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Un film de Antoneta Alamat Kusijanovic

Croatie 2021 – 1h 36- Drame

Avec Gracija Filipovic, Danica Curcic, Leon Lucev…

L’affiche du film retient l’attention… Une svelte jeune-fille, adolescente sauvage et lumineuse, vêtue d’un blanc immaculé, comme une deuxième peau…Et dès les premières images du film nous sommes plongés dans l’obscurité des profondeurs sous-marines et c’est à peine si l’on perçoit le miroitement de la lumière à la surface… On devine deux plongeurs, nageant de concert, qui chassent la murène (Murina) au harpon. C’est un père, Ante, et sa fille Julija, qui vivent sur une île écrasée de soleil, sans la moindre végétation, quelque part sur la côte Dalmate entre Zadar et Dubrovnik. Mais ce cadre idyllique est aussi une prison pour la jeune Julija…. Son père la rudoie, la tyrannise comme il tyrannise Nela, la mère, ancienne reine de beauté. Ce film, premier long métrage de la réalisatrice croate Antoneta Alamat Kusijanovic a reçu la Caméra d’Or à Cannes. A l’inverse de Les Poings Desserrés de la russe K. Kovalenko qui abordait une thématique identique, Murina ruisselle d’azur et de lumière. Arrive sur l’île Javier, un ami d’enfance de Ante, richissime homme d’affaires… Cette arrivée va faire éclater l’orage familial, ravive les rancœurs, les émotions, la tension se fait de plus en plus palpable… Le malaise contamine la carte postale et fait naître chez Jilija la volonté de se libérer du joug paternel.

Gracija Filipovic qui joue formidablement Julija, donne au film la noblesse d’une tragédie antique, celle de la femme murène. Chez elle tout passe par le regard, elle se faufile discrètement, épie son monde, écoute sans être vue, prête à mordre. La réalisatrice filme décidément bien les éléments et excelle en extérieur (Cf son court métrage remarqué de 2017, Into the Blue). Entre les duels au soleil des hommes taureaux et la révolte de la fille murène, elle sait surtout s’emparer d’un thème très contemporain, voire rebattu, pour le tirer vers la mythologie.

VORTEX

De Gaspard Noé

France – 2022 – Durée  2H20

Avec : Françoise Lebrun, Dario Argento, Alex Lutz, Kylian Dheret

A Paris, dans le quartier Stalingrad, un homme (Dario Argento) et une femme (Françoise Lebrun) forment un vieux couple (ils n’ont pas de prénoms). Ils vivent dans un appartement sous les toits, bas de plafond et en forme de U – détails importants, annonçant une déambulation labyrinthique. Ils se sourient, chacun d’une fenêtre. Le plan d’après, ils boivent un verre sur leur petite terrasse. « La vie est un rêve », dit-elle. Cet apéro à l’air libre sera l’un des rares moments de sérénité. Car la dame au chignon, brillante intellectuelle, ancienne psychiatre, est en train de perdre la tête – Alzheimer, même si la maladie n’est pas nommée. Et la vie devient un enfer pour son mari, critique de cinéma, qui, de son côté, tente péniblement d’écrire un essai

Ces premiers plans, au format carré, seront aussi les seuls où Dario Argento et Françoise Lebrun apparaissent ensemble à l’écran. Tout le reste du film est tourné selon la technique du split screen – l’écran partagé en deux , deux cadres bordés d’un liseré noir, comme celui des faire-part de décès, et, dedans, un reste de vie qui s’agite encore, filmé dans ses rituels, en temps réel. 

Chacun dans son « couloir », les deux personnages vont dès lors évoluer dans leur propre univers : le spectateur acquiert une « vision double », pénètre dans les préoccupations de l’un et de l’autre, se familiarise avec ses habitudes. L’espace mental se connecte à celui de l’appartement, soulevant des questions essentielles : que signifie vivre ensemble, et qu’est-ce qu’habiter ?

De ce temps, lent, épais, et de l’espace familier où l’on se croise sans plus se parler, le cinéaste fait le sujet de son film, hyperréaliste et hypnotique. Petit à petit, l’appartement devient un dédale mental où la vieille femme perd la raison, alors que son mari tient, de manière un peu pathétique, à rester un homme d’esprit, et à continuer d’exister socialement. Au cœur du film, la visite du fils du couple, ex-drogué qui se soigne, devient un sommet bouleversant .

