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Brady, jeune cow-boy, entraîneur de chevaux et étoile montante du rodéo, voit sa vie basculer après qu’un cheval lui a écrasé le crâne au cours d’un rodéo. On lui annonce alors qu’il ne pourra plus faire d’équitation. De retour chez lui, dans la réserve de Pine Ridge, sans goût pour une vie différente, il est confronté à la vacuité de sa vie : il est désormais un cow-boy qui ne peut ni faire de rodéo ni même monter à cheval. Pour reprendre le contrôle de son destin, Brady se lance dans une quête identitaire et cherche à comprendre ce que c’est qu’être un homme au cœur de l’Amérique.

Réalisatrice chinoise devenue new-yorkaise, Chloé Zhao poursuit la démarche débutée avec Les Chansons que mes frères m’ont apprises, son premier long métrage, découvert à la Quinzaine des Réalisateurs 2015. De retour dans le Dakota du Sud, la réalisatrice a de nouveau installé sa caméra dans la réserve indienne de Pine Ridge. Ni véritable fiction, ni réel documentaire, The Rider fusionne en fait les deux genres pour dresser le portrait émouvant d’un jeune homme exalté et en crise et, partant, d’une communauté restée en marge de la société américaine. Brandy Jandreau est réellement une étoile montante du rodéo, victime il y a quelques années d’un accident, mais décidé malgré les avis médicaux à poursuivre la seule activité qui donne un sens à son existence. Le scénario écrit par Chloé Zhao est donc conforme au vécu de son acteur non professionnel, autour duquel gravitent des membres de son entourage : Lilly, sa petite sœur autiste, Cat Clifford, son ami, tout autant investi d’une mission dans l’univers du rodéo. La méthode de Chloé Zhao est éloignée du cinéma-vérité initié par Robert Flaherty ou Jean Rouch dans le sens où un décalage romanesque est voulu, sans toutefois user des codes du cinéma narratif traditionnel.

Cela aurait pu être poseur, figé, théorique ; le résultat est pour le moins époustouflant, de par le regard bienveillant porté sur Brady et les siens et la sobriété contemplative de la mise en scène. The Rider filme les laissés-pour-compte du rêve américain, sans dénonciation ostensible ni tonalité larmoyante. Le drame vécu par Brady, inapte à se reconvertir en employé de supermarché et mettant en danger sa propre vie, met en exergue l’incapacité des États-Unis, et de nombre d’économies développées ou émergentes, à offrir un cadre intégrateur à une certaine jeunesse déshéritée. Même s’il se situe dans un registre spécifique par son esthétique, le film par sa thématique s’inscrit dans un courant cinématographique ayant abordé la condition des Amérindiens, dont Cœur de tonnerre et Incidents à Oglala de Michael Apted.

On peut aussi le rapprocher d’un certain cinéma indépendant cherchant à cerner le malaise de l’adolescence, dont le récent Moonlight de Barry Jenkins, qui décrivait le parcours d’un jeune Noir ayant du mal à trouver sa place dans la société. Mais l’autre force de The Rider est d’assumer une dimension westernienne, Chloé Zhao revisitant la mythologie du Far West : les corps tatoués ou blessés remplacent les silhouettes viriles et saines de John Wayne ou Gary Cooper, mais les panoramas majestueux et l’intelligence avec laquelle elle utilise un décor naturel placent la réalisatrice dans la digne descendance des John Ford ou Anthony Mann. Modèle de sensibilité et de rigueur filmique, The Rider est un joyau que l’on ne peut que défendre.

NUL HOMME N’EST UNE ILE

Documentaire français de Dominique Marchais 2017 1H36 VOST

Ils veulent lutter pour une ­société plus solidaire, plus écologique, et le cinéma docu­mentaire peut soutenir leur action. Mais plus comme avant. Pour aller à la rencontre de ceux qui changent le monde, à l’échelle de leur village ou de leur région, Dominique Marchais change lui-même l’idée qu’on se fait d’un documentaire engagé. C’est à une expérience esthétique qu’il nous convie. Elle commence en Italie, au palais communal de Sienne, devant les fresques du bon et du mauvais gouvernement, peintes vers 1340.

