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MADAME HYDE

De Serge BOZON – France – 2018 – 1h35 

Avec Isabelle Huppert, Romain Duris, Adda Senani, José Garcia, Guillaume Verdier

Madame Géquil (Isabelle Huppert) est professeure de sciences physiques dans une classe de technologique en banlieue. Mais elle est timide et devient la risée de ses élèves, car elle n’a pas la moindre autorité, et elle est donc incapable de faire cours. Elle est même objet d’apitoiement auprès de ses collègues. Elle est pourtant sensible au sort d’un de ses élèves qui est handicapé. Cela n’empêche pas celui-ci de se montrer insolent et antipathique.

Or voilà qu’un jour survient un évènement inattendu qui transforme la petite créature criarde et fébrile, à l’agonie, qu’elle était, en surfemme luminescente.  Dans cette nouvelle version de « L’étrange Cas du Dr Jekyll et de Mr Hyde » de Robert Louis Stevenson, la métamorphose en Madame Hyde s’avère positive. Situation farfelue, fantasque et très drôle dans sa manière de reprendre bon nombre d’archétypes sur l’école pour mieux les pervertir. Chaque personnage détonne : les deux déléguées de classe, sortes de sœurs siamoises anormalement intelligentes, ou les moutons noirs qui scandent un rap étrange venu d’ailleurs. Ou encore, le proviseur de l’école (Romain Duris, impayable), cheveux sur le côté et tenues cintrées bleu ou vert canard : à la fois caricature du manager et histrion fêlé.

Et alors le film glisse vers l’apprentissage. La transmission du savoir devient fluide et gracieuse.

Cette fable décapante, riche de déraillements, doit beaucoup au jeu subtile d’Isabelle Huppert. (D’après Jacques Morice, Télérama)

Les Inrockuptibles, Jean-Baptiste Morain : S’il est bien quelque chose qu’on ne peut dénier au cinéma de Serge Bozon, (…) c’est son originalité, et même son originalité humoristique (…) rien ni personne n’est banal, convenu, “cliché” dans Madame Hyde. Et pourtant tout est vraisemblable.

Cahiers du Cinéma, Florence Maillard : Fable sur la transmission, vision politique de l’école, le film se charge, non sans à-propos, de mystère, de violence, d’inquiétude.

L’Humanité, Emile Breton : une œuvre qui sait révéler sa richesse, sans esbroufe. Le filmage est frontal : un décor typé, de la salle de cours froide au noir profond d’un bosquet, antichambre pour le mystère au pied d’une banale cité, des personnages comme pris sur le vif. On est dans le quotidien. Et dans l’indicible. 

La Croix, Céline Rouden : Quel professeur n’a pas rêvé de disposer de superpouvoirs pour transformer l’hostilité ou l’indifférence de ses élèves en intérêt ? C’est tout le charme de ce film aux effets spéciaux bricolés et dans lequel Isabelle Huppert est utilisée à contre-emploi dans le rôle de cette femme timide et peu sûre d’elle. 

Vent du Nord

De Walid MATTAR – France – 2018 – 1h29 

Avec Philippe Rebbot, Mohamed Amine Hamzaoui, Kacet Mottet Klein, Corinne Masiero

Dans une petite ville du Nord de la France, Hervé qui, à 50 ans, a toujours travaillé dans la même usine pour un modeste salaire, apprend qu’elle va être délocalisée en Tunisie. S’il participe au mouvement de protestation organisé par ses collègues de travail, cela ne l’empêche pas de se résoudre à l’inéluctable. Il projette donc d’utiliser ses modestes indemnités de licenciement pour vivre de sa passion, la pêche, et convaincre son fils, un jeune garçon désœuvré et prêt à s’engager dans l’armée pour échapper à la fatalité du chômage, de l’épauler dans cette aventure. Mais rien ne se passe comme prévu pour Hervé et ses proches, confrontés à de multiples obstacles dans leur tentative de s’inventer une existence plus aimable.

Le chômage et l’horreur économique faut-il aussi savoir en rire ? Oui, répond Walid Mattar (né en Tunisie en 1980) dans cet épatant premier film. Il y raconte les efforts d’une famille de la « France d’en bas » pour échapper au pire. Et il observe, en Tunisie, là où l’usine a été délocalisée,  les difficultés pour un jeune homme, Foued, d’accepter des conditions de travail humiliantes sur une chaîne de montage. De quoi rafraîchir notre regard chauvin sur les délocalisations.

