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Jean Bernard Marlin

ENTRETIEN AVEC JEAN-BERNARD MARLIN

Comment êtes-vous devenu cinéaste?
J’ai 38 ans. J’ai grandi à Marseille dans un milieu modeste. Mon désir de cinéma remonte à l’enfance, à ladécouverte de E.T. et autres films du même genre à la télévision. Mon père n’était pas du tout cultivé, mais il adorait regarder des films et la seule relation que j’avais avec lui, c’était ce moment-là, quand on regardait ensemble des films à la télé. Dire très jeune que plus tard on fera des films, ça faisait rire mon entourage…Quand j’avais 16 ans, il y avait un atelier cinéma dans une MJC, animé par quelqu’un qui m’a fait découvrir le cinéma d’auteur – ce cinéma-là, au départ, ce n’était pas du tout mon monde ! Il m’a aussi appris l’existence d’écoles de cinéma. À Paris, j’ai passé le concours de l’école Louis Lumière où j’ai été admis et formé au métier de directeur de la photo. Puis j’ai fait un atelier scénario d’un an et demi à la Femis.

De quoi vit-on en attendant son premier long métrage ?
Travailler dans le cinéma quand on n’a pas de contacts, c’est compliqué. J’ai même été au RSA pendant une période pas si éloignée… J’ai enchaîné des emplois de courte durée, souvent liée à ma formation, mais j’ai vu que je n’étais pas très doué pour la technique pure. J’ai aussi enseigné l’art dramatique, il y a deux ans, au Cours Florent. En 2013, mon court-métrage, La Fugue, a obtenu l’Ours d’or au Festival de Berlin. Le prix a attiré l’attention sur moi : le producteur Grégoire Debailly m’a demandé si j’avais un sujet et il en a financé l’écriture. C’est ce qui a donné Shéhérazade aujourd’hui.

D’où vient l’idée de ce film ?
Le point de départ, c’était il y a cinq ans, à Marseille, un fait divers sur un petit proxénète. Un adolescent de 16 ans, en fugue, est arrêté dans un hôtel de passe du centre-ville où il vit avec deux filles prostituéesde son âge. Pendant plusieurs mois, ils vivent de l’argent de la  prostitution. On l’accuse de proxénétisme. Eux, ils vivent une histoire d’amour. C’était assez violent entre eux, il y avait des coups échangés. Mais les protagonistes l’identifiaient bien comme une histoire d’amour. Cette histoire, je l’ai rencontrée plusieurs fois dans la rue, à Marseille. J’ai vu des jeunes filles prostituées se battre et tenter de survivre sur le
trottoir pendant que leur copain était en galère. Certaines leur ramenaient même de l’argent en prison.

Avez-vous connu pendant votre enfance marseillaise des gens comme les personnages de Shéhérazade ?
C’est arrivé, sporadiquement. Je ne baignais pas dans ces milieux, sinon j’aurais sombré dans la délinquance, moi aussi. J’habitais dans le 13e arrondissement qui, en termes de sociologie, se situe entre les cités pauvres et les quartiers tranquilles. Et j’étais plutôt bon à l’école. Plus tard, en passant quasiment une année dans les Centres Éducatifs Fermés pour un documentaire, j’ai tissé des liens avec cette jeunesse. J’ai même essayé de chercher les protagonistes du fait divers qui m’inspirait. Je ne les ai pas trouvés, mais j’ai rencontré des
gens qui les connaissaient, cela a conforté l’idée que cette histoire était assez banale.

