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DEBOUT SUR LA MONTAGNE

De Sébastien Betbeder-France-1h48. Avec William Lebghil, Izïa Higelin, Bastien Bouillon, Jérémie Elkaïm, Guillaume Labbé, Estéban et Laetitia Spigarelli.

Une comédie originale avec un soupçon de fantastique sur des retrouvailles d’amitiés d’enfance :

Sébastien Betbeder est le réalisateur de « l’homme de 2 automnes 3 hivers » et de « Marie et les naufragés ». Son cinéma repose sur une constance : des personnages qui donnent ton et rythme à un récit. Il tisse ainsi un lien fort avec les spectateurs.

« Debout sur la montagne » met en scène les retrouvailles de 3 amis d’enfance qui ont grandi ensemble dans un village de montagne. Puis ils se sont éloignés en partant dans des directions différentes. À l’occasion de l’enterrement du frère d’un des 3 amis, ils se retrouvent. Ils vont alors refaire plus ou moins leur ancien trio d’enfance entre mélange de souvenirs forts et de leur vie adulte, avec ses impasses. Que retrouve-t-on finalement de l’enfance et qu’apporte-t-elle encore aux adultes, malgré les aléas, les épreuves, les errements ?

Betbeder emmène assurément chacun avec maitrise dans ce questionnement délicat, avec finesse, entre rires et larmes, épicé par un soupçon de fantastique…un peu comme un conte !

Le trio d’acteurs est très attachant et il est l’essence de ce film.

« Bastien Bouillon, fait de la gêne un joli philtre d’amour.

William Lebghil confirme qu’il peut émouvoir par son seul air éberlué.

Entre eux deux s’impose Izïa Higelin, avec son corps volcanique et sa voix de roc friable.

Mais comme tous les autres personnages du film, elle trouvera une place pour ne plus avoir peur du vide. » (Extrait de la critique de Guillemette Odicino, Télérama)

               J’AI PERDU MON CORPS 

Grand prix de la Semaine de la critique, Cannes 2019 – Grand Prix et Prix du Public, Festival du film d’animation d’Annecy 2019. Pour tous mais pas avant 12 ans.

Deux récits, deux univers vont se déployer en parallèle et nous envoûter… D’abord celui de Naoufel… Livreur de pizza effacé, comme si son existence avait perdu tout relief, toute espérance. Il n’attend plus le déclic… qui pourtant surviendra au détour d’un jour triste et pluvieux, au bas d’un immeuble parisien impersonnel, devant une porte désespérante où on se casse le nez quand on n’en a pas le code… Le jeune homme sonne, livraison en main, désolé de son retard, prêt à s’excuser platement, à se faire rabrouer, comme souvent. Du haut du trente cinquième étage, lui parvient de l’interphone la magie d’une voix inaccessible. Elle appartient à Gabrielle, c’est ce que dit le nom à côté de la sonnette. Écoutant à peine ses propos taquins, il ne perçoit que sa jeunesse, sa douceur camouflée.

La seconde histoire, sans parole, impressionnante, est celle d’un membre « fantôme », comme on qualifie cette faculté qu’ont les mutilés de continuer à ressentir des sensations pour une partie de leur corps qu’ils ont perdue. On assiste ici à une surréaliste inversion des rôles : ce n’est plus l’humain qui part en quête du membre qui lui manque, mais une main désespérée qui tente d’échapper à son sort, s’évade d’un laboratoire et part à la recherche de son propriétaire…. Cette main va devenir très rapidement un personnage véritable. Pour elle on va trembler, quand elle se retrouvera aux prises avec des prédateurs plus grands qu’elle, aux prises avec nos pires cauchemars enfantins, la peur du noir, de la solitude, de l’abandon… On espérera pour elle, avec elle on sera émus, par la mélancolie de la pluie, la nostalgie de ce qu’elle fut, la douceur d’une menotte de nourrisson à la peau fine…
Il y aurait tant à dire encore sur ce J’ai perdu mon corps d’une richesse incroyable, qui donne autant à penser qu’à ressentir. Chacun y trouvera forcément son bonheur…

LE TRAITRE (titre original IL TRADITORE)                                                                                                                                               De  Marco BELLOCCHIO – Italie/France/Brésil – 2h25

L’italien Marco BELLOCCHIO signe un intense thriller mafieux autour de la figure du repenti Tommaso BUSCETTA. Un film tout en tension qui retrace avec maestria la fin d’un monde. 

