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LA FLOR, 1,2,3,4

 De Mariano LLINÁS  – Argentine-13h34 en 4 parties de 3h20 environ (qu’on peut voir séparément) comprenant 6 épisodes.  Avec Elisa Carricajo, Valerie Correa, Piliar Gamboa, Laura Paredes. VOST

Voilà une récréation picaresque où se mêlent fantastique, espionnage, mélodrame musical et qui regorge d’humour et de lyrisme. On rencontre des personnages extravagants dans des histoires abracadabrantes. La psyché et le désir féminins irriguent  le récit : un quatuor d’actrices revient dans chaque épisode (le 5^ème excepté) avec de nouveaux rôles chaque fois, où elles incarnent une femme libre, indépendante, conquérante et savante, guerrière, voire meurtrière, dans un monde patriarcal et machiste. L’amour s’y manifeste, follement platonique lorsque il est contraint d’être réprimé, orgiaque, dans un asile psychiatrique où un amnésique affole la libido des soignantes, passionnel, dans un mélodrame fiévreux où un couple livre une bataille homérique. La musique et une voix off accompagnent ce voyage dans un imaginaire infini.

Dans La Flor 1, cela commence par un épisode fantastique où une momie source de ravages est au centre d’une bien étrange histoire, située dans un laboratoire d’analyse archéologique, en lisière d’un désert… puis viendra le mélodrame musical.

Dans La Flor 2, (3h10) voilà le temps de l’espionnage. Quatre agentes secrètes doivent récupérer un scientifique kidnappé. Il y a du guet, du grabuge, de l’absurde surréaliste. Puis le film retrace le passé héroïque de deux espionnes. Follement picaresque, l’ensemble est un régal, combinant humour et souffle poétique.

La Flor 3 (3h24) est la partie la plus riche et la plus intense, avec la 1. Défile maintenant le passé des deux autres espionnes. Le tout se termine par les tribulations d’une équipe de cinéma, surréalistes au possible.

Dans La Flor 4 (3h24), on suit une enquête farfelue sur une disparition, etc. On contemple l’errance d’Anglaises revenue du désert des indiens. Epique, surréaliste, revigorant

DÉBAT sur le film

«Comme si de rien n’était»

lundi 6 mai 2019

à Ciné-Mont-Blanc, Sallanches

dans la salle, après la séance du soir

organisé par Cinécimes

Un film de Eva Trobisch

Avec Aenne Schwarz, Andreas Döhler, Hans Löw…1h30  Allemagne, VOST, sortie le 6 mars 2019

Jeanne tient à contrôler sa vie. Elle est forte, indépendante, moderne, cynique et réclame le droit d’être qui elle veut. Elle porte sa féminité fièrement. Mais, ce qui n’arrive qu’aux autres vient de lui arriver. C’était un soir de fête. Ils étaient sans leurs conjoints, ils avaient trop bu, elle s’est laissée embrasser. Elle a dit non mais il avait envie. Pas de menaces, juste quelques minutes minables de jouissance arrachée. « On ne va pas en faire tout une histoire » dit-elle au grand dadais, pathétique, qui l’a violée sans en avoir l’air. Ce n’est pas possible, elle ne veut pas devenir une victime. Que s’est-il donc passé ? Que faire ?

Et puis la voilà confrontée à son agresseur sur son lieu de travail, un agresseur que tout le monde semble trouver, soit inoffensif, soit appréciable. Mal-être. Et son attitude pleine de sollicitude et de remords la torture. Il n’est pas détestable. Ce n’est pas un homme violent, abusif, dominateur, et pourtant il l’a fait.

Mais que s’est-il donc passé ?

Plus Jeanne fait comme si de rien n’était, plus son retour à la vie normale est comme un mirage. Tel un poison lent qui s’insinue, ce qui est arrivé ronge sa vie et celle de ses proches. Les stéréotypes de notre culture sur des victimes pures et des bourreaux barbares sont remis en question. La réalisatrice multiplie les plans de dos et de profil des personnages, dans la mêlée de leurs tourments.