Montrer une réalité dont vous avez été le témoin, c’est une nécessité ?
Pour écrire ce film, je suis revenu habiter dans la ville où j’ai grandi. J’ai passé plusieurs mois avec des jeunes femmes qui se prostituent dans le quartier de la Rotonde, où a eu lieu cette histoire. Elles ont entre 16 et 24 ans, elles traînent en bande. Elles vivent dans des chambres d’hôtel du quartier. J’ai observé leur vie dans la rue, je leur ai demandé de me parler de leur vie amoureuse. Je me suis rendu compte que beaucoup d’entre elles étaient passées par des foyers. Ça s’inscrivait dans la continuité de mon travail, un documentaire et un court métrage sur un jeune de foyer. Au départ, ce n’était peut-être pas conscient, mais je sais aujourd’hui qu’à la base d’un projet, il y a toujours pour moi une exigence documentaire. J’ai besoin d’y croire, j’ai un problème de croyance avec un cinéma trop artificiel. Je peux aimer le cinéma fantastique ou de science-fiction, mais il faut que ce soit réaliste. Le cinéma est un sport de riches et mettre en avant des personnes qui restent habituellement dans l’ombre, essayer de le faire de façon authentique, cela me paraît très important. C’est un geste politique. D’où le choix de comédiens non-professionnels : ils ont instinctivement le langage, les gestes des personnages. Leur visage raconte une histoire. Mon producteur, Grégoire Debailly, aime aussi les histoires ancrées dans le réel, avec une
approche documentaire. Il produit les films de Samuel Collardey. Mais, avec Shéhérazade, je suis allé un peu plus vers la fiction.

Comment s’est déroulée l’écriture du scénario ?
À Marseille, j’ai rédigé une première version assez documentaire. Puis je suis reparti à Paris, et la scénariste Catherine Paillé m’a fait des retours : ce qui ne devait être qu’une collaboration est devenu une vraie co-écriture. Elle a apporté une sensibilité qui lui est propre, quelque chose de poétique, et aussi beaucoup de bon sens. Les dialogues étaient déjà très écrits parce que je connais le langage de ces jeunes, je connais leurs expressions, je les maitrise même très bien. Ce qui ne m’a pas empêché, au tournage, de laisser parfois
les jeunes improviser. Et puis Lisa Amedjout, qui joue le rôle de Sabrina dans le film, m’a aussi aidé : elle connaissait bien les filles du quartier de la Rotonde, elle m’a dit ce qui sonnait juste ou pas dans leurs scènes.(….)

Pourquoi ouvrir votre histoire contemporaine par des images d’archives ayant trait à l’immigration ?
Pour ancrer le film dans Marseille, pour que la ville soit un personnage à part entière. Marseille est une ville d’immigration, je suis moi-même issu de l’immigration, ma mère est arménienne. C’est une façon de dire que les héros de ce film sont les enfants de ces gens-là. Quand j’étais enfant, on avait tous des origines étrangères : ce mélange de cultures représente Marseille. Dans un souci documentaire, j’ai tourné le film sur les vrais lieux de prostitution : le quartier de la gare Saint Charles et le boulevard Sakakini. Dans les endroits où traînent et vivent mes personnages: le quartier de Belsunce et le parc Kalliste dans les quartiers Nord de Marseille. Comme les acteurs, les décors devaient être authentiques, ce sont ceux que mes personnages côtoient dans la vie réelle. Tout a été tourné in situ, à Marseille. (…)

Vous filmez parfois de loin, dans l’embrasure d’une porte, via un miroir, comme quand Zac vient voir sa mère… Dans quel but ?
Parfois, je trouve trop grossier d’être avec les personnages à l’endroit où il se passe quelque chose. Il est plus fin, plus délicat, de rester à distance. D’ailleurs, il y a des scènes que j’aime moins parce que je me reproche de les avoir filmées trop frontalement. La mère de Zac correspond bien aux mutations sociales de la ville : elle appartient à une nouvelle génération de mamans. Aujourd’hui elles sont jeunes, leur mari est souvent en prison, elles sont parfois démissionnaires vis-à-vis de leurs enfants. J’ai rencontré beaucoup d’éducatrices, leur métier est un vrai sacerdoce. Il n’y a pas assez d’argent pour une vraie réinsertion et il est impossible de trouver du travail à Marseille, j’en ai fait l’expérience à la sortie du lycée. C’est une ville très pauvre. (…)

Quand Zac décide de devenir proxénète, le film délaisse le naturalisme pour se frotter au cinémade genre…
Je n’ai pas vraiment pensé le film en termes de genre, même si Shéhérazade est « trans-genre » comme beaucoup d’autres films aujourd’hui : il mêle des codes du documentaire, du thriller, du film noir et de l’histoire d’amour. La base est naturaliste, mais je voulais décoller un peu de ça, j’aime bien les récits plus amples. J’ai pensé que le film était tellement documentaire que je pouvais m’amuser à proposer autre chose. C’est aussi pour ça que j’ai choisi Jonathan Ricquebourg comme chef opérateur : il a signé l’image de « Mange tes morts », qui partait du documentaire pour dévier vers le monde des gangsters. Les intrigues et les scènes mafieuses du film par exemple, je les ai écrites en me documentant, puis je les ai réécrites sur le tournage avec certains acteurs du film qui connaissaient mieux que moi les situations que je décrivais. Ils m’ont montré où garer le scooter pour braquer les Bulgares, par exemple… Les acteurs étaient en quelque sorte les conseillers techniques du film !

