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MEDUSE

MEDUSE

De Sophie Lévy France 2022 1h26

   Avec Anamaria Vartolomei, Roxane Mesquida, Arnaud Valois, Léo Dussollier                                                

   Un huis clos envoûtant porté par un remarquable trio dacteurs.

Il y a vingt et un ans, Roxane Mesquida crevait lécran dans un film particulièrement dérangeant de Catherine Breillat « A ma sœur ». Le titre aurait été tout aussi pertinent pourl’étonnant premier long métrage de Sophie Lévy, MEDUSE, dans lequel lactrice interprète Romane, une commerciale entièrement dévouée à sa cadette, Clémence (Anamaria Vartolomei), restée hémiplégique et privée de la parole à la suite dun accident de voituredont Romane est sortie saine et sauve. Les deux sœurs vivent seules dans la grande maison isolée que leur a léguée leur grandmère, au cœur d’une forêt de pins.

Un soir Romane rentre tard chez elle en compagnie de Guillaume (Arnaud Valois) un pompier dont elle est tombée rapidement amoureuse. Le lendemain matin Guillaumecouvre une fille dans le salon : cest Clémence. Il va progressivement se sentir investi dune mission : lui redonner corps et vie. Son arrivée bouleverse ce huis clos. Guillaume vas’attacher à Clémence, persuadé que ses exercices de rééducation vont laider à retrouver la parole et lusage de ses jambes. Mais au fil du temps, le rapprochement et la complicité de Clémence et Guillaume vont devenir de plus en plus insupportables pour Romane.

Méduse est un film d’atmosphère envoûtant. Où la violence exacerbée des sentiments, sur fond de solitude, de culpabilité et de paranoïa, est nime dune lumière éthérée et de superbes couleurs d’automne.

Les références à la gorgone Méduse, cette figure de la mythologie grecque à la tête couverte de serpents et dont le regard transformait en pierre quiconque la regardait,  ponctuent habilement le récit, comme dans les plans récurrentsles chevelures de Clémence et de Romane semblent se mêler inextricablement. Lambiguïté de leur relation fusionnelle, entre complicité et rivalité plus ou moins fantasmée, est incarnée avec brio. Roxane Masquidaimpressionne autant dans la dureté que dans la vulnérabilité, et Anamaria Vartolomei, dans un rôle encore plus éprouvant que celui de sa partenaire, confirme, un an après LEvènement,dAudrey Diwan, quelle est lune des actrices les plus prometteuses de sa génération.

Daprès les critiques de TELERAMA

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R.M.N

R.M.N.

De Cristian Mungiu

Avec Marin Grigore, Judith State, Macrina Bârladeanu

R.M.N. signifie Rezonanta Magnetica Nucleara (en français I.R.M.), scanner cérébral qui tente de détecter des choses sous la surface. Ce titre éloquent pourrait entrer en résonance avec toute l’œuvre de Cristian Mungiu, l’un des plus grands cinéastes roumains (et mondiaux), chacun de ses précédents films (le dernier en date étant le formidable Baccalauréat) analysant avec précision un aspect de la société roumaine. Cette fois-ci, à travers l’observation d’une petite ville de Transylvanie, il entreprend de diagnostiquer les maux dont souffrent de plus en plus de pays au coeur même de l’Europe. Cette région, disputée autrefois entre Roumains et Hongrois, habitée par les Roms, occupée par les Saxons, par son histoire multiethnique et multiculturelle, est en perpétuelle tension, creuset de mouvements nationalistes réveillant les passions xénophobes à chaque élection.
Matthias, Rom parti travailler en Allemagne, s’enfuit après s’être battu pour avoir été traité de « sale gitan » et revient dans son village natal en Transylvanie. Il y retrouve son fils qui n’arrive plus à parler, victime d’un choc psychologique causé par quelque chose qu’il a vu dans la forêt. Il y revoit aussi son ex-petite amie qui dirige une boulangerie industrielle. Elle touche des subventions européennes pour pratiquer le dumping social, maintenir les salaires au plus bas, et les travailleurs locaux ne veulent pas travailler pour une misère. Aussi vient-elle d’embaucher des ouvriers srilankais, provoquant des tensions dans le village par cette mise en concurrence. Matthias, plus préoccupé par sa survie et celle de son fils, va se retrouver au coeur d’une crise qui mettra chacun face à ses propres lâchetés, hypocrisies vis à vis de soi-disant valeurs, chacun parlant sa propre langue, hongrois, roumain, allemand… et même français, un Français se trouvant aussi dans cette bourgade de moins en moins paisible, missionné pour compter les ours. Car la Transylvanie est aussi connue pour receler dans l’obscurité de ses forêts de nombreuses bêtes sauvages (les habitants revêtant même des peaux d’ours lors de fêtes traditionnelles).

