Dernière nuit à Milan, une proposition de cinéma passionnante et excitante. Plongée noire dans la dernière nuit de service d’un policier nommé Franco Amore, confronté à de sérieux problèmes. Rencontre avec Andrea Di Stefano et Pierfrancesco Favino :
Andrea Di Stefano, vous avez commencé votre carrière de réalisateur en langue anglaise, qu’est-ce qui vous a poussé à revenir vers l’Italie pour ce troisième long métrage ?
16 août 1962 Naissance à Mohammédia (Maroc). 1983 Entrée à l’Idhec. 2004 Les Revenants, premier film. 2013 Eastern Boys. 2017 120 Battements par minute.
Avec 120 Battements par minute, il avait exprimé son engagement dans la lutte contre le sida. Le cinéaste revient, avec L’Île rouge, sur son enfance à Madagascar, marquée par le colonialisme.
Comme 120 Battements…, L’Île rouge a beaucoup à voir avec la vie
de son auteur. Au début des années 1970, Robin Campillo a habité,
enfant, dans la base aérienne 181 d’Ivato, à Madagascar, où son père
était sous-officier. La République malgache était indépendante
depuis 1960, mais de nombreux soldats étaient restés sur place pour
garantir la présence de l’ancienne métropole dans cette position
stratégique de l’océan Indien. Jusqu’à ce que, en 1972, la jeunesse
malagasy, ulcérée par le soutien du président Tsiranana aux intérêts
français, ne contraigne ce dernier à la démission, et ses protecteurs
tricolores à quitter le pays… À travers le regard de Thomas, un petit
garçon de 8 ans, et une mise en scène somptueuse dans les décors
naturels de Madagascar, Robin Campillo donne chair à ses souvenirs
d’enfance. Et propose une chronique aussi sensible que politique. Thomas, c’est vous?(suite…)
Les Liaisons Dangereuses, Hight Fidelity, The Queen, Tamara Drewe, Philomena, Confident Royal, The Lost King.
Stephen Frears : « J’ai eu un bon parcours. Mais tout ça, ça se termine »
Le réalisateur britannique de « The Queen » et, aujourd’hui, de « The Lost King » se réclame de Billy Wilder et revendique le droit à la moquerie. Entretien.(suite…)
Révélation de la Semaine de la Critique cannoise 2015 avec son premier long Ni le ciel ni la terre[+], Clément Cogitore a opéré un retour spectaculaire en séance spéciale de la même section parallèle au 75e Festival de Cannes avec son second opus, Goutte d’Or.
Cineuropa : D’où est venue l’idée d’une histoire centrée sur médium ?
Clément Cogitore : J’ai longtemps vécu dans le quartier de la Goutte d’Or, à Paris, cela me fascinait et cela m’a évidemment inspiré le film. À partir de ce geste très simple, presque un cliché du quartier, de ces gars qui distribuent des tracts pour des médiums au pied du métro à Barbès, l’idée m’est venue de faire commencer l’histoire là. Mais je voulais surtout travailler sur un personnage qui est dans la manipulation des informations, qui joue sur les systèmes de croyances. (suite…)
Dans un entretien pour Madmoizelle, Lénore Serraille nous a parlé de la façon dont le cinéma permet de mettre en lumière ce que l’on ne dit pas au sein de la famille, de l’importance de découvrir de nouveaux acteurs sur le grand écran, de mettre en valeur des modèles noirs et des personnages féminins forts.
Un petit frère, de quoi ça parle ?
Quand Rose arrive en France, elle emménage en banlieue parisienne avec ses deux fils, Jean et Ernest. Construction et déconstruction d’une famille, de la fin des années 80 jusqu’à nos jours.
Madmoizelle. Comment est née l’idée de faire ce film ?
Léonor Serraille. Je pense depuis longtemps à écrire un film sur cette histoire-là. C’est dans ma tête depuis que j’ai rencontré mon amoureux, il y a 20 ans. Il m’a raconté beaucoup de choses de son histoire et je lui ai demandé : est-ce que tu veux que j’en fasse un film ? J’avais très envie de le faire : comme spectatrice, j’avais besoin de voir ce film-là. Je sortais de Jeune femme et j’avais besoin d’écrire sur plein de thématiques comme la maternité, les relations frère sœur, la famille… J’ai eu deux enfants, donc en tant que maman, tous ces questionnements se sont imposés à moi.
J’avais aussi besoin de faire ce film pour mes enfants, pour qu’ils grandissent avec d’autres modèles que des histoires de blancs. En France, on a parfois l’impression de toujours voir les mêmes acteurs dans les films. Certaines actrices, qui sont par ailleurs super, jouent parfois dans 10 films par an ! J’ai besoin que ma fille grandisse avec d’autres modèles. J’ai ressenti une responsabilité à faire ce film. J’avais besoin de montrer la beauté de ces personnages. Je les ai cherchés, et j’ai voulu les révéler, les comprendre, les regarder à leur hauteur.