Le troisième acte est singulier : il met au jour une puissante histoire d’amour…
À côté de l’aspect documentaire du film, je voulais insuffler une dimension romanesque à cette histoire d’amour. Je souhaitais que Zachary et Shéhérazade « se crament » pour une histoire de cœur, qu’ils touchent au sublime. J’ai beaucoup pensé à Pasolini et à Elia Kazan au moment de l’écriture du scénario. Je voulais une éducation sentimentale contemporaine, une histoire d’amour sur la brèche, au jour le jour, comme cellesque je connais.

L’aveu impossible devient un enjeu scénaristique d’une force imprévue. Il faut toute la maïeutique de la machine judiciaire pour faire parler Zac et Shéhérazade…
Avec la partie tribunal, le film change de registre, on est dans autre chose : le langage, le monde des adultes, on s’adresse presque à une autre zone du cerveau. À l’écriture, on avait identifié deux enjeux intéressants : le déni de l’amour pour Zac et le déni de la prostitution pour Shéhérazade. C’était ça dont j’avais envie de parler, on touche au cœur du projet. Shéhérazade a beaucoup de mal à reconnaître qu’elle exerce ce métier. Et Zac ne peut pas admettre être amoureux d’une fille, encore moins d’une pute. Ça fait faible, ça lui demande d’abandonner le personnage qu’il s’est construit. Il doit dire en public le contraire de ce qu’il a dit au début du film : « Moi, je respecte les filles, je respecte pas les putes ».

À quoi sert le personnage de Zelda, la colocataire transgenre de Shéhérazade ? À montrer déjà que Zac peut changer…?
Je me suis rendu compte en enquêtant qu’il y avait à Marseille beaucoup de garçons ou de filles qui se prostituaient tout en étant en transition, en cours de changement de sexe. Je me suis dit que je ne pouvais pas parler de ce milieu-là sans avoir un personnage comme eux. L’actrice elle-même est transsexuelle. Zelda prend du crack et je ne pouvais pas non plus occulter l’emprise des drogues dures. Mais, oui, l’obligation qu’a Zac de cohabiter avec elle marque un début de changement en lui. Au casting, quand j’ai demandé à des jeunes des quartiers de jouer avec des personnes transgenres, c’était assez violent. Du coup, j’ai pensé que c’était intéressant de montrer qu’en vivant près d’elle, Zac commence à mieux comprendre l’autre.

Pourquoi ce titre ?
J’ai baptisé le film du nom du personnage qui en est le moteur, qui fait changer mon personnage principal. Et le personnage s’appelle Shéhérazade parce que j’ai croisé des filles qui portaient ce nom et que je trouvais ça en décalage avec la Shéhérazade des Mille et une nuits, bien que ce soit une courtisane. Surtout, je voulais que le film soit féminin.

Propos tirés du dossier de presse

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Bettina Oberli

 

Née le 6 novembre 1972 à Interlaken

Suisse

Scénariste, réalisatrice

Les Mamies ne font pas dans la Dentelle, Le Vent Tourne

Bettina Oberli, cinéaste des zones obscures

Elle a connu un immense succès populaire avec «Les mamies ne font pas dans la dentelle» mais a aussi tourné d’âpres tragédies. Figure importante du cinéma suisse, la réalisatrice bernoise sort «Le vent tourne», un drame rural situé dans le Jura.