Au sein d’une édition cannoise 2019 extrêmement relevée (certains disent qu’on n’avait pas vu ça depuis 1980 et double Palme d’Or (Que le spectacle commence / Kagemusha), l’une des plus grosses surprises nous est venue de Marco Bellocchio. Non pas que le cinéaste italien de bientôt 80 ans, celui des Poings dans les poches, Le Saut dans le vide, Buongiorno notte ou encore Vincere, ne puisse pas être considéré comme un maître mais ses œuvres récentes étouffées et étouffantes versaient dans un auteurisme refermé sur lui-même (La belle endormie…) qui n’invitait pas à l’enthousiasme. Voilà donc ce TRAITRE, centré sur la seule figure de Tommaso Buscetta, homme fort de la mafia sicilienne qui aux débuts des années 80 répondra aux questions du Juge Falcone et sera considéré comme un traître par les « familles » et un repenti pour la justice et donc une grande partie de l’opinion italienne. Le maxi-procès qui suivra deviendra une scène de théâtre à l’italienne et fera tomber un à un tous les chefs des différentes familles.

A première vue aussi, pas grand-chose à attendre d’un genre – le thriller mafieux – qui aura donné au cinéma – surtout américain – des chefs-d’œuvre à la pelle à partir des années 30. Les cinéastes italiens, un peu à la traîne sur ce terrain-là, ont raconté leur propre histoire criminelle avec moins d’emphase et de génie (cf les films de Francesco Rosi). BELLOCCHIO répare la chose. LE TRAITRE  déploie et superpose tension, force, violence, emphase et mélancolie qui contaminent tout le cadre et laissent abasourdi. La limpidité avec laquelle le réalisateur raconte cette sombre histoire pour en révéler sa part bouffonne et tragique est prégnante dès la première séquence. On y voit les différents clans de la Cosa Nostra fêter ensemble la Sainte Rosalie dans une belle maison et poser ensemble sur la photo d’une famille enfin réunie et soudée. Au milieu de ce panier de crabes, Tommaso Buscetta (impérial Pierfrancesco Favino) n’est qu’un homme de main, mais ses déplacements sont scrutés avec attention par les convives. Il évolue d’une pièce à l’autre avec autorité et une assurance qui ne trompent pas. Il récupère bientôt son fils quasi inerte sur la plage en pleine montée d’héroïne. Le fils vacillant réintègre illico la famille. La drogue est alors la grande affaire de la mafia, celle qui va asseoir mondialement sa force et bientôt précipiter son implosion. Pour l’heure, un feu d’artifice et des chants religieux parachèvent cette parodie de réunion familiale digne du Parrain de Coppola. Et puis les choses vont se précipiter. L’exil au Brésil pour Tommaso et une ribambelle d’assassinats fratricides en Italie dont le nombre en surimpression agit comme un compte à rebours inversé et suggère l’inéluctable à l’œuvre. Jusqu’ici tout va bien, les repères sont connus, les figures très imposées presque prévisibles… Rien ne prépare réellement à ce qui va suivre.