Avez-vous écrit ces personnages en partant de la fiction, comme on écrirait un roman ou plutôt d’éléments proches du réel, ancrés dans une réalité sociale ?
Je suis partie de 4 ou 5 éléments concrets, comme l’arrivée de cette famille à la fin des années 1980 ou le fait que la mère est femme de ménage. Ensuite, j’ai inventé. J’avais en tête une espèce de valise remplie de souvenirs, de choses que mon compagnon a pu me raconter. J’avais aussi besoin d’écrire un personnage de maman assez moderne, insaisissable et mystérieuse, qui avait une sorte de panache, de fougue, d’élan et en même temps un peu de tragédie en elle. Mais je ne suis pas partie en enquête. Je ne suis pas allé interviewer cette famille, Au contraire, j’ai senti qu’il fallait que je prenne la distance et que j’invente. Par exemple, les hommes de la mère, Rose, sont tous des personnages de fiction. J’ai voulu raconter une éducation sentimentale de Rose. On la montre laver des baignoires, mais à d’autres moments, on révèle aussi un peu de son intimité, son besoin de vivre des choses intensément. C’est comme si elle était trop grande pour la petite vie qu’on lui donne. L’important était de ne jamais porter de jugement sur les personnages. Ce n’est pas un film à message, avec quelque chose à transmettre. C’est plutôt la mise en valeur de personnes qui nous donnent matière à cogiter, à nous émouvoir. De plus, je laisse une grande place à l’imagination, aux projections du spectateur parce que tout n’est pas dit. Le film se passe sur 25 ans, donc il y a parfois de grosses ellipses. On ne sait pas ce qui se passe sur trois mois, un an, dix ans… C’est au spectateur de remplir les trous, d’être actif et d’imaginer ce qui arrive à chacun. Comme dans Jeune femme, le personnage féminin est très intéressant, a beaucoup d’humour et de personnalité. Comment avez-vous écrit le personnage de Rose ? Il y a quelque chose de très féminin dans ma famille. Je viens d’une famille qui compte beaucoup de femmes au fort caractère. Les grands-mères, les mères, les six tantes sont des femmes qui aiment parler et qui ont beaucoup d’humour. Je pense que, même si c’est inconscient, ça influence mon cinéma. De plus, comme spectatrice, j’aime beaucoup les personnages pleins de nuances. Ils peuvent même être un peu désagréables ! Rose a quelque chose de très tragique, son histoire n’est pas facile mais je trouvais important de montrer que malgré les difficultés, elle résiste à tout, elle avance toujours avec son petit style, sa patte personnelle, sa façon de se décaler un peu des choses et d’injecter un peu de d’ironie. Elle ne verbalise pas tout, mais elle est vraiment dans le temps présent. Quand elle est là, elle parle, occupe l’espace et elle fait les choses à sa façon.
Vous mettez une scène un personnage principal féminin, noir, travailleuse précaire, ainsi que le point de vue de deux jeunes enfants, noirs. C’est très rare de voir ces personnages représentés au cinéma.
Oui, c’était très important. Le cinéma peut prendre en charge beaucoup de choses grâce à la fiction. Et surtout, ce qu’on disait avec l’actrice Annabelle Lengronne, c’est que cette histoire peut être racontée sous différents angles — celui des conditions de travail de chacun par exemple, ou celui de l’engagement, de la colère… Là, on a décidé d’aller dans l’intime, pour qu’on puisse se projeter dans les personnages. Récemment, j’ai entendu le discours d’Annie Ernaux pour son prix Nobel. Elle a dit : « Quand l’indicible vient au jour, c’est politique. » Cette phrase me parle. L’indicible, c’est tout ce qui relève de l’intime, qui nous rattache à la vie. Récemment, j’ai été interpellée par le fait qu’une spectatrice disait que ce film était l’histoire de son père et qu’il serait une porte d’entrée pour discuter avec lui car il ne parle pas beaucoup. Dans des familles comme celle-ci où il y a beaucoup de tabous, de silences, de choses intériorisées, on ne sait pas forcément comment aborder ces sujets : le cinéma le permet. En tant que spectatrice blanche, je peux me projeter dans cette famille, être émue par des choses présentes dans toutes les familles : les non-dits, la façon dont on communique, l’amour, la pression des parents, de l’aîné… C’est une famille qui vient d’Afrique subsaharienne, mais ce n’était pas le motif premier. C’est surtout une toile de fond à partir de laquelle on tisse des destins. D’ailleurs, il y a beaucoup de ma propre famille dans ce film. On y trouve beaucoup de questions que je me pose. Quelle est la place de chacun dans la fratrie ? Comment communique-t-on ? La maman est-elle écrasante pour les enfants ? Est-on poussé par la famille ou est ce que ça nous freine ?