Le film slalome avec élégance entre le nord de l’Hexagone et la banlieue de Tunis, et décrit, avec une lucidité qui n’exclut jamais l’humour, les souffrances sociales de notre époque. Si Vent du Nord ne relève pas de la comédie, sa tonalité, malgré la gravité des thèmes abordés, demeure légère, comme un contrechamp solaire aux meilleures fictions sociales concoctées par le cinéma français ces derniers temps.

D’après Olivier de Bruyn, Marianne

Un drame intimiste attachant, audacieux dans ses choix techniques et parfait dans sa distribution. Amélie Leray, Les fiches du Cinéma

En trouvant le ton juste pour cette comédie tout en retenue, le réalisateur célèbre la quête d’une vie heureuse, contre vents et marées. Et parle avec finesse des désillusions du présent comme de l’utopie jamais vaincue. Frédéric Strauss, Télérama

« Abracadabra » comédie dramatique espagnole (1h36)

Avec Maribel Verdú, Antonio de la Torre, José Mota, Quim Gutiérrez, Julián Villagrán, Rocio Calvo, Josep María Pou

Carmen est mariée avec Carlos, un fan de foot et conducteur de grues bas du front, gueulard et peu attentif. Lors d’un mariage où son cousin se produit en tant qu’hypnotiseur, Carlos qui le déteste, fait passer celui-ci pour un idiot en se portant volontaire et faisant semblant de s’endormir. Mais une fois à nouveau assis à sa place, alors qu’un air connu retenti sur le téléphone portable de sa voisine, un déclic soudain se produit…

Un tourbillon de sensations

Le moins que l’on puisse dire c’est que l’auteur espagnol Pablo Berger aime mettre en scène des histoires originales et composer des univers à part entière. Après avoir fait sensation début 2013 en adaptant « Blanche neige » en noir et blanc (« Blancanieves« ) à la manière d’un film muet, le voici qui nous propose un scénario aux multiples facettes, entre drame amoureux, comédie fantastique et thriller psychologique. Et le mélange fonctionne à merveille grâce à l’étrangeté de certaines situations ou personnages croisées, ajoutant au suspense ambiant et rendant au final l’improbable intrigue principale presque crédible, ou tout au moins désirable.

Car c’est bien avant tout du personnage de la femme que traite « Abracadabra« , de ses désirs presque oubliés, de ses espoirs enfouis profond, de cet amour auquel elle a pratiquement renoncé, la faute à un homme dominé par la colère. La transformation du comportement de celui-ci est alors le vecteur de fantasmes et désirs qui pourraient bien reformer une envie de vie. Mais le scénario ahurissant signé Pablo Berger réservera bien des surprises, interrogeant à la fois la capacité à repartir sur de nouvelles bases et l’essence même du sentiment amoureux. Maribel Verdú excelle dans ce registre, entre incrédulité et espoirs renaissant, disséquant chacun des gestes de son bourrin de mari, pour mieux percevoir le réel changement.

Face à elle, Antonio de la Torre (« Que dios nos pardone« , « Balada Triste« ) est une nouvelle fois impérial. L’aisance avec laquelle il passe de la colère à une tendre béatitude, de la frustration agressive au vide, impressionne. Mais ce sont finalement les personnages secondaires qui viendront ajouter à la sensation d’étrangeté de l’ensemble, du couple ayant recréé des pans entiers du catalogue Ikea, à l’agent immobilier dramaturge, en passant par le singe voleur de sandwich ou le professeur surtout intéressé par l’argent. Avec une maîtrise déconcertante, Pablo Berger enchaîne d’improbables scènes dignes de films d’horreur où le filmage rapproché des visages domine, avec des scènes de pure comédie. Se permettant des clins d’œil aussi bien à « L’Exorciste » qu’à « Taxi Driver » ou « La fièvre du samedi soir« , « Abracadabra » est de ces films qui vous surprennent à chaque nouvelle scène, pour mieux vous égarer dans ses multiples pistes, ou vous émouvoir dans ses conclusions.

Critique d’Olivier Bachelard, « Abus de ciné »

Le décor, c’est l’Italie du Nord en plein été, du côté de la grande bourgeoisie esthète..  Elio, 17 ans un rien tête à claques, est le fils unique, le trésor vivant, d’un couple d’intellectuels fortuné et cosmopolite qui, chaque été, retrouve sa magnifique ­villa du XVIIe siècle dans la campagne. Elio est déjà un musicien accompli et un érudit. Il sait tout sur tout. Le prodige Timothée Challamet, nommé à l’oscar du meilleur acteur, lui prête sa gracilité poseuse. Mais il ne sera plus le même à la fin du film.