Le retour en Italie de Tommaso Buscetta  va lancer un autre film, celui d’un long procès très commedia dell’arte où la figure de Tommaso va révéler sa vraie nature. L’homme assume, ne baisse jamais la tête face à ses juges et s’il tourne le dos à ses anciens partenaires parqués dans des cages au fond de la salle, il envisage chaque confrontation avec eux avec délectation. Derrière ses épaisses lunettes noires de rock star, il parle, se confesse, assume tout. On sent une jubilation. La mise en scène d’une fluidité déconcertante sait restituer la valeur de ces procès et dynamiser l’action par la seule force de la parole et de la gestuelle. Combats de boxe et joutes verbales. Marco Bellocchio manie l’ellipse à la perfection et face à ce déchaînement d’actions parvient à rester au plus près de l’intimité de son personnage dont on pressent le lent délitement intérieur. Le « bâtard », le « traitre », rejette son ancien monde et la conscience de ce reniement n’est pas sans conséquences affectives. Le cinéaste italien prend l’histoire de la mafia à son point culminant, à son entrée dans l’ère moderne où les méthodes « à la papa » seront bientôt dépassées. Dans la tourmente, Tommaso Buscetta  a-t-il le temps de penser, de faire le point ? L’assassinat du Juge Falcone (la séquence est démente) sonnera la fin d’un jeu tourné vers l’extérieur pour la dernière partie du film plus introspective et mélancolique. Et dans un final magnifique digne d’u                                                                                                                             n western fordien, cette divine comédie s’achève. Mon dieu que le voyage fut intense !  

Film en compétition au Festival de Cannes 2019.– D’après les critiques de PREMIERE –      

ADULTS IN THE ROOM

De Costa-Gavras, France/Grèce, 2h04 d’après « Conversations entre adultes. Dans les coulisses secrètes de l’Europe » d’Yánis Varoufákis, (joué par Christos Loulis), ex-ministre de l’économie de la Grèce du gouvernement de la coalition de gauche, après la victoire de Syrisa dirigé par Alexis Tsipras, en 2015.

Costa-Gavras a aussi pris en compte pour ce film les enregistrements des réunions avec l’Eurogroupe et la troïka (FMI, BCE, CE) que Varoufakis a réalisés quand il a découvert qu’il n’y avait pas de procès-verbal sur ce qui avait été dit, alors qu’il était le seul grec invité face aux ministres des finances de l’Europe et qu’il avait à rendre compte des négociations auprès de son gouvernement. D’autant plus que des infox étaient transmises aux médias, comme le fait qu’il n’apportait aucune proposition, alors qu’il aurait voulu communiquer celles qu’il avait préparées et à défaut les transmettre à l’extérieur, ce qui lui a valu d’être menacé d’expulsion du groupe de travail. Ceci traduit cette tragédie grecque où David hérite d’un pays avec une dette monumentale (320 milliards) et doit affronter Goliath qui, non seulement ne prend en compte que la réalité économique, mais tient à punir ces élus « gauchistes défenseurs de cigales. » Les pompiers pyromanes ne croient qu’à l’austérité. Tsipras finira par céder au chantage, menacé d’exclusion de l’Europe. Et alors Varoufakis démissionnera.

Et les jeunes diplômés grecs quittent le pays en masse, le chômage s’aggrave, les retraites baissent de 45%, les salaires chutent de 40%, des biens publics sont vendus au privé, des hôpitaux ferment… Aujourd’hui la dette demeure et les grecs sont appauvris largement plus.

Ce renversement, non seulement d’un peuple, mais aussi de la politique, par l’économie, par une gestion comptable,  ne concerne pas que la Grèce ; il n’est que de voir ce que deviennent nos services publics en France, pourtant considérés comme le patrimoine de ceux qui n’en ont pas. Une déshumanisation qui gangrène le monde du travail et les services à la population.

Le sujet de Costa-Gavras, lequel souhaite une autre Europe, c’est de montrer l’abus de pouvoir, cette fois, celle d’une dérive du libéralisme tout-puissant, de la dictature et de la violence de l’économie lorsqu’elle se prétend exclusive. Et il met en scène le comportement de ces hommes qui ne lâchent rien. Jamais. Ils méprisent, ils discréditent, ils manipulent. Ils règnent. Ces mots, mais en anglais, de Christine Lagarde, présidente du FMI, devraient entrer dans la postérité : « (Y-a-t-il ?) ou (il faut) des adultes dans la salle ».