Elle sourit: «J’ai différentes facettes comme tout le monde.», concède une préférence pour le drame: «Je suis plutôt attirée par l’exploration des zones obscures de l’âme humaine.» Parmi ses références, elle cite Jane Campion, des réalisatrices autrichiennes dans la lignée de Michael Haneke comme Barbara Albert ou Jessica Hausner, mais aussi Claire Denis et Olivier Assayas. Et puis bien sûr Lars von Trier «que j’adore et déteste en même temps, comme il le veut». Melancholia, chef-d’œuvre nihiliste, l’a ébranlée: il lui a fallu trois jours pour s’en remettre. Un peu de cette âpreté se retrouve dans Le vent tourne. Situé dans le Jura, ce drame rural s’articule autour d’un couple de paysans, Pauline (Mélanie Thierry) et Alex (Pierre Deladonchamps), qui essayent de vivre au plus près de leurs convictions idéologiques. L’éolienne qu’ils installent devant leur ferme concrétise un projet commun – et attise des dissensions latentes. «Je voulais une femme de certitude qui perd ses certitudes pour se reconstruire, et que cette femme soit inscrite dans le monde contemporain», explique Bettina Oberli.

«Auf Französisch»

Pour la première fois, elle a tourné un film qui parle français. Elle s’étonne que tout le monde s’en étonne alors que personne ne bronche quand Pierre Monnard fait Recycling Lily en Schwyzerdütsch. «Dans notre pays, nous avons quatre langues, quatre cultures. C’est parfois pénible, parce que ça nous sépare, mais c’est beau.» Elle voulait tourner dans le Jura, dont les paysages l’inspirent car, sans vue sur les Alpes de neige ni chalets fleuris, ils rompent avec les clichés d’une Suisse pittoresque et ripolinée. Comme on parle français dans les Franches-Montagnes, la langue de Blaise Cendrars s’est imposée, dite par deux grands comédiens français. Mélanie Thierry a envie de travailler avec des cinéastes qui ont une vision forte. «J’ai trouvé ça avec Bettina. Nous n’avons pas toujours été d’accord, il y a eu de petites frictions. Mais tout s’est très bien arrangé. On s’aime beaucoup. Je sais que je suis dure, coriace. Bettina est trop gentille et moi je suis trop méchante», analyse-t-elle. Le français, Bettina Oberli l’a appris toute petite auprès de sa famille maternelle venue du Seeland. Son compagnon et collaborateur régulier, le chef opérateur Stéphane Kuthy, né à Paris, parle français à la maison avec leurs deux enfants, et l’aîné fait le gymnase bilingue. Quant au cadet, il se passionne pour le théâtre: à 11 ans, il a déjà tenu des rôles dans des pièces de Dürrenmatt ou Thomas Mann jouées au Schauspielhaus.

Pluie torrentielle

A Locarno, Le vent tourne n’a pas eu de chance. Une pluie torrentielle a interrompu la projection sur la Piazza Grande. «C’était horrible! Un cauchemar! reconnaît Bettina Oberli. Au milieu de la première mondiale du film, les 8000 spectateurs ont fui. J’ai dû partir, je me suis cachée toute seule derrière l’écran en pleurant, sans savoir que faire. Me suicider? Rentrer à l’hôtel?» Lot de consolation: elle n’a jamais reçu autant d’affection de la part de la branche cinématographique. Quant aux journalistes suisses, la plupart affichaient des moues hautaines. Une façon de faire payer à la réalisatrice le fabuleux succès des Mamies? Elle en a parlé l’autre jour avec Michael Steiner, le réalisateur de Mein Name ist Eugen, selon lequel «si tu as un succès en Suisse, on ne te le pardonne jamais». Bettina Obeli relativise ce verdict. Elle admet toutefois qu’un réalisateur doit «donner l’impression d’être modeste, s’excuser d’avoir du succès». D’ailleurs, elle a prudemment refusé de réaliser Heidi, projet doré sur tranche et destiné à exploser le box-office.

Fin ouverte

A Locarno, lorsque l’association SWAN (Swiss Women’s Audiovisual Network), qui milite pour la parité dans le cinéma suisse, a invité les femmes et les hommes de bonne volonté pour une colazione, Bettina Oberli était évidemment présente. En quelque vingt ans d’activités dans le milieu du cinéma, elle a pu observer que «l’ambition, les idées claires, l’exigence sont des valeurs connotées positivement chez l’homme et plutôt négativement chez la femme. On est perdues si on commence à avoir peur de ça. C’est compliqué. Depuis quelques mois, le sujet de l’égalité est omniprésent, nombre de femmes célèbres s’investissent. Je pense qu’il n’est plus possible de revenir en arrière. Le chemin sera long, mais on va dans la bonne direction.» Le vent tourne se termine sur un plan de Pauline, debout devant le Creux-du-Van. Certains spectateurs décèlent la fascination morbide du gouffre. Mélanie Thierry trouve cette image «inquiétante». D’autres voient le vent du large. Bettina Oberli trouve cette conclusion très optimiste. C’est une proposition au spectateur, l’horizon qui s’ouvre. «Il faut laisser les fins ouvertes: elles résonnent plus longtemps.

