Archives pour mai 2022

Film français et israélien d’Eran Kolirin. Avec Alex Bachri, Juna Suleiman, Salim Daw, Eihab Salame (1 h 41).

Le titre du nouveau film d’Eran Kolirin Et il y eut un matin sonne comme la première phrase d’un conte.  Et de la libre adaptation d’un roman éponyme de Sayed Kashua (Editions de l’Olivier, 2006) d le cinéaste tire un très beau film.

Celui-ci nous mène dans un village arabe d’Israël construit sur une colline, au milieu d’une zone désertique. Le village où Sami (Alex Bachri) est né et a grandi, avant de partir pour Jérusalem, laissant derrière lui sa famille et ses amis. Depuis, il ne leur a guère rendu visite. Mais, cette fois, il y a été contraint par le mariage de son frère cadet. Sami est revenu avec sa femme, Mira (Juna Suleiman), et son fils, Adam, le temps d’un week-end.

Quand débute le film, la fête bat son plein. On danse, on chante, la famille manifeste son bonheur d’être enfin réunie, fière et heureuse de revoir Sami, le fils aîné qui, loin d’ici, s’est fait une belle situation. Lequel se tient à l’écart, impatient de repartir, de retrouver sa vie, son milieu, la femme dont il est tombé amoureux et pour qui il est à deux doigts de tout quitter. En attendant, il traîne son ennui, constatant avec une forme de supériorité à quel point ses proches sont devenus des étrangers. Qu’importe, demain il sera chez lui Chez Kolirin surgit toujours un événement imprévu qui crée la bascule ,qui dévie la trajectoire de l’orchestre (La Visite de la fanfare), un court-circuit qui se produit dans l’esprit du héros (The Exchange, 2011) et le récit déraille. Ici, ce sera l’intervention de l’armée israélienne qui, durant la nuit, a encerclé le village. Au lever du soleil, un mur a été édifié, des soldats postés, qui interdisent aux habitants le moindre déplacement, les privent de toute communication avec l’extérieur.

Le village s’apparente désormais à une scène de théâtre sur laquelle se joue une tragi-comédie. Les personnages, assignés à résidence, y tournent en rond, occupent leur temps comme ils peuvent, s’interrogent, certains esprits s’échauffent. Le caïd du village profite du désordre pour asseoir son pouvoir. Abed (Eihab Salame), le chauffeur de taxi, continue de rouler (à vide), passant et repassant sous les fenêtres de sa femme qui l’a quitté, dans l’espoir que son nouveau véhicule rutilant, une Mercedes dernier cri, pourra séduire et faire revenir la belle. Nabil (Doraid Liddawi), le beau-frère de Sami qui siège au conseil municipal, s’acharne, quant à lui, à poursuivre les Palestiniens sans papiers, responsables selon lui de la situation. Au fur et à mesure que les jours passent, les certitudes trébuchent, les sentiments s’exacerbent, les consciences s’éveillent. Sami renoue des liens avec d’anciens copains. La vie continue, mais, pour beaucoup, opère une mue et change de trajectoire.

Observateur attentif et tendre de tous ses personnages, Eran Kolirin s’attache à saisir, au sein de ce huis clos chaotique, la moindre lueur. Tous ces instants déchirent l’obscurité, apportent leur part de poésie et de drôlerie. Comme si, au fond, le cinéaste s’évertuait à maintenir la flamme qui permettra d’éclairer le plus longtemps possible cette poignée d’hommes et de femmes qu’une situation absurde a rendus prisonniers et invisibles.

SOUS L’AILE DES ANGES                                                                de A.J. Edwards – Etats-Unis – 1h34 – VOST – 2022                                                                               Genres : biopic, drame, historique.                                                                                                            Avec Diane Kruger, Jason Clarke, Brit  Marling, Wes Bentley, Braydon Denney …

Huit ans après sa présentation à Sundance débarque cette expérience sensorielle proposée par A.J. Edwards : raconter l’enfance d’Abraham LINCOLN par des sensations plus que par des mots et deviner comment elle a fondé l’homme et la figure politique historique qu’il est devenu. L’ombre de Malick (dont Edwards fut le monteur) plane sur ce premier long dans cette manière de donner à voir et écouter la nature, humaine comme terrestre, avec des yeux et des oreilles différents. Comme si on réapprenait à entendre un rire d’enfant, le torrent d’une rivière ou un arbre fracassé à coup de hache. Pour raconter cette jeunesse marquée par la violence, Edwards a choisi un noir et blanc rugueux et crée le contraste avec les prestations lumineuses et douces de Brit Marling et Diane Kruger dans les rôles des mère et belle-mère aimantes. Flirtant parfois avec l’exercice de style, le résultat n’en est pas moins captivant. Très belle illustration musicale. «Sous l’aile des Anges » a été diffusé au  Festival du Film de Sundance,  ainsi qu’à la Berlinale. Il a aussi été présenté en compétition au  Festival du Cinéma Américain  de Deauville.