Costa-Gavras a cherché à s’en tenir au plus près des faits, avec tout son talent cinématographique pour établir un thriller palpitant. Il sait être pédagogue sans rien sacrifier de la complexité. Il est l’auteur de Z, L’aveu, Missing (Palme d’Or en 1982), Amen.

CEUX QUI TRAVAILLENT

Ex-employé d’une société qui gère des cargos depuis la Suisse, le personnage que joue l’acteur déclare, à une recruteuse chargée d’établir son profil, n’être « ni sentimental ni altruiste ». Le visage fermé, Frank semble presque robotisé. Parce qu’une cargaison risquait d’être retardée et perdue, après la découverte d’un clandestin à bord, il a donné l’ordre de se débarrasser du « problème ».Ses patrons, qui trouvaient qu’avec son ancienneté il coûtait trop cher, en ont profité pour le licencier, en prenant des airs offusqués. Entre requins, pas de pitié.

Voilà Frank échoué, comme un cargo sur la grève. Mais prêt à refaire passer la loi du profit avant les préoccupations humaines, la prochaine fois que l’occasion se représentera. Donner tout à son travail n’est pas une formule pour lui : sa vie, son honneur, il les a sacrifiés contre un très bon salaire. Et tout le monde était content. C’est par sa franchise que ce premier film se distingue et renouvelle ce cinéma social dont les combats s’appuient sur la grandeur des individus. Ici, on la cherche en vain. Chez lui, Frank devient un encombrant. Il n’était bon qu’à partir au bureau et son fils le lui crache à la figure : « On a accepté de vivre sans père mais on n’acceptera pas de changer notre train de vie. » À la maison non plus, on ne se fait pas de cadeau…

Sans effets dramatiques, sans colère, presque aussi froid que ses personnages, le réalisateur montre comment la circulation de l’argent régit tout. Mais, dans ce tableau étouffant, il s’accroche à une enfant, la plus jeune fille de Frank. Parce qu’elle est la seule à le considérer comme un père et non comme un portefeuille ; parce qu’elle a besoin de faire un exposé à l’école sur le travail de son papa, il l’emmène voir les cargos dont il avait la charge. Avec ce voyage, le film prend de la hauteur pour regarder le cycle infernal du commerce : notre monde sans pitié ne tourne que si l’on achète tout ce qui est à vendre. Ceux qui travaillent se salissent les mains, mais tout le monde est complice. Un regard précis, utile, courageux.

Olivier Gourmet est magistral…

Présenté comme une lettre à sa fille Sama, née pendant les bombardements à quelques mois du début du siège d’Alep, ce documentaire est bouleversant. Il filme de l’intérieur la résistance silencieuse des habitants de la ville qui ne veulent pas partir de chez eux. Parce que partir, c’est renoncer à tout ce qu’ils ont construit et donner raison à un pouvoir qu’ils exècrent. Mais rester, c’est l’enfer. Rester, c’est faire grandir les enfants dans la misère, sous les bombes, sans savoir si l’on va savoir les protéger, ou même les nourrir. Extrêmement personnel, ce film raconte le trajet de la réalisatrice, mère qui se demande dans quel monde elle fait naître son enfant. Un enfant de l’amour, qui lui apporte tellement de joie. Elle raconte ses doutes et ses peurs, son angoisse totale, sans aucun fard ni aucune retenue. Mais Waad est aussi une « journaliste-citoyenne » qui sort tous les jours dans la rue et laisse sa fille dormir dans une chambre de fortune au-dessus de l’hôpital, car elle se doit de documenter le conflit, documenter la vie à Alep, sous les bombes et pendant le siège. Documenter pour faire, d’une part, voir au monde ce qu’il se passe, mais aussi comme devoir de mémoire, pour tous ceux qui ne sont plus.