Mais qu’a voulu faire Eva Trobisch ? : « L’idée n’a jamais été de faire un film sur le viol. (…) J’ai développé le personnage pour en faire une femme moderne, éduquée, rationnelle, cynique, une femme qui réclame le droit d’être qui elle veut, de ne pas être contrainte par quoi que ce soi ou qui que ce soit. Je voulais me poser la question à la fois de la force et des limites de cette auto-détermination, qu’elles soient sociales, physiques ou émotionnelles. (…)  Dans la vie, on n’a jamais une vue d’ensemble, on saisit juste des morceaux. Je préférais donc suivre mes personnages de dos ou de profil sans jamais en savoir plus qu’eux ni être dans une pièce avant qu’ils n’y entrent. Mes personnages ont leur existence propre, je les suis, je ne les explique pas. […] Je soulève des questions, j’invite les gens à réfléchir avec moi, mais je n’ai pas la solution. Je ne veux et ne peux rien promettre. »

Une autre lecture s’ouvre donc, où il est question des limites de la personne libre et individualiste. Jusqu’où est-il possible de vivre hors des contraintes de la vie en société lorsque ladite société est de plus en plus atomisée ? Et jusqu’où est-il possible de vivre hors de son propre corps même si le virtuel (dont le cinéma) tend à nous le faire croire ? Comment prendre soin de soi et de l’autre ?

Les préceptes sur le souci de soi des philosophes de l’Antiquité grecque et romaine sont-ils encore adaptés à notre époque ?

Et jusqu’à quel point peut-on rester indépendant intellectuellement et moralement ? Et est-ce toujours une force ? La faiblesse n’est-elle pas parfois une force ? L’erreur qui nous apprend et l’expérience de la souffrance, ne nous éveillent-ils pas au souci de soi et de l’autre ?

Née à Berlin en 1983, Eva Trobisch a commencé sa carrière en tant qu’assistante d’abord au théâtre, puis au cinéma.

En 2009, elle étudie au HFF (Hochschule für Film und Fernsehen) de Munich pour y apprendre la réalisation de films, se rend à la New York University’s Tisch School of the Arts en tant qu’étudiante invitée, et s’inscrit en 2015 dans un master d’écriture de scénario à la London Film School. Comme si de rien n’était (Alles ist gut) est son film de fin d’études.

En roc se découvrant soudain friable, l’actrice Aenne Schwarz est impressionnante.

C est ca l’amour de Claire Burger- France 2018- 1h 38

Avec Bouli Lanners, Justine Lacroix, Sarah Henochsberg

Avec ce titre peu prometteur, le second long métrage, de Claire Burger, (après Party Girl, caméra d’or au festival de Cannes en 2014) raconte une histoire ordinaire : un couple de quinquagénaire est en crise : Armelle, la mère quitte la maison, le père Mario reste, seul avec ses 2 filles, Nikki et Frida.

Librement inspiré de l’histoire de la réalisatrice, ce deuxième long métrage est, comme le précédent, tourné à Forbach, avec un casting en partie non professionnel. A l’énergie brute du naturalisme, se mêlent des visions mélancoliques et burlesques.

Tout tient d’abord dans le portrait de ce père joué par Bouli Lanners : petit homme dépassé et débonnaire, amoureux de sa femme comme de ses enfants, avec l’air perpétuellement perdu, se révélant bouleversant, juste, toujours a sa place.

Et c’est ensuite dans l’intimité de cette maison, dont on connaît bientôt les moindres recoins, et le désordre de sa vie personnelle, où se déploient des relations devenues explosives avec ses filles, Nikki et Frida (extraordinaires non-professionnelles, Justine Lacroix et Sarah Henochsberg), que le film s’incarne. L’attention portée à leurs échanges, leurs éclats, leurs accès de tendresse, et à la manière dont leurs corps se partagent l’espace (les portes ouvertes qui devraient rester fermées, la fenêtre de la chambre comme seule échappatoire), donne au tableau la richesse du vécu.

