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Un film de Antoneta Alamat Kusijanovic

Croatie 2021 – 1h 36- Drame

Avec Gracija Filipovic, Danica Curcic, Leon Lucev…

L’affiche du film retient l’attention… Une svelte jeune-fille, adolescente sauvage et lumineuse, vêtue d’un blanc immaculé, comme une deuxième peau…Et dès les premières images du film nous sommes plongés dans l’obscurité des profondeurs sous-marines et c’est à peine si l’on perçoit le miroitement de la lumière à la surface… On devine deux plongeurs, nageant de concert, qui chassent la murène (Murina) au harpon. C’est un père, Ante, et sa fille Julija, qui vivent sur une île écrasée de soleil, sans la moindre végétation, quelque part sur la côte Dalmate entre Zadar et Dubrovnik. Mais ce cadre idyllique est aussi une prison pour la jeune Julija…. Son père la rudoie, la tyrannise comme il tyrannise Nela, la mère, ancienne reine de beauté. Ce film, premier long métrage de la réalisatrice croate Antoneta Alamat Kusijanovic a reçu la Caméra d’Or à Cannes. A l’inverse de Les Poings Desserrés de la russe K. Kovalenko qui abordait une thématique identique, Murina ruisselle d’azur et de lumière. Arrive sur l’île Javier, un ami d’enfance de Ante, richissime homme d’affaires… Cette arrivée va faire éclater l’orage familial, ravive les rancœurs, les émotions, la tension se fait de plus en plus palpable… Le malaise contamine la carte postale et fait naître chez Jilija la volonté de se libérer du joug paternel.

Gracija Filipovic qui joue formidablement Julija, donne au film la noblesse d’une tragédie antique, celle de la femme murène. Chez elle tout passe par le regard, elle se faufile discrètement, épie son monde, écoute sans être vue, prête à mordre. La réalisatrice filme décidément bien les éléments et excelle en extérieur (Cf son court métrage remarqué de 2017, Into the Blue). Entre les duels au soleil des hommes taureaux et la révolte de la fille murène, elle sait surtout s’emparer d’un thème très contemporain, voire rebattu, pour le tirer vers la mythologie.

VORTEX

De Gaspard Noé

France – 2022 – Durée  2H20

Avec : Françoise Lebrun, Dario Argento, Alex Lutz, Kylian Dheret

A Paris, dans le quartier Stalingrad, un homme (Dario Argento) et une femme (Françoise Lebrun) forment un vieux couple (ils n’ont pas de prénoms). Ils vivent dans un appartement sous les toits, bas de plafond et en forme de U – détails importants, annonçant une déambulation labyrinthique. Ils se sourient, chacun d’une fenêtre. Le plan d’après, ils boivent un verre sur leur petite terrasse. « La vie est un rêve », dit-elle. Cet apéro à l’air libre sera l’un des rares moments de sérénité. Car la dame au chignon, brillante intellectuelle, ancienne psychiatre, est en train de perdre la tête – Alzheimer, même si la maladie n’est pas nommée. Et la vie devient un enfer pour son mari, critique de cinéma, qui, de son côté, tente péniblement d’écrire un essai

Ces premiers plans, au format carré, seront aussi les seuls où Dario Argento et Françoise Lebrun apparaissent ensemble à l’écran. Tout le reste du film est tourné selon la technique du split screen – l’écran partagé en deux , deux cadres bordés d’un liseré noir, comme celui des faire-part de décès, et, dedans, un reste de vie qui s’agite encore, filmé dans ses rituels, en temps réel. 

Chacun dans son « couloir », les deux personnages vont dès lors évoluer dans leur propre univers : le spectateur acquiert une « vision double », pénètre dans les préoccupations de l’un et de l’autre, se familiarise avec ses habitudes. L’espace mental se connecte à celui de l’appartement, soulevant des questions essentielles : que signifie vivre ensemble, et qu’est-ce qu’habiter ?

De ce temps, lent, épais, et de l’espace familier où l’on se croise sans plus se parler, le cinéaste fait le sujet de son film, hyperréaliste et hypnotique. Petit à petit, l’appartement devient un dédale mental où la vieille femme perd la raison, alors que son mari tient, de manière un peu pathétique, à rester un homme d’esprit, et à continuer d’exister socialement. Au cœur du film, la visite du fils du couple, ex-drogué qui se soigne, devient un sommet bouleversant .

On jurerait, à ces moments, que cette famille a existé. Que ces deux grandes figures de la cinéphilie, le réalisateur Dario Argento, si crédible en vieil intello narcissique, et Françoise Lebrun (La Maman et la putain), merveilleuse de fragilité, avec ses regards qui appellent à l’aide, ont vraiment enfanté Alex Lutz, jamais aussi touchant et à nu qu’ici. 