Abraham Lincoln est un des présidents les plus célèbres de l’histoire américaine. A la tête des Etats-Unis                                     de 1861 à 1865, il fut assassiné à Washington le 14 avril 1865, quelques mois après sa réélection.  Ce 16^ème président de l’histoire du pays est pleinement impliqué dans la guerre de Sécession grâce à son opposition à l’esclavage (aboli en1863). C’est d’ailleurs un Sudiste qui l’a tué.                                                                                                                                            

Indiana, 1817. Une nation américaine,  à peine âgée de 40 ans,  qui se relève difficilement de sa seconde guerre d’indépendance. Des hommes et des femmes qui, pour survivre, mènent une lutte sans merci contre la nature et les maladies.  Tel est le monde que découvre Abraham Lincoln à sa naissance en 1809. Ses parents sont fermiers. Sur une période de trois ans  le film retrace  son enfance, sa famille, les difficultés qu’il a traversées et qui l’ont construit, la tragédie qui l’a marqué à jamais et les deux femmes qui l’aideront à accomplir son destin. En effet, la curiosité d’en savoir plus sur Lincoln et la façon dont il s’est construit est nécessaire.  Le film va avoir un  rythme assez lent en première partie.   Ayant grandi dans les forêts de l’Indiana,  le cadre va donc être des plus calmes.  On va observer son comportement  jusqu’au  décès de  sa mère en 1818.   La seconde partie  va  en revanche  être plus entretenue. L’arrivée de sa belle-mère va lui permettre de s’exprimer (elle se pousse à s’instruire ; il deviendra avocat en 1836). Nous commençons  à apercevoir sa personnalité, qui fera de lui un homme majeur du 19^ème siècle.  Certains passages vont porter une certaine émotion. On sent que ce jeune homme aurait mérité qu’on se penche plus longtemps sur lui afin de le voir vraiment se développer.   

Un film de    Manuel Nieto Zas

UY-AR-FR-1h46- VOST

Avec​Nahuel Perez Biscayart, Christian Borges, Justina Bustos…

Le titre du film ne prépare pas à ce film organique qui a l’ampleur d’un western, qui sent la terre, le foin fauché, la sueur, les effluves animales mêlées au délicat parfum du luxe, l’odeur du bon et du mauvais alcool.

Au tout début de l’histoire, nos deux hommes, le patron (interprété par l’excellent Nahuel Pérez Biscayart qui ne cesse de nous époustoufler) et l’employé ( Christian Borges, impressionnant de force rentrée ), ne se connaissent pas. On connaît juste les affres du premier qui s’inquiète pour la santé de son nourrisson, pour ses terres, pour ses récoltes. Ce sont ces dernières qui vont le pousser à rechercher une nouvelle main d’œuvre. Suite à plusieurs abandons de poste sur son exploitation agricole (au prétexte d’un travail trop dur, trop mal payé ?), le voilà dans l’urgence de recruter un nouveau conducteur de tracteur. Que Carlos, âgé de seulement 18 ans, n’ait pas de permis, pas d’expérience, soit un jeune père qui va être obligé de s’éloigner de sa famille pour aller bosser ? Qui s’y intéresse ? Docilement Carlos obtempère avec une seule doléance : pouvoir disputer la course de chevaux pour laquelle il s’est entraîné, désir adolescent dans un corps d’homme bien bâti. C’est ainsi qu’il part, la main de son patron sur l’épaule, geste d’amitié ou d’appartenance. Relations ambiguës entre deux classes quotidiennement liées mais au sort opposé. L’une ayant les moyens de se sortir des mauvaises passes, l’autre ne pouvant que se contenter d’un « ce sont des choses qui arrivent » sans jamais se rebeller, espérant qu’une bonne étoile accepte de s’en mêler. Mais c’est un événement douloureux, un malheureux accident, qui va devenir le nœud de la trame à partir duquel tout va se densifier. 