La bonne idée du film est de diffracter le désarroi sentimental de Mario sur ses filles, un flirt de l ainée et les premières expériences homosexuelles de la plus jeune, comme si le départ de la mère avait libéré des énergies amoureuses déclinées sur un large spectre.

L’ensemble a une tendresse comique, indéniablement touchante, ne tombant jamais dans le sentimentalisme. : C’est un film d’une grande émotion.

FUNAN                                                                                                                                                                   De  Denis Dos – France/Belgique/Luxembourg/Cambodge  – 2018 – 1h22                                                                Avec les voix de Bérénice Bejo, Louis Garrel.                                                                                                  

Une famille cambodgienne dans la tourmente de l’histoire à l’arrivée des Khmers rouges. Un premier film et un sommet du cinéma d’animation, justement plébiscité  et couronné lors du dernier festival d’Annecy.

En 1975, les Khmers rouges décident de vider Phnom Penh et de déporter ses habitants vers des camps de travaux forcés. Quiconque se révolte est tué. Une famille comme les autres prend le chemin des camps de travail. Dans cette longue file : des hommes et des femmes, des jeunes et des vieillards, qui avancent tête baissée dans l’angoisse de ce que l’avenir leur réserve. Soudain, un gamin de 4 ans lâche la main de sa mère. Les parents hurlent son nom. La grand-mère file à sa poursuite. Trop tard ! Les armes bloquent désormais le passage. Sovanh et ses parents sont séparés. De camp en camp, ils n’auront de cesse de chercher leur fils, de savoir s’il est en vie, de se rapprocher de lui. Au fil du temps, les conditions de détention vont se faire de plus en plus dures. La nourriture de plus en plus rare.
                                                                                                                                                                   HORS CHAMP.  Funan  nous fait vivre le drame cambodgien à travers l’odyssée de                 cette famille. La principale qualité de Denis Do tient dans sa simplicité. Son récit se                 déplie harmonieusement ; la narration linéaire nous fait ressentir le temps qui passe.                  C’est par la suggestion que le cinéaste impose les images les plus fortes. Celle des                 mets abandonnés dans le logis au début du film symbolise la rapidité de la rafle opérée               par les Khmers rouges. La vision de la ville déserte fait monter l’angoisse d’un cran.                Et on imagine plus qu’on ne voit les atrocités commises par les autorités du camp.                C’est hors champ que les hommes sont tués, que les femmes meurent de faim. Il s’autorise une seule exception dans ce très subtil traitement de la violence : celle d’un prisonnier contre son ancien bourreau. Pour ne pas passer sous silence que le désir de vengeance existe.

DÉLICATESSE
Denis Do travaille ainsi sur l’émotion du spectateur sans jamais forcer le pathos. Il tisse un suspense qui nous fait espérer les retrouvailles entre la mère et son fils. Et en maniant l’ellipse avec intelligence, le cinéaste nous fait ressentir tout au long de son récit ces quatre années de camp de façon très intime. Il s’en dégage une poésie, une délicatesse sans égales. Sans doute parce que dans ce film qui parle du désespoir des hommes, le réalisateur accorde une grande place à la nature. On voit les femmes qui travaillent à la rizière, l’immensité des champs, le foisonnement de la forêt tout autour. On est témoin par flashs de la vie de Sovanh – petite silhouette menue et songeuse, à cinq kilomètres du camp des parents… ou peut-être à cent – sans jamais savoir s’il s’agit de la réalité ou des rêves de la mère. Son graphisme, influencé par l’animation japonaise, et notamment le travail des Studios Ghibli, est très réaliste mais garde une candeur enfantine. Le jury du Festival d’Annecy ne s’y est pas trompé en le récompensant lors de son édition 2018 d’un Cristal, la récompense suprême. Denis Do a tout d’un grand.                                                                                                                                        

– D’après les critiques de PREMIERE – Sophie Benamon.