D’après Antoine Duplan pour Le Temps du 20 septembre 2018.

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Saïd Hamich

Producteur, réalisateur

Retour à Bollène

On sent que RETOUR À BOLLÈNE est né d’une nécessité de raconter…

C’est tout à fait ça. Le film s’est littéralement imposé à moi. Je n’ai pas pu ne pas le faire. J’y ai pensé pour la première fois quand ma mère m’a annoncé qu’elle quittait Bollène… Je pense que je voulais garder quelque chose de cette ville et de cette cité, peut-être qu’inconsciemment j’éprouvais un besoin et un devoir de mémoire et de témoignage. (suite…)

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Vivian Qu

Née en République Populaire de Chine

productrice, réalisatrice

Trap Street, Les Anges Portent du Blanc

NOUS NE FORMONS TOUTES QU’UNE SEULE FEMME”

Entretien avec Vivian Qu

Ce que j’ai aimé dans le film, c’est que même à la fin, après ce qui est arrivé, les filles conservent leur identité propre et profitent de leur enfance.

Tous les enfants sont innocents. Mais nous leur apprenons certaines valeurs bien trop tôt et de la mauvaise manière. (suite…)

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PROGRAMMATION JUIN 2018

31 mai au 5 juin

 

31 Mai au 5 JUIN

MES PROVINCIALES 

De Jean-Paul CIVEYRAC – France – 2h16

 Avec Andranic Manet, Diane Rouxel, Corentin Fila, Sophie Verbeeck, Gonzague Van Bervesselès, Jenna Thiam, Nicolas Bouchaud.

La ville qui aimante les rêveurs, Paris, voit débarquer des provinces des femmes et des hommes de 20 ans pour leurs études et en particulier de cinéma. Ces jeunes gens se rencontrent

au hasard des colocations, des filières partagées, des fêtes improvisées et échangent sur leur conquête d’un idéal dans la littérature, la philosophie, la musique, l’art. C’est une manière de construire une identité qui les rend beaux et émouvants. Ils s’interpellent, se défient, se haïssent à cause d’idées divergentes sur ce que doit être un film. Et leurs personnages buttent sur la façon d’affronter l’état actuel du monde et sur leur condition existentielle.

 

Le 1° juin séance unique

Le 1 juin séance unique

 

SUGARLAND 

De Damon Gameau – Documentaire – 2018 – Australie – 90mn

Débat avec Daniel Huet de l’association des diabétiques de Haute-Savoie ; de Flore Solvas, diététicienne nutritionniste et du Dr Arnaud Bologne diabétologue à Sallanches 

Vous ne gouterez plus au sucre de la même manière après ce film. Un documentaire édifiant réalisé par Damon Gameau qui a testé pendant soixante jours une nourriture dite «  saine » (sans confiseries, glaces ou sodas) , « équilibrée », (yaourt 0%, repas light…) mais riche en sucres souvent cachés. A voir les conséquences de ce régime sur un corps sain, ce film devrait être remboursé par la Sécurité Sociale. Bien réalisé, ce film instructif reste drôle et mérite d’être largement diffusé. 

 

Du 7 au 12 juin

Du 7 au 12 juin

LES ANGES PORTENT DU BLANC

De Vivian Qu – Chine – 2018 – 1h47 – VOST

Avec Wen Qu, Zhou Meijun, Shi Ke, Liu Weiwei, Geng Le

Voici un regard aigu sur les femmes dans la Chine contemporaine, de conditions et d’âges différents.