Gaspard Noé, cinéaste argentin de 57 ans,  a tourné entre autres « Climax», et «Lux Aeterna».

À CHIARA

De Jonas CARPAGNINO – Italie -2h01

avec Swamy Rotolo (Chiara) Grecia Rotolo (Giulia) Claudio Rotolo (Claudio, le père)

Carmela Fumo (Carmela, la mère)

Chiara, 15 ans, est précipitée dans le dur monde adulte plus tôt qu’elle ne l’aurait voulu, quand son père Claudio devient un fugitif recherché suite à ses trafics. Face au mutisme de sa mère Carmela , sa sœur ou encore ses cousins, Chiara devra explorer seule l’histoire familiale.

Les secrets, les non-dits, finissent souvent par déchirer des êtres qui s’étaient toujours aimés et fait confiance. Voici un thème bien connu des drames au cinéma, auquel Jonas Carpagnino arrive pourtant à insuffler une nouvelle force par son approche quasi-documentaire et le récit d’apprentissage qu’il place au cœur. Après avoir dépeint l’hostilité rencontrée par des migrants dans un village italien, puis la jeunesse d’un adolescent Rom dans un microcosme, le réalisateur monte encore les échelons sociaux avec cette fois le portrait d’une famille de la classe moyenne, dont le confort dépend toutefois d’activités illégales. L’avenir de Chiara dépend alors de sa capacité à ouvrir les yeux sur ses origines.

Toujours dans la tradition néoréaliste, la distribution est entièrement composée d’interprètes non-professionnels. Ce choix se révèle payant : les liens entre les membres de la famille deviennent d’autant plus touchants par leur crédibilité et la véritable affection transposée à l’image. De plus, l’empathie éprouvée n’est que plus grande pour ces inconnus, qui semblent interpréter leurs propres rôles dans la première partie de l’œuvre.

Enfermée, comme sa famille, dans une prison mentale, Chiara se démarque en ajustant son corps à son esprit, révolté et constamment en mouvement. Chaque décor, des bunkers à la campagne nappée de brouillard, contraste alors avec son besoin d’émancipation. La mise en scène ne délaisse le réalisme dramatique que pour embrasser le fantastique, à l’occasion d’hallucinations auditives ou de rêves douloureux. Swamy Rotolo, intense, envoûtante, fait de Chiara un personnage saisissant, un thriller à elle toute seule.

FACE À LA MER

De Ely Dagher, Liban-2021-1h56. Avec Manal Issa, Roger Azar, Yara Abou Haidar

Premier long métrage de Ely Dagher, tourné peu avant l’explosion dans le port de Beyrouth du 4 août 2020.

Jana revient soudainement à Beyrouth après une longue absence à Paris et reprend contact avec la vie familière mais étrange qu’elle avait quittée.

On a découvert Manal Issa en 2016 dans Peur de rien de Danielle Arbid où elle campait une jeune Libanaise débarquant à Paris pour tenter d’y trouver une liberté qu’elle n’avait jamais pu trouver dans son pays et de s’y intégrer par sa force de caractère que rien ne semblait pouvoir altérer. Dans Face à la mer, son personnage vit exactement le voyage inverse. Installée en France depuis des années, elle revient vivre dans son pays natal et tente de se reconnecter avec cette ville de Beyrouth qu’elle peine à reconnaître. Bad Trip absolu d’une impasse des personnages et de toute une société. Le film synthétise une inquiétude, un sentiment de perte, une dérive, une menace. Il témoigne d’une épreuve collective et envoie un ultime message de détresse. Pourquoi était-elle partie ? Pourquoi a-t-elle choisi de revenir ? Ces questions- là planent en permanence sur un récit qui ne cherchera pourtant jamais à y porter de réponses. Face à la mer s’affirme comme une expérience esthétique et sensorielle. On le vit dans la tête de cette jeune héroïne, incarnée avec une intériorité majestueuse par Manal Issa qui vit cette ville comme une sorte d’espace fantomatique dont les habitants à commencer par ses parents, dopés aux anxiolytiques, semblent dévorés par une léthargie grandissante pendant que la reconstruction incessante des grands ensembles, privent de plus en plus d’entre eux de vue sur la mer et donc d’horizon.

Ely Dagher fait ressentir cette ville autant ravagée par les guerres à répétition que par la gestion défaillante de ses dirigeants. Un geste envoûtant et hélas prémonitoire. Quelques semaines après le tournage, se produisait l’énorme explosion des entrepôts du port qui allait ajouter du chaos au chaos.