On jurerait, à ces moments, que cette famille a existé. Que ces deux grandes figures de la cinéphilie, le réalisateur Dario Argento, si crédible en vieil intello narcissique, et Françoise Lebrun (La Maman et la putain), merveilleuse de fragilité, avec ses regards qui appellent à l’aide, ont vraiment enfanté Alex Lutz, jamais aussi touchant et à nu qu’ici. 

Gaspard Noé, cinéaste argentin de 57 ans,  a tourné entre autres « Climax», et «Lux Aeterna».

À CHIARA

De Jonas CARPAGNINO – Italie -2h01

avec Swamy Rotolo (Chiara) Grecia Rotolo (Giulia) Claudio Rotolo (Claudio, le père)

Carmela Fumo (Carmela, la mère)

Chiara, 15 ans, est précipitée dans le dur monde adulte plus tôt qu’elle ne l’aurait voulu, quand son père Claudio devient un fugitif recherché suite à ses trafics. Face au mutisme de sa mère Carmela , sa sœur ou encore ses cousins, Chiara devra explorer seule l’histoire familiale.

Les secrets, les non-dits, finissent souvent par déchirer des êtres qui s’étaient toujours aimés et fait confiance. Voici un thème bien connu des drames au cinéma, auquel Jonas Carpagnino arrive pourtant à insuffler une nouvelle force par son approche quasi-documentaire et le récit d’apprentissage qu’il place au cœur. Après avoir dépeint l’hostilité rencontrée par des migrants dans un village italien, puis la jeunesse d’un adolescent Rom dans un microcosme, le réalisateur monte encore les échelons sociaux avec cette fois le portrait d’une famille de la classe moyenne, dont le confort dépend toutefois d’activités illégales. L’avenir de Chiara dépend alors de sa capacité à ouvrir les yeux sur ses origines.

Toujours dans la tradition néoréaliste, la distribution est entièrement composée d’interprètes non-professionnels. Ce choix se révèle payant : les liens entre les membres de la famille deviennent d’autant plus touchants par leur crédibilité et la véritable affection transposée à l’image. De plus, l’empathie éprouvée n’est que plus grande pour ces inconnus, qui semblent interpréter leurs propres rôles dans la première partie de l’œuvre.

Enfermée, comme sa famille, dans une prison mentale, Chiara se démarque en ajustant son corps à son esprit, révolté et constamment en mouvement. Chaque décor, des bunkers à la campagne nappée de brouillard, contraste alors avec son besoin d’émancipation. La mise en scène ne délaisse le réalisme dramatique que pour embrasser le fantastique, à l’occasion d’hallucinations auditives ou de rêves douloureux. Swamy Rotolo, intense, envoûtante, fait de Chiara un personnage saisissant, un thriller à elle toute seule.

FACE À LA MER

De Ely Dagher, Liban-2021-1h56. Avec Manal Issa, Roger Azar, Yara Abou Haidar

Premier long métrage de Ely Dagher, tourné peu avant l’explosion dans le port de Beyrouth du 4 août 2020.

Jana revient soudainement à Beyrouth après une longue absence à Paris et reprend contact avec la vie familière mais étrange qu’elle avait quittée.

On a découvert Manal Issa en 2016 dans Peur de rien de Danielle Arbid où elle campait une jeune Libanaise débarquant à Paris pour tenter d’y trouver une liberté qu’elle n’avait jamais pu trouver dans son pays et de s’y intégrer par sa force de caractère que rien ne semblait pouvoir altérer. Dans Face à la mer, son personnage vit exactement le voyage inverse. Installée en France depuis des années, elle revient vivre dans son pays natal et tente de se reconnecter avec cette ville de Beyrouth qu’elle peine à reconnaître. Bad Trip absolu d’une impasse des personnages et de toute une société. Le film synthétise une inquiétude, un sentiment de perte, une dérive, une menace. Il témoigne d’une épreuve collective et envoie un ultime message de détresse. Pourquoi était-elle partie ? Pourquoi a-t-elle choisi de revenir ? Ces questions- là planent en permanence sur un récit qui ne cherchera pourtant jamais à y porter de réponses. Face à la mer s’affirme comme une expérience esthétique et sensorielle. On le vit dans la tête de cette jeune héroïne, incarnée avec une intériorité majestueuse par Manal Issa qui vit cette ville comme une sorte d’espace fantomatique dont les habitants à commencer par ses parents, dopés aux anxiolytiques, semblent dévorés par une léthargie grandissante pendant que la reconstruction incessante des grands ensembles, privent de plus en plus d’entre eux de vue sur la mer et donc d’horizon.