Chaque langue, chaque personnage, chaque religion, chaque élément du récit entre en résonance avec les autres, avec le monde, avec au centre cet enfant mutique face aux ours sauvages tapis dans les profondeurs de la forêt.

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Butterfly Vision

BUTTERFLY VISION

Film de Maksym Nakonechniy – Ukraine – RépubliqueTchèque – Croatie – Suéde – 1h47

Avec Rita Burkovska, Lyubomyr Valivots, Myroslava Vytrykhoska, Makar…

Lilia, experte en reconnaissance aérienne, retrouve les siens en Ukraine après plusieurs mois en  captivité dans le Dombas. Les médias veulent lui arracher des commentaires, elle doit subir des examens physiques, sa mère et petit ami tentent de percer le mystère de son calme étrange… L’horreur est, en fait, ancrée en Lilia : la jeune fille se découvre enceinte à la suite de viols qu’elle a subi dans les geôles russes. Alors qu’elle hésite à avorter, son petit ami, sous le choc, rejoint un mouvement d’extrême droite…

Comment se reconstruire quand la violence couve aussi à domicile, dans une Ukraine que le réalisateur et sa coscénariste n’hésitent pas à montrer tiraillée par des conflits internes ? Ce premier long métrage impressionnant capte le traumatisme de guerre sans aucune complaisance, et l’analyse dans ses conséquences intimes. Les souvenirs de Lilia remontent sous forme de cauchemars surréalistes et d’images pixellisées, comme filmées par un appareil de reconnaissance défectueux, cassé par l’ennemi. Ces sautes d’images tranchent avec le beau naturalisme de l’ensemble, tels des bugs invisibles aux yeux des proches. A la dévastation de Lilia, le film oppose donc une déchirure sociale, à travers le personnage du petit ami qui s’adonne à des exactions contre les Roms en tenue paramilitaire. Butterfly Vision s’impose ainsi comme le magnifique portrait d’une femme en terrain hostile, héroïne de sa propre libération, silhouette butée fuyant le statut de victime. Dans ce rôle, Rita Burkovska impose un mystère insondable, une distance presque gracieuse. Comme un papillon indestructible face aux horreurs de la guerre. TELERAMA .

La guerre encore plus monstrueuse à l’égard des femmes, elles sont la proie de toutes les perversités humaines, leur corps étant convoité pour la jouissance macabre qu’il augure chez l’ennemi. Le réalisateur ne fait pas un film partisan. Il adopte un point de vue très digne, très dépouillé jusqu’au choix d’une image sombre, sans filtre. Les examens médicaux subis sont regardés de loin, derrière un panneau, comme s’il ne fallait pas répéter l’outrage que son corps a déjà subi. Le passé monstrueux de la jeune femme resurgit par saccades, mais Marksim Nakonechniy refuse d’ostraciser les tortures qu’elle a connues (cicatrices profondes à la place des tatouages qui habillent ses bras et son dos). La suggestion est la voie la plus appropriée pour dessiner les contours de l’indignité, de l’humanité et de l’ignominie. Le réalisateur ne rajoute pas du drame au drame. Il regarde son personnage avec ses démons, ses blessures; il le tient à distance de la caméra, comme si à travers la comédienne magnifique qui incarne ce personnage brisé, il fallait encore plus de recul et de respect pour envisager les corps féminins.

Butterfly Vision est beaucoup plus qu’un film de cinéma. C’est une œuvre qui témoigne de toutes les blessures laissées par la guerre et de la difficulté, voire l’impossibilité de retrouver une existence paisible. Le nationalisme et le racisme contre les communautés Roms se mêlent à ce récit tragique, rappelant à nos consciences que la ligne du bien et du mal est de loin aisée à tracer. CLUB A VOIR A LIRE .

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Jeunesse en sursis

JEUNESSE EN SURSIS

De Kateryna Gornostai

Ukraine/ 2H02/ VOST

Titre original Stop-Zemlia (jeu enfantin ukrainien)

Ours d’argent à Berlin 

Pour son premier long métrage, la jeune réalisatrice ukrainienne Kateryna Gornostai livre une chronique lycéenne remarquable de sensibilité, un portrait de groupe dominé par les doutes et les interrogations d’où émerge un trio d’amis  inséparables, et en particulier Masha, jeune femme amoureuse et un peu perdue, 

Kateryna Gornostai a tenu à impliquer ses jeunes comédiens, issus d’un vaste casting sauvage, dans la construction de leurs personnages. En résulte un sentiment de vérité qui, par contraste, confère beaucoup de force à leurs faiblesses. 