TEL AVIV ON FIRE

de Sameh ZOABI – Luxembourg – France – Israël – 1h37 VOST  

Avec : Kais Nashif, Lubna Azabal, Yaniv Biton

 Stagiaire, à 30 ans, sur un feuilleton d’espionnage palestinien à succès, Salam est arrêté à un check-point. Alors que son travail ne consiste qu’à aider l’actrice principale à bien prononcer l’hébreu, il se vante auprès d’un officier israélien d’être le scénariste… Mal (ou bien) lui en prend, car ce militaire, plus sentimental qu’il n’y paraît, tient dur comme fer à une fin heureuse, mais peu orthodoxe, pour le dernier épisode…Cette comédie insolite réussit à montrer une zone géopolitique des plus brûlantes avec un humour des plus pacifiques. Construite en allers-retours constants entre Ramallah et Jérusalem, et entre le feuilleton et ses coulisses, elle s’appuie sur un bel espoir : la fiction peut réconcilier les inconciliables, pour une nouvelle génération désireuse d’écrire sa propre histoire… (Télérama Guillemette Odicino)

Une tragicomédie détonante qui s’empare malicieusement du conflit israélo-palestinien par le biais de l’écriture et du tournage d’un feuilleton à l’eau de rose, pour livrer un irrésistible plaidoyer humaniste. Une satire politique décalée à l’ingénieuse mise en scène appliquée au service d’un scénario très malin et une narration bien rythmée. Un précieux long métrage où le burlesque et le kitsch ramènent le sourire des deux côtés de la barrière de séparation, histoire de faire oublier un peu les armes et les larmes, grâce à cet intelligent humour salvateur distillé par un casting épatant. Audacieux. Pacifique. Une belle réussite 

LES ETERNELS de Jia ZHang-ke  – Chine- 2018 – 2H21

Avec Au-delà des montagnes (2015), Jia Zhang-ke avait trouvé ses marques dans la fresque romanesque, courant sur une vingtaine d’années, embrassant à la fois le destin de quelques personnages et celui de la Chine contemporaine. Il raffine encore son art dans ce film noir, qui commence en 2001, avec l’idylle de Qiao, fille de mineur, et d’un petit chef de la pègre locale. C’est le temps de l’ouverture à l’Ouest, des discothèques improvisées, du reflux de l’activité minière et de toutes les traditions héritées de l’ère maoïste. Le premier chapitre de cette histoire s’arrête net quand la jeune fille, amoureuse et exaltée par ses nouvelles fréquentations, doit s’emparer elle-même de l’arme de son amant et en user pour le défendre. S’ensuivent cinq années de prison pour elle, englouties dans une ellipse.

 Quand les deux amants se retrouvent après la longue parenthèse carcérale, ils sont encore jeunes, irrévocablement marqués l’un par l’autre. Pourtant on ne les verra plus jamais s’étreindre. Qiao a parcouru des milliers de kilomètres pour retrouver son homme et le découvrir changé, profondément infidèle, à la fois à la pègre (au profit du capitalisme sauvage et légal, quelle ironie !) et à leur amour, alors qu’elle s’est sacrifiée pour lui. Un face-à-face dans une chambre aux lumières jaunes comme l’amertume donne à cette trahison une résonance inoubliable. Le film raconte alors un transfert de pouvoirs et de personnalité — avec, incidemment, un humour sec, cinglant. Qiao devient, en quelque sorte, celui qu’elle avait choisi. Brisée, agressée, mais violente s’il le faut, elle endosse la droiture de la pègre à l’ancienne et reprend le chemin de sa région natale pour y régner en patronne..