Un film de Antoneta Alamat Kusijanovic

Croatie 2021 – 1h 36- Drame

Avec Gracija Filipovic, Danica Curcic, Leon Lucev…

L’affiche du film retient l’attention… Une svelte jeune-fille, adolescente sauvage et lumineuse, vêtue d’un blanc immaculé, comme une deuxième peau…Et dès les premières images du film nous sommes plongés dans l’obscurité des profondeurs sous-marines et c’est à peine si l’on perçoit le miroitement de la lumière à la surface… On devine deux plongeurs, nageant de concert, qui chassent la murène (Murina) au harpon. C’est un père, Ante, et sa fille Julija, qui vivent sur une île écrasée de soleil, sans la moindre végétation, quelque part sur la côte Dalmate entre Zadar et Dubrovnik. Mais ce cadre idyllique est aussi une prison pour la jeune Julija…. Son père la rudoie, la tyrannise comme il tyrannise Nela, la mère, ancienne reine de beauté. Ce film, premier long métrage de la réalisatrice croate Antoneta Alamat Kusijanovic a reçu la Caméra d’Or à Cannes. A l’inverse de Les Poings Desserrés de la russe K. Kovalenko qui abordait une thématique identique, Murina ruisselle d’azur et de lumière. Arrive sur l’île Javier, un ami d’enfance de Ante, richissime homme d’affaires… Cette arrivée va faire éclater l’orage familial, ravive les rancœurs, les émotions, la tension se fait de plus en plus palpable… Le malaise contamine la carte postale et fait naître chez Jilija la volonté de se libérer du joug paternel.

Gracija Filipovic qui joue formidablement Julija, donne au film la noblesse d’une tragédie antique, celle de la femme murène. Chez elle tout passe par le regard, elle se faufile discrètement, épie son monde, écoute sans être vue, prête à mordre. La réalisatrice filme décidément bien les éléments et excelle en extérieur (Cf son court métrage remarqué de 2017, Into the Blue). Entre les duels au soleil des hommes taureaux et la révolte de la fille murène, elle sait surtout s’emparer d’un thème très contemporain, voire rebattu, pour le tirer vers la mythologie.

VORTEX

De Gaspard Noé

France – 2022 – Durée  2H20

Avec : Françoise Lebrun, Dario Argento, Alex Lutz, Kylian Dheret

A Paris, dans le quartier Stalingrad, un homme (Dario Argento) et une femme (Françoise Lebrun) forment un vieux couple (ils n’ont pas de prénoms). Ils vivent dans un appartement sous les toits, bas de plafond et en forme de U – détails importants, annonçant une déambulation labyrinthique. Ils se sourient, chacun d’une fenêtre. Le plan d’après, ils boivent un verre sur leur petite terrasse. « La vie est un rêve », dit-elle. Cet apéro à l’air libre sera l’un des rares moments de sérénité. Car la dame au chignon, brillante intellectuelle, ancienne psychiatre, est en train de perdre la tête – Alzheimer, même si la maladie n’est pas nommée. Et la vie devient un enfer pour son mari, critique de cinéma, qui, de son côté, tente péniblement d’écrire un essai

Ces premiers plans, au format carré, seront aussi les seuls où Dario Argento et Françoise Lebrun apparaissent ensemble à l’écran. Tout le reste du film est tourné selon la technique du split screen – l’écran partagé en deux , deux cadres bordés d’un liseré noir, comme celui des faire-part de décès, et, dedans, un reste de vie qui s’agite encore, filmé dans ses rituels, en temps réel. 

Chacun dans son « couloir », les deux personnages vont dès lors évoluer dans leur propre univers : le spectateur acquiert une « vision double », pénètre dans les préoccupations de l’un et de l’autre, se familiarise avec ses habitudes. L’espace mental se connecte à celui de l’appartement, soulevant des questions essentielles : que signifie vivre ensemble, et qu’est-ce qu’habiter ?

De ce temps, lent, épais, et de l’espace familier où l’on se croise sans plus se parler, le cinéaste fait le sujet de son film, hyperréaliste et hypnotique. Petit à petit, l’appartement devient un dédale mental où la vieille femme perd la raison, alors que son mari tient, de manière un peu pathétique, à rester un homme d’esprit, et à continuer d’exister socialement. Au cœur du film, la visite du fils du couple, ex-drogué qui se soigne, devient un sommet bouleversant .

On jurerait, à ces moments, que cette famille a existé. Que ces deux grandes figures de la cinéphilie, le réalisateur Dario Argento, si crédible en vieil intello narcissique, et Françoise Lebrun (La Maman et la putain), merveilleuse de fragilité, avec ses regards qui appellent à l’aide, ont vraiment enfanté Alex Lutz, jamais aussi touchant et à nu qu’ici. 