Ely Dagher fait ressentir cette ville autant ravagée par les guerres à répétition que par la gestion défaillante de ses dirigeants. Un geste envoûtant et hélas prémonitoire. Quelques semaines après le tournage, se produisait l’énorme explosion des entrepôts du port qui allait ajouter du chaos au chaos.

Petite Nature

Johnny, 10 ans, est un enfant frêle aux longs cheveux blonds. À la maison, il s’occupe de sa petite soeur. Sa mère picole pas mal. Elle est du genre à cogner facilement, y compris sur lui. Elle l’incite à être plus viril. Son père est parti. Il y a juste des amants de passage. Alors Johnny fait face. Il se débrouille, il a du répondant, il est futé. Il s’affirme avec ingénuité et lucidité. Et son instituteur lui apporte un cadre et du savoir. Johnny se prend de passion pour lui. La fascination devient attirance, désir sexuel. Ce n’est pas rien. Samuel Theis connaît le poids du tabou sur ce sujet- la libido chez l’enfant, au seuil de l’adolescence. Il l’affronte de manière sensible et responsable avec d’autant plus de sagacité qu’il associe clairement cette libido à un désir d’émancipation sociale. Johnny étouffe et ne supporte plus la trivialité de son milieu défavorisé. Marre de cette cité de Forbach, marre de la malbouffe. Assoiffé de savoir et de culture, il aimerait plus tard avoir un métier estimable, pas indigne comme celui de sa mère, dit-il. Aliocha Reinert impressionne en couvrant une large gamme de jeu, de la gêne au numéro de séduction, de l’émerveillement à la colère hargneuse. (D’après Jacques Morice,Télérama)

Samuel Theis traite cette histoire potentiellement « incorrecte » sans le moindre esprit sensationnaliste ou polémique, avec beaucoup de tact, de finesse, de justesse, un sens du tempo patient d’une narration et d’une cristallisation amoureuse, un rapport fort aux lieux et aux acteurs filmés : aux côtés de l’excellent Antoine Reinartz, Johnny et sa mère sont joués par des inconnus absolument remarquables. (Serge Kaganski, Transfuge)

C’est une histoire sur l’enfance, comment on la quitte, comment on grandit. Sur l’éveil à soi, aux autres, au désir. L’alchimie sensible entre Aliocha Reinert et Antoine Reinartz attrape le coeur. Comme il en est des chansons, voici une histoire douce, magnifiquement écrite, tournée et jouée. (Nathalie Chifflet, Dernières nouvelles d’Alsace 

SOUS LE CIEL DE KOUTAISSI

De Alexandre Koberidze

Georgie 2021:2H30/VOST

Avec Giorgi Bochorishvili, Ani Karseladze, Oliko Barbakadze, Giorgi Ambroladze

Lisa et Giorgi se rentrent dedans en pleine rue. Une première fois, puis une deuxième… C’est un début de comédie romantique comme on en a vu beaucoup au cinéma. Mais filmé ainsi, jamais : le coup de foudre est en effet cadré sur les chevilles des deux amoureux… Ce genre de trouvailles insolites — et séduisantes —, Sous le ciel de Koutaïssi en regorge. C’est une fable où des objets inanimés (une vieille plante, une gouttière…) sont pourvoyeurs de légendes et alertent les protagonistes de la malédiction qui plane sur eux. Une drôle d’expérience cinématographique où le réalisateur demande soudain à ses spectateurs de fermer les yeux, puis de les rouvrir après un signal sonore…

En dépit de, ou plutôt grâce à cette étrangeté récurrente, on s’attache très vite à Lisa, l’étudiante en médecine, et à Giorgi, le footballeur, frappés par le mauvais œil : le narrateur, dans un texte poétique, prévient que les deux amoureux vont se réveiller avec un physique différent, que leurs talents auront disparu, et qu’ils ne pourront jamais se retrouver. Lisa va donc devenir serveuse, Giorgi sera désormais incapable de taper dans un ballon… et les personnages vont changer d’interprètes.