Avant le dernier et implacable chapitre (contemporain) de cette épopée, façon « ni avec toi ni sans toi », un moment d’anthologie montre la jeune femme entre deux trains à grande vitesse, tentée de suivre un voyageur inconnu. C’est un mythomane fragile, héraut et victime du nouveau capitalisme, qui lui ment, et à qui elle ment. Il y a alors comme un appel d’air, l’esquisse d’une échappée possible… Mais non : il faut affronter son destin, même si ce destin ressemble à un paysage après l’incendie.

Tout ce qu’il me reste de la Révolution

Un film de Judith Davis

France – 2018-1H28

Avec Judith Davis, Malik Zidi, Claire Dumas…

La critique par Guillemette Odicino. Telerama

Comment parler des illusions marxistes qui se sont cassées la gueule ? En râlant ! Dans cette comédie romantico-politique rageuse et très drôle, la jeune réalisatrice incarne elle-même Angèle, une jeune architecte qui vitupère contre tout et tout le monde, tentant de compenser l’échec des idéologies de ses parents militants : papa qui n’a pas bougé d’un iota depuis qu’il distribuait l’Humanité, et maman qui a tout lâché pour s’installer à la campagne.

Vouloir changer le monde : hériter de ce rêve est une malédiction, mais, aussi, une injonction à tracer sa propre voie citoyenne et sentimentale. Le film, adapté d’un spectacle du collectif L’Avantage du doute, fluide et énergique dans sa mise en scène, est un festival de dialogues, dont certains appelés à devenir culte – « Ce n’est pas un peu réducteur de se présenter par sa profession ? Je ne dis pas ça parce que je n’en ai pas… ». Ils fusent, échangés avec un plaisir communicatif par une troupe – pardon, ici, mieux vaut dire « collectif » – de comédiens épatants. Une comédie qui redonne la foi en tout.

La critique par Luc Chessel. Liberation

…Ça passe par un groupe de parole et une grande actrice, qui viennent comme des antidotes au cinéma de résolution. Le groupe de parole, mis en place par Angèle et son amie pour discuter maladroitement à plusieurs de la vie et de la politique, ne résoudra pas la question de comment être heureuse, d’ailleurs il ne résout aucune des pistes qu’il lance : il ne produit que du groupe et de la parole (et une histoire d’amour), et fait l’effort de s’avouer que c’est déjà beaucoup.

En fait, le film abandonne en chemin toutes les questions mal posées (le côté «ce qu’il me reste de ma famille»), en prenant le parti de la maladresse drolatique, de la fatigue et de l’incertitude, y compris politiques, contre celui de l’accomplissement de soi, qui ne peut mener, comme le montre une bonne séquence surprenante de violence, qu’au burn-out et à la folie. Il cherche plutôt ce qu’il reste du cinéma, dans tout ça et aujourd’hui

VICE

D’Adam McKAY– Etats-Unis – 2h12

Avec Christian Bale, Amy Adams, Steve Carell, Sam Rockwell, Alison Pill.

« Adam McKay réalise un tour de force : nous instruire avec intelligence et humour sur la success story la plus dramatique que l’Amérique ait connue ces dernières années. » (Isabelle Danel, Bande à part)« Vice » est la démonstration implacable d’un système inepte et fallacieux, qui prêterait plus à en pleurer qu’à en rire. Heureusement, Adam McKay opte pour la farce, dans un film jubilatoire, instructif et irrésistible. » (Jacky Bornet, Culturebox-France Télévisions)

 « La critique américaine a désossé le film, soit pour ses inexactitudes historiques, soit pour ses intentions militantes, soit pour son allure de turlupinade sarcastique. Or, c’est justement pour ça que nous, on l’aime. » (François Forestier, Le Nouvel Observateur)