Pour la première fois, explique l’his­torienne Chiara Frugoni, ne sont pas seulement représentés des rois et des fidèles serviteurs de l’Eglise mais des paysans, des artisans : des ­citoyens qui veulent décider de leur vie. Le bien commun est leur seul idéal. Mais la fresque montre aussi des paysages : la campagne désignée, pour la première fois aussi, comme pure beauté. D’un autre regard sur le monde peut naître un autre monde… Avec cette séduisante hypothèse en poche, Dominique Marchais voyage en Europe. En Sicile, il rencontre le créateur de la coopérative Le Galline Felici, fier de ses fruits et légumes bio mais aussi de ses « poules heureuses » : rescapées des usines de ponte, elles sont devenues les symboles d’un combat contre un système économique qui broie, et qui bétonne aveuglément ces terres fertiles dont l’enlaidissement en dit long. En Suisse, en Autriche, des ­architectes se mobilisent contre l’exode, dans les vallées reculées, en créant des lieux collectifs qui mettent en valeur le talent des artisans et la beauté de l’environnement naturel.

Partout le cinéaste filme superbement le paysage, le parcourt à un rythme lent qui lie contemplation et ­réflexion. Comme le titre l’indique, avec cette manière presque philosophique d’en appeler à la solidarité, Nul homme n’est une île est un essai qui ­milite pour une façon différente de pen­­­ser. On y rencontre même les responsables du très sérieux Bureau des questions du ­futur, près du lac de Cons­tance. Un voyage étonnant et plein d’enseigne­ments.

MADAME HYDE

De Serge BOZON – France – 2018 – 1h35 

Avec Isabelle Huppert, Romain Duris, Adda Senani, José Garcia, Guillaume Verdier

Madame Géquil (Isabelle Huppert) est professeure de sciences physiques dans une classe de technologique en banlieue. Mais elle est timide et devient la risée de ses élèves, car elle n’a pas la moindre autorité, et elle est donc incapable de faire cours. Elle est même objet d’apitoiement auprès de ses collègues. Elle est pourtant sensible au sort d’un de ses élèves qui est handicapé. Cela n’empêche pas celui-ci de se montrer insolent et antipathique.

Or voilà qu’un jour survient un évènement inattendu qui transforme la petite créature criarde et fébrile, à l’agonie, qu’elle était, en surfemme luminescente.  Dans cette nouvelle version de « L’étrange Cas du Dr Jekyll et de Mr Hyde » de Robert Louis Stevenson, la métamorphose en Madame Hyde s’avère positive. Situation farfelue, fantasque et très drôle dans sa manière de reprendre bon nombre d’archétypes sur l’école pour mieux les pervertir. Chaque personnage détonne : les deux déléguées de classe, sortes de sœurs siamoises anormalement intelligentes, ou les moutons noirs qui scandent un rap étrange venu d’ailleurs. Ou encore, le proviseur de l’école (Romain Duris, impayable), cheveux sur le côté et tenues cintrées bleu ou vert canard : à la fois caricature du manager et histrion fêlé.

Et alors le film glisse vers l’apprentissage. La transmission du savoir devient fluide et gracieuse.

Cette fable décapante, riche de déraillements, doit beaucoup au jeu subtile d’Isabelle Huppert. (D’après Jacques Morice, Télérama)

Les Inrockuptibles, Jean-Baptiste Morain : S’il est bien quelque chose qu’on ne peut dénier au cinéma de Serge Bozon, (…) c’est son originalité, et même son originalité humoristique (…) rien ni personne n’est banal, convenu, “cliché” dans Madame Hyde. Et pourtant tout est vraisemblable.

Cahiers du Cinéma, Florence Maillard : Fable sur la transmission, vision politique de l’école, le film se charge, non sans à-propos, de mystère, de violence, d’inquiétude.

L’Humanité, Emile Breton : une œuvre qui sait révéler sa richesse, sans esbroufe. Le filmage est frontal : un décor typé, de la salle de cours froide au noir profond d’un bosquet, antichambre pour le mystère au pied d’une banale cité, des personnages comme pris sur le vif. On est dans le quotidien. Et dans l’indicible. 

La Croix, Céline Rouden : Quel professeur n’a pas rêvé de disposer de superpouvoirs pour transformer l’hostilité ou l’indifférence de ses élèves en intérêt ? C’est tout le charme de ce film aux effets spéciaux bricolés et dans lequel Isabelle Huppert est utilisée à contre-emploi dans le rôle de cette femme timide et peu sûre d’elle. 