Leur histoire d’amour maudit pourrait être tragique. Elle émerveille, autant par ses rebondissements tranquilles que par ses digressions buissonnières. Aleksandre Koberidze met régulièrement son récit sur « pause » — quitte à prendre parfois un peu trop son temps —, pour évoquer, entre regard documentaire et rêverie, le passé glorieux de la ville de Koutaïssi. Dans l’ancienne capitale de la Géorgie envahie d’une douce torpeur, il filme, magnifiquement, les enfants, les chiens, et la passion pour le football à l’heure de la Coupe du monde. Il rend, aussi, un bel hommage au cinéma à travers un « film dans le film » qui permet de voir la réalité autrement. Et, peut-être, de réenchanter le monde par la magie… Telerama Samuel Douhaire

: Il y a les films qui vont droit au but et ceux qui s’oublient sciemment en chemin, car c’est la divagation qui leur importe, la flânerie conçue comme principe poétique. De poésie, le second long-métrage d’Alexandre Koberidze, jeune cinéaste géorgien, né en 1984 à Tbilissi, en regorge. Non pas cette poésie autoproclamée qui tord la réalité sous l’effet d’un caprice d’auteur, mais celle qui se recueille directement à la surface des choses, si tant est que l’on veuille bien leur prêter attention.

Sous le ciel de Koutaïssi, révélé lors de la Berlinale 2021, le fut sous son titre international What Do We See When We Look at the Sky ? : « que voyons-nous quand nous regardons le ciel ? » Devinette en guise de frontispice qui traduit assez bien de quoi il retourne : du regard qui, comme le vent, se pose où il veut et transfigure tout ce qu’il touche, transformant le plomb en or et les grenouilles en princes. Le monde Mathieu Macheret

ENTRE LES VAGUES.

de Anaïs Volpé- film francais – 1H39

 avec Souheila Yacoub, Déborah Lukumuena, Matthieu Longatte, Sveva Alviti, …

 Deux âmes sœurs inséparables, Alma et Margot, croquent la vie à pleines dents : elles n’en finissent pas de ne pas vouloir grandir et depuis toujours, elles veulent devenir comédiennes ; comédiennes, elles le sont déjà, elles le sont dans tous les petits jobs d’appoint qu’elles acceptent pour vivre : le tablier de serveuse, la blouse d’esthéticienne, ce sont, pour elles déjà des costumes ! L’occasion de jouer à être et à ne pas être.

Devenir actrice coûte que coûte, en faire un métier : entre deux services, les 2 amies courent les castings, espérant qu’un un jour, le vent tournera et un jour il semble qu’il tourne : Alma décroche un rôle dans une pièce de théâtre : elle y jouera le premier rôle, celui d’une jeune femme enceinte partant sur les traces de sa grand-mère italienne, immigrée à New York : clin d’œil aux déracinés, voyage dans le temps, voyage dans l’espace…le temps d’une pièce et… Margot sera sa doublure.

Et puis il y a les imprévisibles tempêtes de la vie, il en survient une et la chronique juvénile joyeusement débridée   devient mélodrame et seuls le jeu et la fiction vont sauver : ils vont permettre de se laisser ballotter par les flots, suivant le perpétuel mouvement des marées, sans toucher le fond.

Dans ce deuxième film, la réalisatrice filme Paris , ses quartiers cosmopolites, plein de vie, ses ambiances sonores, à l’image de ses deux comédiennes, dont l’énergie communicative , emporte tout sur son passage telle une tempête d humanité.