Le 11 septembre 2001, à 9h38, dans une salle faisant office de centre des opérations d’urgence où sont regroupés les plus hauts responsables de la Maison Blanche, règne la plus grande confusion. Les téléphones sonnent de partout. George W. Bush n’est pas là, mais Dick Cheney, si. Vice-président, il outrepasse ses fonctions en donnant plusieurs ordres lourds de conséquences. C’est une blague ? Non, mais c’est tellement énorme que sous l’œil d’Adam McKay cela en devient une.Comment un technocrate grossier et limité tel que Dick Cheney a pu abuser tout le monde, voilà une énigme qui mérite d’être sondée. Le film remonte d’abord jusqu’en 1963 pour décrire l’atypique ascension de celui qui a commencé par saboter consciencieusement son maigre potentiel. Etudiant viré de Yale, il est alors ouvrier le jour et poivrot bagarreur le soir. Sa femme, Lynne, lui pose un ultimatum : soit il se reprend, soit elle part.Un sacré tempérament, cette Lynne. L’héroïne en creux du film, c’est elle (Amy Adams parfaite en bourgeoise patronnesse, auguste, déterminée). Une battante plus douée que son mari, très ambitieuse mais ultraconservatrice, antiféministe, sacrifiant sciemment sa possible carrière personnelle pour pousser son mari. Mais au fond, elle est toujours là, tapie dans l’ombre, à tirer les ficelles, y compris le 11 septembre.

Un troisième personnage haut en couleur : Donald Rumsfeld (Steve Carell) désopilant de grossièreté et de muflerie, le mentor républicain auprès de qui Cheney apprend l’essentiel en matière de cynisme politique.La satire montre les différents échelons gravis par Dick Cheney et finalement comment il a le champ libre pour diriger le pays en sous-main. Il a pu ainsi largement privatiser le pouvoir pour servir ses intérêts financiers.

Extrais de la critique de Jacques Morice, Télérama.

UNE INTIME CONVICTION                                                                                                                          De Antoine Raimbault – 2018                                                                                                                             

Olivier Gourmet, Marina Foïs, Laurent Lucas, Jean Benguigui, Armande Boulanger,                                   Philippe Uchan, Arnaud Pepin, François Fehner

Pour son 1er long métrage, Antoine Raimbault redessine les contours flous de l’affaire Suzanne Viguier et plonge Olivier Gourmet et Marina Foïs dans un film de procès implacable et prenant de bout en bout.                                                                                                                                           Dans les écoles de cinéma, les professeurs mettent souvent en garde leurs élèves débutants contre un genre réputé le plus difficile à mettre en scène : le film de procès. Et de fait, les pièges ne manquent pas : espace confiné, multiplication des protagonistes et donc des points de vue, complexité du récit… Antoine Raimbault  passe outre et revient sur l’affaire Suzanne Viguier, du nom de cette mère de trois enfants dont le corps a disparu en février 2000. On accusera très vite le mari Jacques, professeur de droit, à commencer par l’amant de cette dernière qui n’hésitera pas à se substituer aux enquêteurs pour mettre à jour les contours du crime. D’abord acquitté, Jacques Viguier (Laurent Lucas) devra néanmoins se défendre pour son procès en appel. Un procès dominé par la personnalité du charismatique avocat pénaliste Me Eric Dupond-Moretti (Olivier Gourmet), aussi emphatique que son client (Jacques Viguier), emmuré dans sa douleur intime, est mutique. Ce n’est pas tant cette étude de caractère ou la vérité des faits uniquement discutés pour faire avancer la machine de son récit que la façon dont il peut représenter une justice à plusieurs visages qui intéresse le jeune cinéaste. Car si les procès, aussi difficiles qu’ils soient à restituer, plaisent tant aux cinéastes, c’est pour leur aspect « petit théâtre » où le protocole, les lois, les faits, les personnalités, les drames, invitent à singer le réel en le dramatisant à l’extrême pour faire admettre une chimère : la vérité.