« Pour Sama« , raconte ainsi de manière chronologique la détérioration de la situation dans cette grande ville, des premières révoltes étudiantes, quand Waad est encore en quatrième année de marketing, au siège de la ville pendant plus de six mois. D’importants jalons, ignorés en Occident, viennent rythmer le film et le rendent très lisible. En racontant la grande Histoire par le prisme de sa vie, Waad ancre ces changements et les conceptualise. Mais avant tout, c’est un film sur les habitants d’Alep. Une déclaration d’amour à ce peuple qui est resté, qui a continué à se battre et à aider les sinistrés. À tous ceux qui ont su remettre un sourire sur un visage, qui se sont occupés d’enfants, de blessés, de vieilles personnes. À tous ceux qui ont soigné et aidé, dans des hôpitaux de fortune. Ce documentaire montre des images inédites, inimaginables, celles de bombes tombant sur des quartiers, à moins de cent mètres de la caméra ; les dégâts encore fumants qu’elles laissent dans les bâtiments, tombant parfois à quelques mètres de la réalisatrice ; des enfants arrivants, couverts de poussière, portant dans leur bras un camarade inanimé. Ce que Waad al-Kateab parvient aussi à capturer, c’est la bande son de la guerre, des tirs de mortiers aux rafales des snipers, des cris aux bruits incessants de la chute des bombes. (…) Et au milieu de tout ça, la chose la plus unique, la plus surprenante, la plus inattendue à trouver là : le rire. Le rire, les histoires et le sourire, l’optimisme qui existe au cœur de cette détresse extrême qui ne se laisse jamais abattre. Extrêmement personnel, par ce film la réalisatrice demande pardon à sa fille et essaie de lui faire comprendre pourquoi elle l’a mise tant en danger, pourquoi ses parents ont fait ce choix, celui de rester. Elle est notre point d’attache, qui rend tout cela bien réel, vécu. Elle ne s’en remettra jamais, mais elle n’aurait pas fait un autre choix.    Oeil d’Or du meilleur documentaire au Festival de Cannes 2019.

La pérennité du désir, l’infidélité, les ravages du temps… Des sujets pas vraiment drôles, dont Christophe Honoré a réussi à faire une comédie enlevée et joyeuse avec « Chambre 212 », qui sort en salle mercredi. En compétition lors du dernier Festival de Cannes dans la section Un certain regard, le film a remporté le prix d’interprétation pour Chiara Mastroianni. Maria (Chiara Mastroianni) quitte le domicile conjugal à la suite d’une dispute avec son mari (Benjamin Biolay,) pour passer la nuit à l’hôtel. Alors qu’elle tente de faire le point, plusieurs personnes de sa vie passée entrent en scène. Ce qui semble au départ être un songe de Maria -qui parle avec sa mère morte, son mari lorsqu’il avait 25 ans (joué par Vincent Lacoste) ou l’ex-amour de celui-ci (joué par Camille Cottin)- montre en réalité les dédales de sa réflexion. « C’est l’histoire d’une femme qui pense et qu’on accompagne dans toutes ses pensées, lesquelles s’incarnent dans des situations ou des personnages », racontait Christophe Honoré à l’AFP en mai dernier à Cannes. L’histoire, comme les protagonistes, se promène entre la chambre d’hôtel et l’appartement du couple -ils n’ont qu’une rue à traverser- en s’affranchissant du temps, pour permettre, par exemple, un dialogue entre l’un des personnages à deux âges différents, une bagarre entre un amant actuel et un futur mari encore dans ses vingt ans… Les situations amusantes s’enchaînent…. 