Dans une station balnéaire, une adolescente travaille comme hôtesse d’accueil. Une  nuit, un chef d’entreprise débarque, s’enivre dans sa chambre avec deux collégiennes et abuse sans doute d’elles. Tout le monde cherche à étouffer l’affaire, sauf une avocate qui se bat pour faire éclater la vérité. L’hôtesse tait ce qu’elle sait, par peur : elle n’a pas de papiers…Il y a les deux jeunes victimes, qui réagissent différemment, sous l’influence de leurs parents. Il y a le coupable et son argent corrupteur. Il y a surtout l’adolescente témoin, sur le point de s’émanciper, mais fragilisée, sans doute le personnage le plus troublant.

 

Le 8 juin séance unique

Le 8 juin séance unique

EN QUÊTE DE SENS

De Nathanaël Coste et Marc de la Ménardière – Documentaire – 2015 – 1h27mn

Avec Vandana Shiva, Pierre Rabhi, Hervé Kempf

Dédat avec Magalie Cathand (« Une farandole à l’école »), Charlotte Schwartz (« les arts fertiles ») et Françoise Renault docteur en sciences humaines et philosophie.

Ce documentaire raconte le road-movie de deux amis d’enfance qui cherchent à comprendre ce qui a conduit aux crises actuelles et d’où pourrait venir le changement. Ce film est révélateur des aspirations profondes de toute une génération en quête de sagesse et de bon sens et interroge notre vision du monde tout en présentant les alternatives pour construire le monde de demain.

 

Du 14 au 19 juin

RETOUR À BOLLENE

De Saïd Hamich – France – Maroc – 2017 – 1h07

Avec Anas El Baz, Kate Colebrook, Saïd Benchnafa, Abdelhac Saleh…

Né à Fez, Saïd Hamich est diplômé de la Femis. Il a fondé sa maison de production, Barney, et a déjà produit de nombreux courts  et longs métrages dont « Much loved « et « Vent du nord. » Il a lui-même vécu à Bollène.

C’est sa première expérience comme réalisateur et pourtant, il nous donne à voir ici un film intimiste particulièrement prometteur quant à la suite de sa carrière.

Nassim, 30 ans, vit à Abou Dabhi, où il a réussi dans les affaires. Après plusieurs années d’absence, il revient avec sa fiancée américaine chez ses parents à Bollène. Lors de son retour, il  doit faire face à son passé, dans une ville vide, délabrée, sinistrée par le chômage de tous ces nombreux ouvriers maghrébins; dans cette cité, désormais dirigée par la ligue du sud, le racisme est présent. Il subit surtout le choc des retrouvailles avec sa famille  avec laquelle il entretient des relations complexes, où la communication a toujours été difficile. Le constat c’est qu’un véritable fossé identitaire s’est creusé entre lui et ses proches. Réflexion sur l’identité et les communautarismes, le film ne lâche  jamais Nassim, étranger parmi les siens. Remarquable premier essai cinématographique que certains cinéastes avaient tenté de réaliser sans y parvenir.

 

21 au 26 juin

Du 21 au 26 juin

TRANSIT

De Christian Petzold – Allemagne-France – 2018 – 1h41 – VOST

Avec Jean-Pierre Darroussin, Franz Rogowski, Paula Beer….

De nos jours, à Marseille, des réfugiés de l’Europe entière rêvent d’embarquer pour l’Amérique, fuyant les forces d’occupation facistes. Parmi eux, l’allemand Georg prend l’identité d’un écrivain mort pour profiter de son visa. Il tombe amoureux de Marie, en quête désespérée de l’homme qu’elle aime.

Christian Petzold, le réalisateur talentueux de « Barbara » et de « Phoenix » a adapté librement le roman de Anna Seguers publié en 1944 et a choisi de déplacer cette trame dans l’époque actuelle sans changer quoi que ce soit de la temporalité du récit de l’écrivain.

Comme dans ses films précédents, on retrouve les thèmes qui lui sont chers : l’usurpation d’identité, le double, la hantise.

 

28 juin au 3 juillet

Du 28 juin au 3 juillet

LUNA

 De Elsa Diringer – France – 2017

 Avec Lætitia Clément,  Rod Parabot, Julien Bodet, Frédéric Pierrot, Juliette Arnaud…

Alex travaille dans une exploitation maraîchère, c’est un petit gars sympathique. Un jour il croise une bande de jeunes ivres qui l’accusent d’être entré sur leur territoire et il est violé. La jeune fille qui lui tire son pantalon, c’est Luna. Quelques semaines plus tard Luna revoit Alex. Est – ce parce qu’elle a changé de coiffure qu’il ne la reconnaît pas ? A moins qu’il ne fasse semblant. Pour ne pas affronter une situation difficile elle cherche à le faire renvoyer, mais peu à peu elle finit par tomber sous le charme de ce garçon délicat et attentionné.