Vent du Nord

De Walid MATTAR – France – 2018 – 1h29 

Avec Philippe Rebbot, Mohamed Amine Hamzaoui, Kacet Mottet Klein, Corinne Masiero

Dans une petite ville du Nord de la France, Hervé qui, à 50 ans, a toujours travaillé dans la même usine pour un modeste salaire, apprend qu’elle va être délocalisée en Tunisie. S’il participe au mouvement de protestation organisé par ses collègues de travail, cela ne l’empêche pas de se résoudre à l’inéluctable. Il projette donc d’utiliser ses modestes indemnités de licenciement pour vivre de sa passion, la pêche, et convaincre son fils, un jeune garçon désœuvré et prêt à s’engager dans l’armée pour échapper à la fatalité du chômage, de l’épauler dans cette aventure. Mais rien ne se passe comme prévu pour Hervé et ses proches, confrontés à de multiples obstacles dans leur tentative de s’inventer une existence plus aimable.

Le chômage et l’horreur économique faut-il aussi savoir en rire ? Oui, répond Walid Mattar (né en Tunisie en 1980) dans cet épatant premier film. Il y raconte les efforts d’une famille de la « France d’en bas » pour échapper au pire. Et il observe, en Tunisie, là où l’usine a été délocalisée,  les difficultés pour un jeune homme, Foued, d’accepter des conditions de travail humiliantes sur une chaîne de montage. De quoi rafraîchir notre regard chauvin sur les délocalisations.

Le film slalome avec élégance entre le nord de l’Hexagone et la banlieue de Tunis, et décrit, avec une lucidité qui n’exclut jamais l’humour, les souffrances sociales de notre époque. Si Vent du Nord ne relève pas de la comédie, sa tonalité, malgré la gravité des thèmes abordés, demeure légère, comme un contrechamp solaire aux meilleures fictions sociales concoctées par le cinéma français ces derniers temps.

D’après Olivier de Bruyn, Marianne

Un drame intimiste attachant, audacieux dans ses choix techniques et parfait dans sa distribution. Amélie Leray, Les fiches du Cinéma

En trouvant le ton juste pour cette comédie tout en retenue, le réalisateur célèbre la quête d’une vie heureuse, contre vents et marées. Et parle avec finesse des désillusions du présent comme de l’utopie jamais vaincue. Frédéric Strauss, Télérama

« Abracadabra » comédie dramatique espagnole (1h36)

Avec Maribel Verdú, Antonio de la Torre, José Mota, Quim Gutiérrez, Julián Villagrán, Rocio Calvo, Josep María Pou

Carmen est mariée avec Carlos, un fan de foot et conducteur de grues bas du front, gueulard et peu attentif. Lors d’un mariage où son cousin se produit en tant qu’hypnotiseur, Carlos qui le déteste, fait passer celui-ci pour un idiot en se portant volontaire et faisant semblant de s’endormir. Mais une fois à nouveau assis à sa place, alors qu’un air connu retenti sur le téléphone portable de sa voisine, un déclic soudain se produit…

Un tourbillon de sensations

Le moins que l’on puisse dire c’est que l’auteur espagnol Pablo Berger aime mettre en scène des histoires originales et composer des univers à part entière. Après avoir fait sensation début 2013 en adaptant « Blanche neige » en noir et blanc (« Blancanieves« ) à la manière d’un film muet, le voici qui nous propose un scénario aux multiples facettes, entre drame amoureux, comédie fantastique et thriller psychologique. Et le mélange fonctionne à merveille grâce à l’étrangeté de certaines situations ou personnages croisées, ajoutant au suspense ambiant et rendant au final l’improbable intrigue principale presque crédible, ou tout au moins désirable.

Car c’est bien avant tout du personnage de la femme que traite « Abracadabra« , de ses désirs presque oubliés, de ses espoirs enfouis profond, de cet amour auquel elle a pratiquement renoncé, la faute à un homme dominé par la colère. La transformation du comportement de celui-ci est alors le vecteur de fantasmes et désirs qui pourraient bien reformer une envie de vie. Mais le scénario ahurissant signé Pablo Berger réservera bien des surprises, interrogeant à la fois la capacité à repartir sur de nouvelles bases et l’essence même du sentiment amoureux. Maribel Verdú excelle dans ce registre, entre incrédulité et espoirs renaissant, disséquant chacun des gestes de son bourrin de mari, pour mieux percevoir le réel changement.