Le sentiment amoureux, l’amitié, l’avenir, les parents, la culpabilité, la solitude, l’anxiété,  autant de sujets abordés face caméra, petites parenthèses dans le récit où la réalisatrice pose à ses personnages (et/ou à leurs interprètes) des questions intimes. Ces séquences improvisées tirent le film vers le documentaire, augmentant le récit d’une épaisseur sociologique.

Bien que tourné avant l’invasion du pays par les troupes russes, il est difficile de ne pas penser à la guerre comme terrifiant hors champ qui attend ces personnages, de ne pas penser à ces actrices et acteurs en herbe dont l’avenir s’est brusquement obscurci, renvoyant le cinéma loin de leurs préoccupations. 

 Jeunesse en sursis est le dernier film ukrainien à avoir conquis les salles de son pays avant l’invasion russe. 

Ce beau portrait de groupe est d’autant plus touchant qu’il se tient en équilibre dans un monde aujourd’hui ravagé.

 Une plongée juste et sensible dans un quotidien « en sursis ».

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Tout le monde aime Jeanne

Si l’on s’habitue à voir Blanche   Gardin au cinéma, jamais un film n’avait été autant centré sur elle, et plus encore sur l’univers de ses stand-ups. Dans son premier long-métrage, Céline Devaux explore la dépression inavouée que traverse Jeanne, confrontée à la fois au suicide de sa mère, à l’effondrement de sa vie professionnelle et à un désert affectif ; en somme, à cette crise de la quarantaine dont l’humoriste parle tant dans ses truculents spectacles. « Tout le monde aime Jeanne » : c’est selon Jean (Laurent Laffitte) ce que les garçons se racontaient au lycée. Il faudrait toutefois ajouter : tout le monde, sauf Jeanne elle-même, tant cette dernière s’autodéprécie. La dynamique psychologique du récit repose sur cette opposition structurante entre l’intériorité du personnage principal et l’extérieur, qu’il s’agisse du regard des autres (louant par exemple la beauté de Jeanne qui se juge pourtant sexuellement périmée) ou des espaces traversés. La quasi intégralité du film se déroule sous le soleil de Lisbonne, dont les aplats de couleurs vives sont valorisés par la photographie d’Olivier Boonjing, qui pousse jusqu’au bout une logique antiromantique de disjonction entre l’émotion du personnage et les paysages contemplés : pour Jeanne, sa dépression est encore plus insupportable du fait que la beauté du monde semble l’enjoindre à être heureuse.

Ce goût du contraste s’exprime notamment dans le mélange d’animation et de prises de vue réelles : les personnages et les formes créés par le dessin expriment avec fluidité la vie intérieure de la quadragénaire. Plutôt inventif, ce dispositif a cependant un revers : filmées parfois avec moins de rigueur, les séquences en live paraissent en comparaison plus fades. Leur intérêt se loge ailleurs, dans l’usage iconoclaste que le film fait de la voix off. Plutôt que de faire entendre celle de Blanche Gardin, la bande sonore est tapissée de voix étrangères qui résonnent dans la tête de Jeanne, combinant la première personne à la seconde, le tutoiement au vouvoiement. Pour transcender le malheur ordinaire des personnages, le film s’appuie sur le brio comique de ses deux acteurs principaux. Le rire se meut ici en énergie du désespoir : c’est la touche Gardin. Mais ce geste libérateur s’appuie également sur le couplage des deux registres plastiques, la simplicité enfantine des dessins de la cinéaste retournant en tendresse l’épuisement qu’éprouve Jeanne face à ses névroses. C’est la touche Devaux.

d’ après la critique de Critikat ( film presenté à la semaine de la critique à Cannes 2022)

 

 

 

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FLEE

FLEE

Jonas POHER RASMUSSEN – film d’animation Danemark 2021 1h29mn VOSTF – Scénario de Jonas Poher Rasmussen et Amin Nawabi (le protagoniste de l’histoire)89 prix dans moult festivals du monde entier, on n’essaiera même pas de commencer à les citer.