Gaspard Noé, cinéaste argentin de 57 ans,  a tourné entre autres « Climax», et «Lux Aeterna».

À CHIARA

De Jonas CARPAGNINO – Italie -2h01

avec Swamy Rotolo (Chiara) Grecia Rotolo (Giulia) Claudio Rotolo (Claudio, le père)

Carmela Fumo (Carmela, la mère)

Chiara, 15 ans, est précipitée dans le dur monde adulte plus tôt qu’elle ne l’aurait voulu, quand son père Claudio devient un fugitif recherché suite à ses trafics. Face au mutisme de sa mère Carmela , sa sœur ou encore ses cousins, Chiara devra explorer seule l’histoire familiale.

Les secrets, les non-dits, finissent souvent par déchirer des êtres qui s’étaient toujours aimés et fait confiance. Voici un thème bien connu des drames au cinéma, auquel Jonas Carpagnino arrive pourtant à insuffler une nouvelle force par son approche quasi-documentaire et le récit d’apprentissage qu’il place au cœur. Après avoir dépeint l’hostilité rencontrée par des migrants dans un village italien, puis la jeunesse d’un adolescent Rom dans un microcosme, le réalisateur monte encore les échelons sociaux avec cette fois le portrait d’une famille de la classe moyenne, dont le confort dépend toutefois d’activités illégales. L’avenir de Chiara dépend alors de sa capacité à ouvrir les yeux sur ses origines.

Toujours dans la tradition néoréaliste, la distribution est entièrement composée d’interprètes non-professionnels. Ce choix se révèle payant : les liens entre les membres de la famille deviennent d’autant plus touchants par leur crédibilité et la véritable affection transposée à l’image. De plus, l’empathie éprouvée n’est que plus grande pour ces inconnus, qui semblent interpréter leurs propres rôles dans la première partie de l’œuvre.

Enfermée, comme sa famille, dans une prison mentale, Chiara se démarque en ajustant son corps à son esprit, révolté et constamment en mouvement. Chaque décor, des bunkers à la campagne nappée de brouillard, contraste alors avec son besoin d’émancipation. La mise en scène ne délaisse le réalisme dramatique que pour embrasser le fantastique, à l’occasion d’hallucinations auditives ou de rêves douloureux. Swamy Rotolo, intense, envoûtante, fait de Chiara un personnage saisissant, un thriller à elle toute seule.

FACE À LA MER

De Ely Dagher, Liban-2021-1h56. Avec Manal Issa, Roger Azar, Yara Abou Haidar

Premier long métrage de Ely Dagher, tourné peu avant l’explosion dans le port de Beyrouth du 4 août 2020.

Jana revient soudainement à Beyrouth après une longue absence à Paris et reprend contact avec la vie familière mais étrange qu’elle avait quittée.

On a découvert Manal Issa en 2016 dans Peur de rien de Danielle Arbid où elle campait une jeune Libanaise débarquant à Paris pour tenter d’y trouver une liberté qu’elle n’avait jamais pu trouver dans son pays et de s’y intégrer par sa force de caractère que rien ne semblait pouvoir altérer. Dans Face à la mer, son personnage vit exactement le voyage inverse. Installée en France depuis des années, elle revient vivre dans son pays natal et tente de se reconnecter avec cette ville de Beyrouth qu’elle peine à reconnaître. Bad Trip absolu d’une impasse des personnages et de toute une société. Le film synthétise une inquiétude, un sentiment de perte, une dérive, une menace. Il témoigne d’une épreuve collective et envoie un ultime message de détresse. Pourquoi était-elle partie ? Pourquoi a-t-elle choisi de revenir ? Ces questions- là planent en permanence sur un récit qui ne cherchera pourtant jamais à y porter de réponses. Face à la mer s’affirme comme une expérience esthétique et sensorielle. On le vit dans la tête de cette jeune héroïne, incarnée avec une intériorité majestueuse par Manal Issa qui vit cette ville comme une sorte d’espace fantomatique dont les habitants à commencer par ses parents, dopés aux anxiolytiques, semblent dévorés par une léthargie grandissante pendant que la reconstruction incessante des grands ensembles, privent de plus en plus d’entre eux de vue sur la mer et donc d’horizon.

Ely Dagher fait ressentir cette ville autant ravagée par les guerres à répétition que par la gestion défaillante de ses dirigeants. Un geste envoûtant et hélas prémonitoire. Quelques semaines après le tournage, se produisait l’énorme explosion des entrepôts du port qui allait ajouter du chaos au chaos.