Car l’assurance étudiée d’Elio ne pèse rien face à la désinvolture américaine, sportive et adulte d’Oliver (Armie Hammer, hollywoodien à bon escient), thésard venu travailler quelques ­semaines auprès du père universitaire. Oliver énerve, puis fascine, puis obsède Elio, qui l’observe sans cesse, le suit le plus souvent possible, inspecte sa chambre en cachette…  L’histoire se déroule au présent,  durant l’été 1983, reconstitué avec une minutie fétichiste — objets, vêtements, chansons. Ce présent induit un film d’une certaine légèreté, avec entre autres,  la peinture d’une classe sociale dont les membres sont déchargés de toute contrainte matérielle par d’affectueux domestiques à domicile. Et donc entièrement libres de se consacrer aux choses de l’esprit, ou de la chair. L’étude sur la cristallisation amoureuse peut ainsi se déployer pleinement : la vie paraît si facile que chaque nouvel émoi sentimental ou sexuel d’Elio, à la conquête d’Oliver, occupe tout l’espace, constitue un rebondissement en soi.

L’intensité naîtra de la séparation annoncée entre les amants. Et, pour une fois, l’ordre moral et la raison familiale n’y sont pour rien. Les parents d’Elio  se révèlent plus que bienveillants : ils vont jusqu’à transformer les derniers jours de l’Américain sur le sol italien en une courte lune de miel pour lui et leur fils. Mais les deux garçons ne sont pas au même stade de leurs vies. Une belle séquence d’ivresse nocturne dans un village lombard montre Oliver en pleine épiphanie, au point culminant de sa joie de vivre, tandis que le frêle Elio se met à vomir : c’est trop de bonheur pour lui.

Luca Guadagnino trace une voie singulière, entre une fidélité italienne au néoréalisme (vérité des décors et des corps, durée des plans) et un tropisme hollywoodien — tout concourt à séduire. Call me by your name, tourné dans la région où il vit, est à ce jour son film le plus accompli,  jusque dans cette scène tardive, purement ­cinématographique : le seul visage d’Elio, filmé très longtemps, reflète alors l’entrée du personnage dans une dimension inconnue de lui, la vénération du souvenir.

 D’après la critique de Télérama du 28/02/18 (Louis Guichard)

Film du 29 mars au 3 avril

n« Mektoub my love » est une libre adaptation du roman « La blessure, la vraie » écrit par François Bégaudeau en 2011. Ce récit initiatique, situé dans les années 80 en Vendée raconte l’été des 15 ans de l’auteur. 

Avec Kechiche on est en 1994 à Sète. C’est le plein été. Un groupe de filles et de garçons s’éclatent à la plage, dans les bars, en boîte. Ils ont 20 ans, viennent d’un peu partout, Paris, Nice, la Tunisie…. Des couples se forment, se déforment, la jalousie s’insinue…..

L’un de ces jeunes est plus en retrait. C’est Amin, un Adonis qui attire toutes les filles mais ne couche pas même s’il rêve sans doute de séduire Ophélie. Hélas, c’est son cousin, Tony, cavaleur invétéré qui l’a devancé. Le plaisir charnel est présent dès le début du film : Amin se pointe à vélo chez Ophélie et découvre par la fenêtre son amie avec Tony. Cette première séquence révèle la sensualité plantureuse d’Ophélie Bau (un faux air de Claudia Cardinale ). Ce n’est pas la seule : elle et tous les autres, filles comme garçons, sont d’une beauté lumineuse, resplendissante de vie. Auguste Renoir n’est pas cité par hasard. La vision du réalisateur célèbre les corps comme des déesses ou des dieux de l’Olympe. Sous l’apparence naturaliste se cache toute une part mythologique. Le profane et le sacré (à travers une magnifique mise à bas d’une brebis) sont intimement liés…..

Comme dans tous ses films précédents, le cinéaste privilégie et loue la femme, sa sensibilité, sa puissance. L’homme, à côté, paraît plus petit, plus insaisissable. A l’image d’Amin si secret, sur lequel on s’interroge forcément : est-il timide, puceau, gay ? Il regarde, enregistre tout, fantasme, envie cette vie qui jaillit autour de lui.