Le Jour de la Grenouille, Toi non plus tu n’as rien vu
Vous travaillez sur ce projet étayé et documenté depuis plus de dix ans et abordez le déni de grossesse, un sujet délicat, source d’a priori tenaces, d’opprobre sociale, susceptible de poursuites judiciaires pour les femmes concernées. Pourquoi ce choix d’une fiction de cinéma ?
J ‘ai commencé à m’intéresser au déni de grossesse en 2011, ma rencontre avec le Dr Félix Navarro [le film est dédié à la mémoire de ce médecin à l’origine de l’Association française pour la reconnaissance du déni de grossesse] a été fondamentale. Grace à lui, j’ai pu connaître des femmes qui avaient subi un déni. Elles ont eu la générosité de me raconter leur expérience et elles m’ont bouleversée. De leurs paroles j’ai retenu un sentiment d’injustice très fort, d’incompréhension et une douleur insondable, (suite…)
Dans son deuxième long métrage, le cinéaste raconte la quête des origines de Freddie, interprétée par la plasticienne Park Ji-min, elle-même d’origine coréenne. Il nous raconte la création de ce film coup de poing.
Retour à Séoul, de Davy Chou, en salles depuis le 25 janvier, est une bombe de cinéma, aussi douce qu’étrange, aussi pop que noire, où explose un personnage féminin réellement singulier. Rencontre avec un cinéaste franco-cambodgien qui casse les codes avec intelligence et admire les filles qui le bousculent.
Lorsqu’il est sélectionné à La Berlinale en février 2022, Le Retour des hirondelles est projeté dans une version revue par la censure chinoise, qui modifie la fin pour livrer une happy-end plus politiquement correcte. À sa sortie sur les écrans chinois le 8 juillet 2022, le film rencontre un vif succès : il rapporte 100 millions de yuans en 62 jours pour un budget de 2 millions. Pourtant, le long-métrage est retiré des cinémas le 26 septembre, victime de la censure du régime en place. (suite…)
Réalisateur, scénariste, metteur en scène de théâtre et d’opéra
Playing the Victim, Le Disciple, Leto, La
Fièvre de Petrov, la Femme de Tchaîkovsky
Incroyable destin que celui de Kirill Serebrennikov. Un cocktail explosif à lui tout seul. Père juif russe. Mère polono-ukrainienne. Né à Rostov-sur-le-Don (Russie), voici cinquante-trois ans. Ajoutez, avec le temps, physicien viré saltimbanque, artiste polymorphe (théâtre, cinéma, opéra), agitateur invétéré, homosexuel et démocrate revendiqué. Liberté, diversité, refus de l’assignation identitaire et du patriotisme borné. Tout ce que le pouvoir russe abhorre. Cela devait mal tourner. Il s’est retrouvé accusé de malversations, assigné à résidence en 2017, condamné à trois ans de prison avec sursis en 2020. Il s’échappe de la geôle russe en mars 2022. La sortie de portrait saisissant d’une aliénation, équivaut pour le réalisateur à une libération.
Qu’avez-vous trouvé de particulièrement inspirant dans cette histoire d’amour à sens unique et de folie au point d’y consacrer un film ? Comment avez-vous déjoué les pièges de l’académisme, qui sont souvent les travers des films biographiques et historiques ?
Par Coeur, L’Intouchable,Villa Amalia, Les Adieux à la Reine, Suzanna Andler, Par Coeurs
Par coeurs : c’est quoi ce documentaire avec Isabelle Huppert et Fabrice Luchini ?
Isabelle Huppert et Fabrice Luchini, côté coulisses
En 1998, le cinéaste Benoît Jacquot réalise Par coeur, un documentaire qui est une captation de la lecture au théâtre, seul en scène, de grands auteurs par Fabrice Luchini. 24 ans plus tard, il reprend quasiment le même principe dans Par coeurs pour cette fois filmer Isabelle Huppert et Fabrice Luchini au Festival D’Avignon 2021. La comédienne y était pour la représentation de La Cerisaie d’Anton Tchekhov, et le comédien pour une lecture de Friedrich Nietzsche. (suite…)
/!\ Le prochain Coup de Coeur Surprise aura lieu le Lundi 7 Avril 2025 à 20h 00. A l’issue de la projection, nous vous proposons de nous rejoindre afin d’échanger vos impressions.