Après « Plaire aimer et courir vite », son dernier film à la tonalité plutôt grave, Christophe Honoré avait « envie d’échapper à un certain naturalisme » pour faire un long métrage « qui s’amuse, au ton plus léger, même si le film a sa part de mélancolie ». Car sans avoir l’air d’y toucher, le propos est profond, tournant autour d’une seule grande question : un couple peut-il résister au temps ? « J’arrive à un âge où j’ai la chance de vivre en couple depuis longtemps. C’est un travail », avance Christophe Honoré, en écho aux propos de l’un de ses personnages. « Prenez la façon dont on gère le désir : c’est très déstabilisant d’aimer toujours autant quelqu’un mais de le désirer moins qu’avant. Il faut pouvoir passer outre ce genre de choses ou en tout cas faire avec…On n’est pas sur terre pendant si longtemps au fond, et la question de qui on désire, à qui on plaît, et comment on a la chance ou non de vivre une histoire d’amour… c’est quand même essentiel dans nos vies », selon le cinéaste qui se dit « heureux » d’avoir fait ce film. ( rh/sl pour La Croix) 

En même temps, une poignante interrogation affleure : peut-on jamais se remettre de la perte de la jeunesse ? Peut-on jamais faire autrement que tromper l’autre avec lui-même ? C’est le bilan d’une vie de couple, mais aussi le carrefour virtuel de toutes les vies que les deux époux auraient pu avoir à la place. La troupe d’acteurs éblouit, notamment du côté des nouvelles recrues de Christophe Honoré : Benjamin Biolay, la maturité assumée et le cœur lourd, Camille Cottin, émouvante « vieille  maîtresse » ressurgie du passé et Carole Bouquet, vivante référence au cinéma de Blier…Une nouvelle réussite.

( Télérama ) »

Un film de Céline Sciamma

France 2019 – Durée 2H

Avec Adèle Haenel, Noémie Merlant, Valéria Golino 

Le cinéma français a une sacrée dette envers Céline Sciamma : celle de nous avoir fait découvrir le charme et le talent d’Adèle Haenel, en 2007, au moment de la sortie très remarquée de La Naissance des Pieuvres. Depuis, l’actrice a tourné avec les réalisateurs les plus en vue du pays. Dans ce film d’époque, le Portrait de la Jeune Fille en Feu imagine le rapprochement entre une peintre et son modèle, et l’inévitable tension érotique qui va naître entre elles. Or, si l’homosexualité féminine est un sujet récurrent dans la filmographie de Sciamma, c’est la première qu’elle l’aborde par le prisme historique. Toutefois, en plaçant leur rencontre en 1770, il ne s’agit pas de profiter du contexte politique houleux qui précédait la Révolution française, mais bien de rappeler qu’en ces temps pas si ancestraux, les femmes avaient une liberté des plus limitées, puisqu’elles étaient contraintes de se marier, afin de sortir du couvent.

La sobriété de la mise en scène participe pour beaucoup à l’intensité du feu érotique, qui bout sous la surface des faux-semblants. Le travail effectué par la directrice de la photographie, qui vise à donner à chaque plan l’allure d’une peinture animée, n’est certainement pas pour rien dans la beauté qui se dégage du contenu. Et la splendeur des décors confère à l’ensemble un vrai charme pictural. Mais le plus magnifique du film apparaît dès que les deux femmes s’observent l’une l’autre : le jeu des regards véritablement troublant se suffit alors à lui-même pour rendre leur attirance inavouée. 

D’après Julien Dugois . AvoirAlire

Céline Sciama : Dès que j’ai commencé à rêver au  film, le grand enjeu de reconstitution était plutôt du côté de l’intime, de la restitution du cœur. Si ces femmes se savaient condamnées à des vies toutes tracées, elles étaient traversées pour autant d’autre chose. Elles étaient curieuses, intelligentes, avaient envie d’aimer. Leurs désirs ont beau s’inscrire dans un monde qui ne les autorise pas, ils n’en sont pas moins là. Le rôle est sentimental et intellectuel, et Adèle parce qu’elle travaille au vivant sans jamais cesser d’y réfléchir, a la puissance pour incarner les désirs et la pensée des désirs. Nous avons travaillé avec une très grande précision sur le plateau, notamment sur sa voix. D’après « tournages de Bretagne «