Cet Amin qui écrit des scénarios et regarde seul des films, enfermé dan sa chambre, alors que dehors le soleil rayonne, n’est-ce pas Kechiche lui-même au temps de sa jeunesse ? On est d’autant plus tenté de voir un autoportrait que le personnage est en voie d’ascension sociale, tout en gardant un attachement viscéral à sa classe d’origine, populaire….

« Mektoub my love » est un hymne au bel âge, une ode gorgée d’énergie, où la liberté prime sur le scénario. Il y a pourtant une intrigue, des intrigues même, comme chez Marivaux. De fausses confidences en serments trompeurs, de petites en grandes infidélités, le film semble parfois un prolongement de « L’esquive » quinze ans plus tard. La cruauté et le chagrin y ont leur place mais en mode mineur.

Ce premier volet de l’œuvre, si ouvert aux interprétations, si riche de pistes possibles nous fait d’ores et déjà attendre avec impatience sa suite.

Critique de Jacques Morice (Télérama du 21 mars). 

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Les bonnes manières

Un film de Juliana Rojas – Marco Dutra

 Brésil – 2018 – 2h15 – VO

Avec : Isabel Rojas

            Marjorie Estiano

            Miguel Lobo

Juliana Rojas ouvre la perspective d’un cinéma d’un genre nouveau, croisant intimisme, images de synthèse, imaginaire galopant. Et traces de sang.

Une infirmière solitaire de São Paulo engagée par une jeune femme pour être la nounou de l’enfant dont elle est enceinte, As Boas Maneiras (Les Bonnes Manières) n’éveille, volontairement, aucun soupçon. Les organisateurs du festival de Locarno ont cependant tenu à ajouter cette fameuse petite phrase : « Certaines scènes sont susceptibles de heurter la sensibilité des spectateurs. » Pour être tout à fait exact, il aurait fallu ajouter : « Certaines scènes sont également susceptibles d’éblouir les spectateurs. »

Quand l’infirmière, Clara, entre dans l’appartement de la future maman, Ana, elle peut y contempler la ville sous un jour nouveau, magique, coloré, presque futuriste. Et une fois la nuit tombée, la pleine lune surgira dans le ciel comme une apparition. La beauté frappante de ces images est, au sens strict, surnaturelle : les trucages numériques y trafiquent avec les vraies prises de vue, créant une impression de flottement entre rêve et réalité. Qui nous prépare à accueillir l’impossible. Le père inconnu de l’enfant à naître était un loup-garou. Et les soirs de pleine lune, Ana et le petit qu’elle porte ont grand besoin de manger de la viande…Moitié homme, moitié bête, le loup-garou fait peur et surtout, il fait sens : tout est croisement dans ce film réalisé par deux moitiés, Marco Dutro et Juliana Rojas. Visuellement, on voyage du côté de chez Almodóvar, avec des décors intérieurs superbes et superbement travaillés. Et un univers de femmes, aux prises avec un enfant sauvage, que l’on voit grandir dans la seconde partie du film. Mais on plonge en même temps dans un merveilleux quasi hollywoodien, un rêve séduisant auquel se mêle la cruauté du cauchemar. Ces contrastes si forts sont réunis en une parfaite cohérence stylistique. Tout semble couler de source dans Les Bonnes Manières : la sensibilité qui domine est celle de l’intimisme, qu’il s’agisse des relations entre la mère et l’enfant ou de celles qui unissent les femmes. Car entre Clara et Ana, c’est aussi de sentiments et d’amour physique qu’il va être question. Le loup-garou renvoyant là à l’identité différente, et au rejet de la différence. Un discours limpide, jamais appuyé.

C’est tout naturellement que Marco Dutro et Juliana Rojas font un cinéma qui se revendique, de toutes les façons possibles, différent. Découverts avec Trabalhar cansa (2011), leur goût des cocktails entre réalisme et fantastique n’avait alors pas semblé tout à fait au point. Cette fois, ils maîtrisent parfaitement leur créativité sans barrière et accompagnent la mutation du spectateur d’aujourd’hui, de plus en plus ouvert aux passerelles entre les genres, aux croisements entre toutes sortes d’imaginaires. Les Bonnes Manières n’en est pas moins un choc, une sorte d’ovni. Mais le cinéma d’auteur trouve là une proposition passionnante, aussi ludique que très réfléchie. Et qui fera réfléchir….

  (3 Prix et 11 Nominations