Qui se souvient de la guerre d’Algérie, l’a vécue ou subie le cas échéant, ou l’a apprise, ou encore à qui le nom de Fernand Iveton dit encore quelque chose, se retrouvera dans les plaies pas encore complétement refermées de cette période sombre de notre histoire. L’issue finale est connue du spectateur suffisamment informé, lequel trouvera donc aisément ses points de repère pour suivre le fil du scénario. Car sinon, le mode narratif intercalant fréquemment des scènes se déroulant dans un temps différent, pourrait conduire à perdre pied. Ce sera d’ailleurs certainement un écueil pour un public plus jeune qui n’aura sans doute pas appris grand-chose de la période sur les bancs de l’école. Fernand Iveton était somme toute un militant ordinaire, membre du parti communiste algérien, pas une grande figure du mouvement ouvrier, ce qui explique aussi que son souvenir se soit effacé, du moins dans l’hexagone. C’est un hommage qui est ainsi rendu à sa mémoire, mais sans grande démonstration. Condamné à mort par un tribunal militaire et lâché par le parti communiste et son journal L’Humanité, Fernand Iveton espéra jusqu’au bout sa grâce mais un certain ministre de la justice d’un gouvernement qui se disait socialiste refusa de la lui accorder et entérina son exécution sur l’échafaud : il s’appelait François Mitterand…

Le film est adapté assez librement d’un livre de Joseph Andras qui refusa le prix Goncourt qui lui fut attribué. Grâce lui soit rendue et au réalisateur Hélier Cisterne de nous transmettre cette histoire oubliée. Le réalisateur retranscrit magnifiquement l’ambiance de l’époque, de cette « guerre sans nom » – pour reprendre le titre du remarquable documentaire de Bertrand Tavernier. On évite l’hagiographie en privilégiant un point de vue extérieur sur le destin de Fernand Iveton. Le film offre plûtot qu’une thèse, la possibilité au spectateur de se faire une opinion. Le combat de Fernand était-il juste ? Ses actes étaient-ils justifiés ? Le procès était-il équitable ?

Télérama Jacques Morice :

Fernand Iveton, un nom, que l’Histoire avait effacé. Un héros ordinaire doublé d’un bouc-émissaire sacrifié. Son histoire s’inscrit dans le contexte de la guerre d’Algérie. En 1954, ouvrier tourneur dans une usine à Alger, ce jeune communiste ne supporte plus le sort réservé aux « indigènes » musulmans. Aux côtés de son meilleur ami, Henri, et de plusieurs autres camarades, il milite pour que les Arabes aient davantage de droits. La guerre n’est pas encore visible, le combat pour une Algérie libre tâtonne, source de divisions. Après avoir commencé à se rapprocher du FLN, Yveton décide un jour de poser une bombe dans son usine. L’attentat ne vise personne, il est consciencieusement planifié comme du sabotage, l’objectif étant de plonger la ville dans le noir. Mais la bombe est désamorcée et Iveton, arrêté.

La suite est à peine croyable : torture, procès qui vire à la mascarade dans un tribunal militaire, absence de soutien de la part de la métropole. Hélier Cisterne, le réalisateur remarqué de Vandal (2013), prend soin, pourtant, de juguler le pathos en apportant une forme d’innocence et de fraîcheur. Le film, construit en puzzle, avec une chronologie éclatée, est politique, mais c’est aussi une histoire d’amour, simple et forte, entre Fernand et Hélène, jeune mère polonaise, fière et entreprenante, qui a fui le régime stalinien. Le sujet du communisme, qui les oppose forcément au début, donne lieu à une scène de querelle à la fois véhémente et savoureuse. On y sent déjà leur attirance qui sera plus forte que l’idéologie.

Vincent Lacoste et Vicky Krieps forment un couple parfait. Dans leur rencontre au bal, dans les scènes de baignade ou de dîner avec les amis se dégage un parfum d’insouciance, qui rappelle parfois le cinéma populaire d’avant-guerre. Cette insouciance ne disparaît jamais tout à fait, même quand les événements prennent une tournure plus dangereuse. S’il est parfaitement conscient des risques encourus, Iveton manifeste, dans son idéalisme, une part d’ingénuité qui le voue sans doute à l’échec. Il n’empêche : sa bravoure et celle de son épouse, qui ne passe pas à l’action mais sait tout et a accepté, non sans tension, de rester auprès de son homme, réveillent le souvenir de ces couples humbles et unis engagés dans la Résistance.

Avec sa sobriété, sa pudeur, De nos frères blessés est poignant, tant l’injustice racontée est criante. Et en plus de faire connaître cette affaire, le flm révèle le rôle de François Mitterrand, garde des Sceaux de l’époque, qui signa l’arrêt de mort de Fernand Iveton. Lequel ne fut pas le seul dans ce cas : quarante-quatre autres condamnés furent guillotinés en un an, alors qu’il occupait ses fonctions, de 1956 à 1957.