Face à elle, Antonio de la Torre (« Que dios nos pardone« , « Balada Triste« ) est une nouvelle fois impérial. L’aisance avec laquelle il passe de la colère à une tendre béatitude, de la frustration agressive au vide, impressionne. Mais ce sont finalement les personnages secondaires qui viendront ajouter à la sensation d’étrangeté de l’ensemble, du couple ayant recréé des pans entiers du catalogue Ikea, à l’agent immobilier dramaturge, en passant par le singe voleur de sandwich ou le professeur surtout intéressé par l’argent. Avec une maîtrise déconcertante, Pablo Berger enchaîne d’improbables scènes dignes de films d’horreur où le filmage rapproché des visages domine, avec des scènes de pure comédie. Se permettant des clins d’œil aussi bien à « L’Exorciste » qu’à « Taxi Driver » ou « La fièvre du samedi soir« , « Abracadabra » est de ces films qui vous surprennent à chaque nouvelle scène, pour mieux vous égarer dans ses multiples pistes, ou vous émouvoir dans ses conclusions.

Critique d’Olivier Bachelard, « Abus de ciné »

Le décor, c’est l’Italie du Nord en plein été, du côté de la grande bourgeoisie esthète..  Elio, 17 ans un rien tête à claques, est le fils unique, le trésor vivant, d’un couple d’intellectuels fortuné et cosmopolite qui, chaque été, retrouve sa magnifique ­villa du XVIIe siècle dans la campagne. Elio est déjà un musicien accompli et un érudit. Il sait tout sur tout. Le prodige Timothée Challamet, nommé à l’oscar du meilleur acteur, lui prête sa gracilité poseuse. Mais il ne sera plus le même à la fin du film.

Car l’assurance étudiée d’Elio ne pèse rien face à la désinvolture américaine, sportive et adulte d’Oliver (Armie Hammer, hollywoodien à bon escient), thésard venu travailler quelques ­semaines auprès du père universitaire. Oliver énerve, puis fascine, puis obsède Elio, qui l’observe sans cesse, le suit le plus souvent possible, inspecte sa chambre en cachette…  L’histoire se déroule au présent,  durant l’été 1983, reconstitué avec une minutie fétichiste — objets, vêtements, chansons. Ce présent induit un film d’une certaine légèreté, avec entre autres,  la peinture d’une classe sociale dont les membres sont déchargés de toute contrainte matérielle par d’affectueux domestiques à domicile. Et donc entièrement libres de se consacrer aux choses de l’esprit, ou de la chair. L’étude sur la cristallisation amoureuse peut ainsi se déployer pleinement : la vie paraît si facile que chaque nouvel émoi sentimental ou sexuel d’Elio, à la conquête d’Oliver, occupe tout l’espace, constitue un rebondissement en soi.

L’intensité naîtra de la séparation annoncée entre les amants. Et, pour une fois, l’ordre moral et la raison familiale n’y sont pour rien. Les parents d’Elio  se révèlent plus que bienveillants : ils vont jusqu’à transformer les derniers jours de l’Américain sur le sol italien en une courte lune de miel pour lui et leur fils. Mais les deux garçons ne sont pas au même stade de leurs vies. Une belle séquence d’ivresse nocturne dans un village lombard montre Oliver en pleine épiphanie, au point culminant de sa joie de vivre, tandis que le frêle Elio se met à vomir : c’est trop de bonheur pour lui.

Luca Guadagnino trace une voie singulière, entre une fidélité italienne au néoréalisme (vérité des décors et des corps, durée des plans) et un tropisme hollywoodien — tout concourt à séduire. Call me by your name, tourné dans la région où il vit, est à ce jour son film le plus accompli,  jusque dans cette scène tardive, purement ­cinématographique : le seul visage d’Elio, filmé très longtemps, reflète alors l’entrée du personnage dans une dimension inconnue de lui, la vénération du souvenir.

 D’après la critique de Télérama du 28/02/18 (Louis Guichard)