Du 31/08/22 au 20/09/22

FLEECe formidable, ce passionnant Flee prouve une fois de plus que l’animation est un merveilleux mode d’expression pour raconter la marche du monde et traduire au plus juste les comportements, et les sentiments de celles et ceux qu’elle emporte, qu’elle bouscule, souvent sans ménagement. Ces dernières années ont été riches en exemples de la force incomparable de ce qu’on n’appelle plus le « dessin animé », tant l’expression était limitative : on ne citera que Valse avec Bachir d’Ari Foldman, ou les tout récents et très remarquables Josep d’Aurel, succès bien mérité, et La Traversée de Florence Miailhe, à l’inverse injustement boudé. Autant de réussites incontestables qui créaient un univers, faisaient naître des émotions inaccessibles à des films en prises de vues réelles.
Flee du danois Jonas Poher Rasmussen s’inscrit dans la droite ligne de ces grandes réussites. Le réalisateur a demandé à son ami d’origine afghane Amin, désormais universitaire au Danemark, de se confier sur son passé : son enfance, son adolescence, la fuite de son pays natal, le long chemin qui l’a mené jusqu’en Europe. Se confier est bien le mot : il fait s’allonger Amin, sur un divan, tel un psychanalyste, pour que celui-ci, les yeux fermés, puisse se plonger dans ses souvenirs et commencer un récit qui renferme évidemment bien des souffrances enfouies.

Tout commence pourtant dans la joie et la couleur, au milieu des années 80, alors que le jeune Amin, âgé d’à peine dix ans, parcourt insouciant Kaboul, walkman sur la tête, écoutant l’incontournable Take on me du groupe norvégien A-Ha. La guerre entre les moudjahidines et le gouvernement prosoviétique a commencé depuis quelques années mais n’a pas encore affecté les habitants de la capitale. Et Amin nage dans l’amour de ses parents, de sa mère qui sait si bien lui caresser les cheveux, et dans la passion très occidentale de la pop et des films de Jean Claude Van Damme… Puis tout va s’assombrir avec l’arrestation arbitraire du père, qui a déplu au régime, et rapidement la chute de Kaboul qui pousse la famille à fuir et à s’installer dans la Russie post soviétique en plein effondrement, ravagée par la corruption et la violence de sa police. La suite raconte magnifiquement l’adolescence, le passage à l’âge adulte, la blessure de l’exil, les traumatismes inextinguibles du passé, et la découverte de l’homosexualité au sein d’une culture familiale qui ne peut l’accepter que difficilement.
Le récit d’Amin, voix entêtante et omniprésente, est bouleversant, et les possibilités quasi-infinies qu’offre l’animation en traduisent merveilleusement les changements humeur et de ton. Aux couleurs chatoyantes de l’enfance sous le soleil de Kaboul vont succéder des aplats presque abstraits de noir, blanc et de gris dans la confusion de l’exil en Russie puis lors de la tentative de fuite vers la Suède. Auxquels se mêlent, en un contrepoint génialement absurde, les archives télévisuelles souvent totalement décalées par rapport aux réalités vécues par Amin.

Les jurys de nombreux festivals du monde entier ont été enthousiasmés puisqu’ils ont décerné, fait assez incroyable, pas moins de 89 prix au film !

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Sundown

CINE CIMES                    Semaine du 22 au 27 septembre                                         

Université Populaire Sallanches-Passy

SUN DOWN

Film de Michel Franco – Mexique, France, Suède -1h23

Avec Tim Roth, Charlotte Gainsbourg,Iazua Larios…

 

 

On ne sait pas vraiment ce qu’il pense, Neil qui reste en vacances au Mexique en dépit du bon sens. Et peu à peu, l’intrigue se corse…

Est-il bête ? Souffre t-il d’un handicap? Ou bien a-t-il atteint le degré ultime du je-m’en-foutisme ?

Neil (Tim Roth, formidable d’opacité traînarde) ne fait pas particulièrement la tête, il lui arrive même de sourire. Mais il parle à peine et passe la plupart du temps à picoler, en bullant au bord d’une piscine de rêve ou sur la plage d’Acapulco ; Il est en train de se la couler douce dans un hôtel de luxe, avec ses proches, lorsque l’annonce brutale du décès d’un membre de la famille les oblige à partir d’urgence. Sauf qu’à l’aéroport Neil prétexte l’oubli de son passeport pour ne pas décoller avec eux. 

Que dissimule ce monstre apparent d’indifférence ?

Au moins deux révélations vont éclairer après coup sa décision. En partie. Une fois qu’on en sait un peu plus sur l’ectoplasme, on continue de buter sur un bloc impénétrable. Qui est aussi une page blanche, sur laquelle on peut tout projeter, y compris – c’est l’hypothèse haute – le symbole d’un homme en crise profonde, métaphysique. Neil est une sorte de mort en sursis, alors il franchit des frontières, passant notamment du monde des nantis à celui du peuple . 