OBSESSION. Cette vérité, Antoine Raimbault la recrée de toutes pièces et lui donne une identité. Elle s’appelle Nora (Marina Foïs, formidable), personnage de fiction, qui va remuer ciel et terre pour « sauver » Jacques Viguier dont elle est persuadée de l’innocence. C’est elle qui convainc Me Dupond-Moretti de prendre en charge ce dossier. Cet écart avec la réalité indique d’emblée les préoccupations d’un cinéaste qui entend démonter les rouages d’un monde qui, si on n’y prend pas garde, engloutit les plus fragiles. Et puisque c’est toujours dans les détails (ce que le commun des mortels n’a pas su voir ou entendre) que le faux-semblant est mis à jour, Me Dupond-Moretti pressent que ce sont dans ces heures et ces heures d’écoutes téléphoniques des différents protagonistes du drame que la différence peut se faire. Le film suit donc Nora, petit bout de femme issue d’un milieu modeste, qui va délaisser sa vie de famille et professionnelle pour devenir les oreilles du grand avocat. La quête vire au sacrifice et à l’obsession. Et même si, en bon garde-fou, son « maître » le lui rappelle à diverses reprises, Nora ne dévie pas sa route d’un iota. Cette route toute tracée est aussi celle du film qui affiche                                                                                                                                                                                                                                                                               une maîtrise presque froide. En effet, le contexte social de cette affaire où la bourgeoisie de province côtoie « le petit peuple » n’est jamais vraiment ausculté de l’intérieur et rejaillit de façon parfois maladroite via une représentation un peu simpliste. Des défauts que semble assumer Antoine Raimbault, avant tout préoccupé, on l’a dit, par la pantomime des uns et des autres, seule garante à ses yeux d’une justice qui doit, certes, s’interroger sur des faits, mais aussi apprécier la façon dont ils sont ensuite « mis en scène » par les avocats. Ce sont ces derniers qui tiennent in fine les rennes de l’histoire du procès. A ce jeu-là, Olivier Gourmet en Dupond-Moretti est bien trop fort. Personne ne peut lui résister. Et qu’importe si la vérité se situe bien là ou ailleurs. L’intime conviction qu’affiche le titre est bien celle de Nora. C’est elle et elle seule que le film entend préserver.                                                                                            – D’après les critiques de PREMIERE –

Un film de    Ryusuke Hamaguchi

Drame Japonais – 2019 –  1h.59 – VOST

Avec : Masahiro Higashide, Enka Karata…

La carte du tendre d’Asako (station 1) est riche d’un premier amour passionnel dont le souvenir est très douloureux. En effet Baka, son amoureux d’alors, l’a quittée mystérieusement du jour au lendemain. Deux ans plus tard, elle rencontre et construit un projet de vie avec le sosie de celui-ci (station 2). Hasard, déterminisme amoureux ? Voilà, à priori, une intrigue un peu rebattue, à partir de laquelle, pourtant, Hamaguchi nous propose une déconstruction magnifique sur ce que c’est d’être aimé et d’aimer en retour. L’éternelle question du choix, du désir, de l’estime de soi, de la quête d’absolu aussi. Ce faisant, le réalisateur dépasse mais aussi témoigne du cadre sociologique et politique d’une société japonaise aseptisée. Asako, déterminée, ne craint pas de « perdre la face », faute difficilement pardonnable au regard des codes sociaux en vigueur au Japon.

Un film subtilement léger, émouvant, dans lequel le réalisateur réussit à ponctuer certaines scènes d’un humour réjouissant et empêche ainsi de prendre trop au sérieux son propos. L’ombre tutélaire de Rohmer, n’est pas loin.

A noter cette remarquable maîtrise des ellipses déjà soulignée dans « Senses », un premier film dont la longueur avait certes rebuté certains spectateurs mais séduit d’autres par sa maîtrise formelle. Sélectionné en compétition officielle à Cannes, le film a été très applaudi lors de sa présentation. Venez au débat du lundi 11 en parler avec nous dans la salle  à l’issue de la projection .…