien le peu de motifs réunis dans ce film extrêmement minimaliste. Lizzie est une artiste, elle sculpte des personnages dans la glaise, pour ensuite les cuire, jouant sur les couleurs et la matière pour créer une galerie bigarrée qui fait penser à un art primal pré-colombien aux prises d’un syncrétisme chrétien célébrant des madones.
Toute l’histoire se résume dans le regard porté sur les gestes de Lizzie. Quand elle ne sculpte pas, Lizzie rend visite à ses parents, notamment à ce frère joué par John Magaro, sublime personnage de First cow, qui apporte son humour froid et décalé pour autant de ruptures de ton qui permettent de repousser le temps d’une parenthèse le sérieux de la sculpture et de l’organisation du vernissage de l’artiste.
Michelle Williams incarne cette plasticienne bourrue, dans la plainte constante, que ce soit vis à vis de sa famille ou de sa logeuse, remplie de la tension qui précède une exposition à fort enjeu. Peu expressive, comme résignée face aux aléas qui peuplent son quotidien, on pense à cette eau chaude qui lui manque cruellement, elle se révèle être une sorte de clown blanc entrainant l’humour à son corps défendant, entre l’agacement et l’absurde de scènes toutes simples sans aucun effets particuliers
La métaphore de la cuisson des sculptures est aussi éloquente : on ne sait jamais ce qu’il va ressortir de ces tentatives, le résultat s’imposant de lui-même sans qu’on puisse tout prévoir, dans une logique du hasard belle et enthousiasmante.
Publié dans 7ème film du programme, Archives films
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ETERNEL DAUGHTER
De Joanna Hogg, Royaume Uni/ Etats Unis, 1h36, VOST. Avec Tilda Swinton, August Joshi, Carly Sophia Davies
Joanna Hogg s’est fait connaître récemment avec The Souvenir, film en deux parties, retraçant la relation d’emprise qu’elle a vécue jeune femme et l’œuvre de fiction qu’elle aurait voulu en tirer. Cette révélation critique va permettre la sortie en France de ses trois films précédents, Unrelated, Archipelago et Exhibition, inédits jusqu’alors en France. Depuis The Souvenir, Joanna Hogg, citée comme référence par Kelly Reichardt et produite par un parrain prestigieux, Martin Scorsese, n’est pas restée inactive. Avec Eternal Daughter, elle propose sans doute son film le plus accessible, sorte de drame gothique inspiré des nouvelles de Henry James, où elle revient sur son obsession de la mémoire, du travail de deuil et de la mise en scène atmosphérique, proche de l’art contemporain.
Julie, accompagnée de sa mère âgée, vient prendre quelques jours de repos dans un hôtel perdu dans la campagne anglaise. La jeune femme, réalisatrice en plein doute, espère y retrouver l’inspiration ; sa mère y voit l’occasion de faire remonter de lointains souvenirs, entre les murs de cette bâtisse qu’elle a fréquentée dans sa jeunesse. Très vite, Julie est saisie par l’étrange atmosphère des lieux : les couloirs sont déserts, la standardiste a un comportement hostile, et son chien n’a de cesse de s’échapper. La nuit tombée, les circonstances poussent Julie à explorer le domaine. Elle est alors gagnée par l’impression tenace qu’un indicible secret hante ces murs.
Une des actrices les plus précieuses et exigeantes de notre époque, Tilda Swinton, plus David Bowie au féminin que jamais, tient un double rôle dans Eternal Daughter, celui de Julie et également celui de Rosalind, sa mère. Là aussi, Joanna Hogg innove en faisant exprès de ne jamais filmer avant la dernière demi-heure les deux personnages dans le même plan. Ce refus de jouer la convention du plan d’ensemble réunissant les deux personnages interprétés par la même actrice possède une réelle signification qui révèle sa potentialité à la fin du film
Publié dans 7ème film du programme, Archives films
Commentaires fermés sur ETERNEL DAUGHTER
Un Petit Frere
UN PETIT FRERE
de Léonor SERRAILLE,
FRANCE (1h56)
Chronique de plus de 20 ans de la vie d’une jeune mère ivoirienne et de ses deux fils installés en France en 1989. Avec autant d’ambition que de sens de détail, la cinéaste Léonor Serraille rend profondément romanesque cette odyssée du quotidien en trois volets, qui portent les prénoms de chacun: Rose, puis Jean (Stéphane Bak), et enfin Ernest (Ahmed Sylla), le petit frère du titre.
Rose, superbement interprétée par Annabelle Langronne, révélation à la présence magnétique, à la noblesse vacillante. Arrivée d’Afrique avec un passé qu’en deux répliques on devine douloureux, cette jeune mère célibataire est logée, en attendant mieux, par des membres de sa famille installés de longue date dans la banlieue parisienne, et travaille comme femme de ménage d’un hôtel où elle brique, mais fait souvent des pauses pour fumer, pour rêver.
Rose n’a peur de rien. Ni de travailler dur, ni de sortir danser, ni d’élever ses fils qu’elle adore mais auxquels elle ne passe rien: il faut qu’ils réussissent, qu’ils soient des élèves exemplaires, même si l’aîné râle quand elle l’habille trop élégamment pour aller à un concours de maths. Rose est une femme libre, ou qui tente de l’être dans une vie précaire et un contexte social où il serait plus simple d’avoir un homme à ses côtés. Sa communauté lui conseille de se caser avec Jules César. C’est, au contraire, avec un ouvrier tunisien rencontré sur les toits de Paris qu’elle croit l’amour possible, un temps. Avant d’accepter de s’installer à Rouen, délaissant ses fils adorés pour un Français qui lui promet la lune…
Les fils, eux, grandissent au fil du film, pendant que les rides tracent sur le visage de Rose les sillons d’une certaine désillusion. Mais pas une once de misérabilisme dans le regard précis et poétique de Léonor Serraille. Pas de tragédie ou de sociologie faciles: la vie est un doux drame en soi, quand on est une femme qui n’accepte aucun diktat, mais qui se trompe aussi. (…) Un grand film sur la beauté de la fierté comme ce principe transmis par Rose à ses fils: «il faut se cacher pour pleurer» -«on pleure dans sa tête?» mime, avec un geste délicieux, le petit Ernest -«C’est ça, on pleure à l’intérieur»
Publié dans 8ème film du programme, Archives films
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