Après avoir rebroussé chemin seul de l’aéroport, il s’installe un moment dans un petit hôtel bon marché, fréquente une plage bondée, fait la rencontre d’une jeune et jolie Mexicaine. On pourrait croire à une parenthèse enchantée. Rien n’est pourtant sûr ni paisible ici, la violence peut jaillir à tout moment. 

Et jusqu’au bout, Neil fascine. Comme l’homme ayant atteint le point de non retour.

Michel Franco parvient à créer du suspense, une très grande tension, grâce à son extraordinaire gestion de la durée, sa maîtrise du non-dit, construisant patiemment une sorte de puzzle existentiel, gorgé d’humour noir, et porté par la puissance d’incarnation d’un Tim Roth vraiment génial.

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Les Promesses d’Hasan

LES PROMESSES D’HASAN

De Semih Kaplanoglu

Turquie

2H27

VOST

Avant un pèlerinage à La Mecque, un couple se remet en question. Une fable imagée, aux personnages attachants, de la petitesse à l’élévation.

Dorés par le soleil qui les caresse, les champs de la campagne turque dessinent un éden infini. Le plaisir qu’il y a à contempler une terre aussi fertile est célébré dès les premiers plans de ce film fleuve. Son héros, pourtant, reste aveugle à la beauté qui l’entoure. Le visage inquiet, Hasan s’acharne au travail. Pour cet agriculteur vieillissant, tout semble menaçant : l’installation d’un pylône électrique risque de réduire sa production de tomates, celle des pommiers pourrait être trop faible sans pesticides… Mais à la chronique des vicissitudes agricoles, se substitue peu à peu une fable où ce que l’on sème et ce que l’on récolte a une valeur plus existentielle. Car Hasan se révèle très doué pour contourner les difficultés, quitte à les faire supporter aux autres. À la maison, son épouse, Emine, semble goûter à la vie plus simplement, mais accumule les billets en cachette…

Ils sont étonnants, ces personnages auxquels on s’attache malgré leurs défauts. Ils semblent sortis d’un roman. Tout en les montrant recroquevillés sur leurs intérêts, le réalisateur leur a donné de l’ampleur pour les guider vers quelque chose de plus grand qu’eux. Lorsqu’ils apprennent qu’ils vont pouvoir partir en pèlerinage à la Mecque, Hasan et Emine sont obligés d’ouvrir les yeux. Par-delà la religion et la morale, qui les obligent à un examen de conscience, c’est leur place en ce monde qui est en jeu, la vérité de ce qu’ils sont pour eux-mêmes et pour les autres. Cette nécessaire remise en question est illustrée par des scènes au symbolisme spectaculaire — un immense arbre flottant dans l’air, déraciné — qui alourdissent le film, au rythme lent. Ce sont les moments les plus simples qui disent le mieux la condition humaine, écartelée entre petitesse et élévation. Tout se joue alors dans les regards, les calculs vains comme les révélations essentielles. Jusqu’à la fin, superbe.

Frédéric Strauss. Télérama

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Varsovie 83

Du 30 juin au 5 juillet

VARSOVIE 83, UNE AFFAIRE d’ETAT

De Jan P. MATUSZYNSKI, Pologne, 2h39, VOST

avec Tomasz Zietek, Sandra Korzeniak, Jacek Braciak

Après le meurtre d’un lycéen par la police, le régime se démène pour cacher la vérité. Une immersion effrayante et intense dans la Pologne communiste.

A partir d’une histoire vraie à Varsovie le le 14 mai 1983, un lycéen, Grzegorz Przemyk, meurt après avoir été roué de coups dans un commissariat par la milice citoyenne. Sa mère est une opposante au régime, une poétesse connue pour sa proximité avec le syndicat Solidarnosc, encore actif malgré son interdiction dans la Pologne du général Jaruzelski, où été décrété la loi martiale.

Une tension constante traverse ce film qui montre avec une extraordinaire vérité les grandes manœuvres entreprises afin de cacher la vérité.

Un tableau de société passionnant et glacé se déploie. Chaque vie n’est qu’un pion qu’il s’agit de faire tomber ou de déplacer. Les stratégies pour y parvenir sont connues, menaces, chantage, mise sur écoute, faux témoignages arrachés de force. Mais l’attention méticuleuse portée à chaque rouage du mécanisme de l’injustice a une force inédite qui ouvre les yeux.

Chaque détail, les éléments de décoration, les comédiens savamment choisis, les portraits, font réapparaître une époque, le début des années 80, même dans la manière de filmer .

Extraits de la critique de Frédéric Strauss, Télérama

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