Lætitia Clément prête sa sensualité, sa brutalité à ce personnage qui découvre l’apparition de la douceur dans sa vie en même temps que le remords.

Un récit épineux, une mise en scène et des interprètes lumineux. Un premier film réussi.

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Jean-Paul Civeyrac

Né le 24 décembre 1964 à Firminy

France

Réalisateur, scénariste

Mon Amie Victoria, Ni d’Eve ni d’Adam, Des Filles en Noir, Toutes ces Belles Promesses, Mes Provinciales

Entretien avec Jean Paul Civeyrac

Qu’est-ce qui vous a conduit à réaliser ce film-là, maintenant ?
Ce film est très lié à ma rencontre avec Frédéric Niedermayer, mon producteur. On avait envie d’un film peu onéreux, qui pourrait se faire rapidement. J’ai écrit le scénario en deux mois, et quatre mois plus tard, on tournait ! Tout s’est fait dans un rapport de confiance, dans une énergie qui n’a jamais faibli, un peu comme dans un rêve (suite…)

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Walid Mattar

Né à Tunis en 1980

Tunisien

Réalisateur

Condamnations, Baba Noël, Vent du Nord

QUELQUES MOTS DU RÉALISATEUR WALID MATTAR

DE L’USINE AU CINÉMA

J’ai grandi à Hammam-Lif, une banlieue ouvrière de Tunis située en bord de mer. La vie animée des quartiers populaires est marquée par la difficulté pour les familles de joindre les deux bouts. Au rythme des marées, les hommes passent leurs journées au café, les femmes aux fourneaux, et les rendez-vous amoureux ont lieu en cachette, à la plage. (suite…)

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Chloé Zhao

Née le 31 mars 1983 à Pékin

Chine

Productrice, scénariste, réalisatrice

Les Chansons que mes frères m’ont apprises, The Rider

Comme Les Chansons que mes frères m’ont apprisesThe Rider a été tourné dans la réserve indienne de Pine Ridge, dans le Dakota du Sud, avec des acteurs non professionnels qui campent des personnages proches de ceux qu’ils sont dans la vraie vie. The Rider allie les panoramas majestueux qui ont fait la gloire des westerns américains et l’histoire profondément intime d’un homme obligé de recomposer son identité”, décrit The Wrap.

COURRIER INTERNATIONAL Pouvez-vous nous présenter Brady? Qui est-il dans la vraie vie, et comment s’est-il imposé comme le héros de The Rider ? (suite…)

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Dominique Marchais

Entretien avec Dominique Marchais

D’où vient le titre, Nul homme n’est une île ?

C’est le premier vers d’un poème de John Donne du début du 17ème siècle : «Nul homme n’est une île, un tout, complet en soi ; tout homme est un fragment du continent, une partie de l’ensemble ; si la mer emporte une motte de terre, l’Europe en est amoindrie, comme si les flots avaient emporté un promontoire, le manoir de tes amis ou le tien ; la mort de tout homme me diminue, parce que j’appartiens au genre humain; aussi n’envoie jamais demander pour qui sonne le glas : c’est pour toi qu’il sonne.» John Donne tisse un parallèle entre l’espace géographique, le continent, et le genre humain. Cette analogie (suite…)

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Serge Bozon

Né le 8 novembre 1972 à Aix en Provence
France
Réalisateur, critique de cinéma, acteur
La France, Tip Top, Madame Hyde

Bozon revient sur les influences et les recherches qui traversent «Madame Hyde». Une méditation sur la transmission, entre réalisme abrasif et stylisation des clichés. Apparemment décalé et pourtant toujours en phase, après les Poilus à la dérive de la France ou le choc de Tip Top et son commissariat en folie, Serge Bozon signe cette fois une fiction sur l’enseignement, ce «sanctuaire» qu’il fait bouger à sa manière dissonante et intempestive.

(suite…)

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